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Henri Bureau, fotógrafo de un icono

17 octubre, 2019 por Classphoto 1 comentario

Henri Bureau, fotógrafo de un icono.

Esta imagen publicada infinidad de veces tiene esa fuerza característica porque sobrepasa el particularismo de la guerra entre Irán e Irák. Publicada en en 1980 en la revista alemana Stern, reaparece de nuevo publicada en el año 1990 con motivo de la guerra del Golfo. No necesita pié de página, todos los elementos del conflicto están presentes de una forma asombrosa y cuidada, es un autentico icono de la guerra del petroleo. Todo esto dice Frank Mueller que entonces era director de Stern en la oficina de Nueva York.

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La fotografía es un icono de la Guerra del petroleo

El conflicto.

El 22 de Septiembre de 1980, el Irak de Sadam Husein invade el Irán del ayatolá Jomeini en lo que será la primera guerra del Golfo Pérsico. El objetivo es la población fronteriza del Chatt el Arab que es donde reside mas de la mitad de las reservas petrolíferas del mundo. Un conflicto fraticida, tres millones de soldados se enfrentan en trincheras convirtiéndose en un salvaje enfrentamiento, el resultado ocho años después son un millón de muertes y dos economías hundidas.

 

Henri Bureau.

Henri Bureau, fotógrafo de un icono, Henri Bureau, Irak, iran, Golfo PersicoHenri Bureau, fotógrafo entonces de la agencia Sygma, comenta que le reprocharon haber preparado la instantánea, pero, «¿que merito le resta eso?» reprende. El fotógrafo comenta en una entrevista que «Perseguí esta foto durante 20 años» y nunca mejor dicho, quien la sigue la consigue, el tercer día de la guerra llega a Irán, escoltado por dos Jeeps militares de los iraquíes, circula por un camino que atraviesa a lo largo la zona del Chatt el Arab, en ese momento, divisa columnas de humo que se ven elevándose sobre el desierto, las refinerías iraníes están ardiendo, sabiendo que la noche esta cayendo, grita ¡Stop! «Al ver a mi conductor caminar con la metralleta en la mano, mi encuadre recogía algo extraordinario. El me sonrió y me hizo la señal de la V de la victoria, pero yo no quería identificarlo, quería una foto que simbolizara esa guerra, ese conflicto, así que le pedí que se diera la vuelta, eso es todo. No es un montaje como tal, no fui yo quien desencadenó la guerra ni la quema de aquellos pozos, en mi carrera he dejado escapar miles de fotografías simplemente por no haberlas visto a tiempo. Esta foto la he estado persiguiendo durante veinte años y cuando se presentó, no fallé. Ese es mi mayor orgullo».

Fotógrafo de guerra, un documental sobre James Nachtwey

3 octubre, 2019 por Classphoto Deja un comentario

Fotógrafo de guerra, un documental sobre James Nachtwey.

Volvemos a la carga otra vez hablando de una cinta, pero esta vez no hablamos de películas ficticias o que narran la verdad de un momento, esta vez este largometraje es un documental. Un documental grandioso y soberbio que narra la vida profesional del gran fotógrafo de conflictos James Nachtwey. James Nachtwey es uno de los mejores fotógrafos bélicos del mundo por no decir el mejor, quizás el último captador de imágenes puro que queda en un mundo que ha decaído en su forma de informar, galardonado con el prestigioso premio Foto del Año 1992 del World Press Photo y por muchos otros reconocimientos en el ámbito de la fotografía War Photographer nos enseña sin tapujos no solo su forma de trabajar, si no también su lado mas íntimo y personal.

Fotógrafo de guerra, un documental sobre James Nachtwey

Un testimonio sin precedentes.

Esta película documental fue dirigida por el suizo Christian Frei especializado en documentales, fue realizada durante el año 2001 y fue nominada a los Oscar de Hollywood como mejor película documental del 2002, hay que mencionar que fue superada por el documental de Michael Moore «Bowling for Columbine» algo nada despreciable teniendo en cuenta al autor tan mediático como Moore. War Photographer (Fotógrafo de Guerra) Narra de forma intima y cautivadora el trabajo de James, de forma técnicamente inmejorable ya que en ocasiones podremos ver imágenes impactantes porque coloca una mini cámara justo pegada a la cámara réflex del fotógrafo y podemos ver y escuchar todo mientras esta realizando su trabajo, todo o que vamos a ver en esta cinta es la vida real en diferentes países del mundo, con sus problemas, con sus hambrunas, con su punto inhumano generado por el mismo humano. James ademas de enseñarnos su forma de trabajar nos da su punto de vista y su forma de actuar en los momentos de su labor. Es muy conmovedor observar como Nachtwey desprende una total falta de ego y recalca en cualquier ocasión como su trabajo se produce siempre desde el mas profundo respeto y humildad hacia las personas que retrata, casi podemos entender como el director habrá tenido que rogarle el poder describir como trabaja. Vemos en esta película fotografías narradas y testimoniadas por su autor de forma muy muy personal, su forma de explicarse y hablar nos transmite un cierto relax, una personalidad pausada y reflexiva. Como comento, siempre medita sobre las situaciones que explica con un gran respeto a sus semejantes y por las situaciones vividas. «Sería impensable en lo que llamamos ‘vida normal’ entrar en la casa de una familia que está llorando la muerte de uno de sus seres queridos y pasar un rato largo allí haciendo fotos. Simplemente nadie lo haría. Esas fotos nunca podrían haber llegado a hacerse sin haber sido aceptado por la gente que fotografío. Es simplemente imposible hacer momentos como esos sin la complicidad de la gente que fotografías, sin el hecho de haber sido bienvenido, aceptado y de que ellos quieran que yo esté allí»

En la cinta se muestran los conflictos e imágenes que Nachtwey cubrió durante dos años en Indonesia, Kósovo y Palestina y ademas de sus propios testimonios también aparecen los testimonios de muchos profesionales y amigos que le conocen dando una muestra mas personal y humana sobre James. En otra entrada hablaremos largo y tendido sobre este grandísimo fotógrafo.

 

 

Ficha Técnica.

Ficha Técnica.Dirección, montaje y edición: Christian Frei. Pais: Suiza. Año: 2001 Duración: 96 minutos. Formato: 16:9 Aspecto: 1:1.85 Producción: Christian Frei, Madeleine Hirsiger, Paul Riniker, Osnat Trabelsi. Música: Eleni Karaindrou, Arvo Pärt, David Darling. Fotografía documental: Christian Frei, Peter Indergand. Calificación: No recomendada para menores de 18 años. Premios: Nominado Mejor Documental Oscar 2002. Ganadror Viewpoint Filmfestival Genf 2002. Ganador Premio Phoenix Cologne Conference 2002. Ganador Docaviv Tel-Aviv International Documentary Film Festival.

 

Lentes de aproximación para divertirse un rato.

27 septiembre, 2019 por Classphoto 1 comentario

Lentes de aproximación para divertirse un rato.

Hoy vamos ha hablar de un elemento muy barato y que para un fotógrafo principiante puede hacer las delicias de un nuevo descubrimiento y a la corta, un momento de gran diversión. Todo viene relacionado con la macro fotografía, muchos ya sabréis de que va esta disciplina fotográfica pero por si hay alguno aun perdido, hemos de decir que la macro fotografía es el arte de realizar fotografías a elementos pequeños o de detalle, aun así, quizá decir esto quede demasiado sencillo… y no lo es tanto, pues la macro fotografía tiene una circunstancia muy curiosa y que entre comillas limita técnicamente. La macro fotografía lo que hace físicamente, es acercar la distancia mínima de enfoque, pero claro, también acerca la distancia máxima de enfoque dando lugar a una imposibilidad de poder tener el fondo enfocado y por ende a tener una profundidad de campo al infinito. Este efecto normalmente queda bonito en este tipo de fotografía, pero para los que quieren aumentar esa profundidad de campo, no tendrán mas remedio que cerrar el diafragma como siempre se a hecho todo lo que puedan.

Diferentes filtros o lentes de aproximación, Lentes de aproximación para divertirse un rato.

Diferentes filtros o lentes de aproximación,

Al principio, cuando se empieza en el mundo fotográfico, al comprar una cámara, un día nos da por hacer una foto a un elemento pequeño o de detalle y vemos extrañados que la cámara no llega a enfocar, exacto, ahí radica la característica de la distancia mínima de enfoque de un objetivo, al ser superada nos es imposible enfocar y por consiguiente realizar la toma. Para poder hacer este tipo de fotos, necesitamos diferentes accesorios o herramientas que nos permitan acercar esa distancia mínima de enfoque lo maximo posible, entre ellas estarán los objetivos específicos macro, los mas costosos de todos los accesorios, los tubos de extensión, los anillos de conversión (este lo explicaremos mas adelante ya que es muy divertido y extraño al mismo tiempo) fuelles mas profesionales y lo que nos atañe hoy, las lentes de aproximación.

Que son las lentes de aproximación.

Hablamos de las lentes de aproximación porque son los elementos mas baratos y prácticos a la hora de empezar en el mundo macro, existen infinidad de calidades y precios, cabe destacar que una lente de aproximación esta constituida por un cristal y que cuanta mas calidad tenga este cristal, mas cara será dicha lente, pero bueno, yo creo que lo primero es probar y divertirse, con un pack de cuatro lentes por unos 25€ podemos empezar a echarnos unas risas y tardes de divertimento. ¿Que son estas lentes? dijéramos que son unos filtros que se adaptan a los objetivos dependiendo siempre del diámetro para acoplarlas, estos filtros actúan como una lupa, por ello existen diferentes grados de aproximación, pueden ser de X2, X4, X10 etc. Obviamente os aviso de que los filtros no son la mejor opción de todas para el macro ya que la luz deberá pasar por un filtro de cristal de dudosa calidad y eso afecta a la calidad de esa luz cuando llega al plano focal, es decir al sensor o película, cuanto mas potencia tenga la lupa, peor será el resultado de calidad de imagen, generando a veces aberraciones cromáticas bestiales e incluso en algún caso, deformaciones. Pero bueno, lo dicho, son unos elementos para empezar y pasarlo muy bien probando a fotografiar cosas que nunca imaginaste fotografiar, recomendable trípode y mucha dosis de paciencia, si tienes esto, se te pasarán las horas volando y alucinarás con los resultados.

Te dejo un enlace para que veas fotografias macro AQUI

Muere uno de los fotógrafos de una foto icónica

19 septiembre, 2019 por Classphoto Deja un comentario

Muere uno de los fotógrafos de una foto icónica.

Muere uno de los fotógrafos de una foto icónica, Charlie Cole, Tiananmen

Charlie Cole con su fotografía.

Llevamos una temporada en la que nos están dejando varios colegas, y no son poca cosa, todo sea dicho, Robert Frank, Leopoldo Pomés y esta vez Charlie Cole, uno de los cuatro fotógrafos que captaron uno de los momentos mas icónicos de la historia del siglo XX, no en vano, la instantánea se convirtió en un icóno social contra la represión. Charlie Cole nos dejó el pasado día 13 de Septiembre a la edad de 64 años en Bali, país en el que residía hace 15 años, nació en Bonham (Texas, EEUU), graduado en periodismo gracias a la profesión militar de su padre, su trabajo estuvo ligado al ejército, cubriendo conflictos como el levantamiento del pueblo filipino en 1985 o las manifestaciones estudiantiles de Corea del Sur de mediados de los ochenta. Un accidente de tráfico, dejó su pierna deshecha y acabó cambiando su profesión por la fotografía comercial.

Lo más destacado de Cole entre los otros tres fotógrafos que captaron imágenes casi calcadas, es que Charlie, ganó el prestigioso certamen World Press Photo de 1990 con su instantánea. Los otros tres fotógrafos serían Stuart Franklin de Magnum Photos, Jeff Widener, para la agencia Associated Press (AP) que fue nominado al premio Pulitzer, y Arthur Tsang Hin Wah, para Reuters, Charlie Cole trabajaba entonces para la publicación Newsweek.

 

Una foto icónica, un momento histórico.

No obstante vamos a comentar como transcurrió la toma de esta imagen tan peculiar y que los cuatro fotógrafos pudieron ver e inmortalizar. El contexto de la noticia se remonta al año 1989, los chinos animados por una visita del presidente de la Unión Soviética Mijail Gorbachov, se manifiestan con los estudiantes a la cabeza para exigir mas democrácia y sobretodo que se luche contra la corrupción reinante en sus políticas. En Pekín, la Plaza de Tiananmen es ocupada por los estudiantes acompañando esa ocupación con una huelga de hambre, el gobierno dividido entre dialogantes y conservadores duda y en la noche del 3 al 4 de Junio Den Xioa-Ping ordena vaciar la plaza con tanques en un acto de represión sin paliativos y que mediaticamente pondrá en el centro de las miradas al gobierno Chino, el resultado será más de un millar de muertes y descontroladas detenciones.

Muere uno de los fotógrafos de una foto icónica, Tiananmen, China, press

 

Según las declaraciones del fotógrafo de Magnum Photos Stuart Franklin, «No es una buena foto, la tomé desde muy lejos, no podía ser de otra manera» en la mañana del 4 de Junio después de la matanza que hubo en la famosa plaza, el ejército ocupa ese lugar, la prensa se encuentra encerrada en el Hotel Beijing. «Las fuerzas de seguridad controlaban todo el edificio y no nos dejaban salir» así que Franklin se refugia inteligentemente en uno de los balcones que daban a la plaza. «Ví con mis propios ojos como el ejército disparaba sobre una columna de estudiantes desarmados, sentí una enorme frustración por no poder bajar a testimoniar» Los carros, después abandonaron la zona por el Este «Fué entonces cuando observé a un joven plantarse delante de la columna de tanques, estuvo discutiendo con ellos durante unos 15 minutos mas o menos, era un gesto de extremada valentía e inaudita en un momento tan dramático, el miedo era saber que podía ser arrollado, disparé cuatro o cinco carretes con un teleobjetivo temiendo que pasara cualquier cosa mientras cambiaba de película, al final unos manifestantes se llevaron al héroe desconocido que desapareció entre la muchedumbre» La fotografía llegó a París escondida en una lata de té, gracias a la complicidad de una estudiante francesa.

Al protagonista de la foto nunca se le pudo dar una identidad, se intentó en vano buscarlo, la asociación de disidentes estudiantes hizo todos los esfuerzos pero nada, lo mas grotesco de este caso es que la foto fue utilizada por el gobierno chino para decir: «Mirad, no hemos reprimido al pueblo. La prueba es que el tanque no aplastó al manifestante».

 

El Fotografo Robert Frank nos deja

12 septiembre, 2019 por Classphoto Deja un comentario

El Fotografo Robert Frank nos deja.

Hace ya unos días conocimos la noticia de la muerte de uno de los fotógrafos mas influyentes y reconocidos del panorama mundial, uno de esos fotógrafos que denominamos de raza y que eran hasta ese día leyenda viva. Hoy queremos hablar un poco sobre el y su vida.

Robert Frank nació un nueve de noviembre de 1924 en Zurich dentro de una familia judía bastante adinerada, era de esperar que la visión de la opresión nazi contra los judíos y la herencia laboral impuesta por la propia familia dentro de la idiosincrasia cultural judía hizo que un joven Robert se inclinara hacia la fotografía como medio de esparcimiento y liberación comunicativa, en 1946, con 24 años publicaría su primer libro (40 Photos) de obra gráfica, hay que decir que estuvo aleccionado por varios diseñadores gráficos y fotógrafos de la época.

El Fotografo Robert Frank nos deja, Robert Frank

El fotógrafo Robert Frank

Al año siguiente en 1947 Frank emigraría a los Estados Unidos, en Nueva York conseguiría su primer trabajo como fotógrafo de moda en la prestigiosa revista Harper`s Bazaar, no hay que olvidar que Robert estaba bastante bien posicionado económicamente y no le faltaban recomendaciones, esto le dio alas para poder viajar por territorios europeos y sobretodo Suramericanos, momento en el cual le dio para publicar dos libros mas sobre Perú. 1950 será un año transcendental en la vida profesional del fotógrafo pues conocería a una leyenda de la profesión como es Alfred Steichen y participara en una exposición colectiva nada menos en el MoMA de Nueva York (51 Americans Photographers). Ese mismo año contrae matrimonio con Mary Lockspeiser, artista y pintora, con ella tendría dos hijos, Andrea y Pablo.

El Fotografo Robert Frank nos deja, Robert Frank

© Robert Frank

 

The Americans.

Fue en este tiempo cuando Frank empieza a desilusionarse en cierto modo con la cultura tan consumista de los EEUU, mas si cabe cuando observa las penurias y pobreza de muchos de sus ciudadanos que no consiguen ese preciado y anhelo sueño americano, empieza a ver a este país como triste y solitario y ese ánimo se verá irremediablemente en el estilo y lenguaje de sus reportajes. Laboralmente trabajaba de forma independiente con revistas como Mc All`s, Vogue y Fortune. En 1955 se construiría por fin el trabajo mas afamado de Robert Frank, gracias a un amigo fotógrafo tan bien relacionado y afamado como el gran Walker Evans, Frank consigue una beca de la fundación Guggenheim para viajar por todo el País para fotografiar a la sociedad americana en todos sus aspectos, dos años de viaje ininterrumpido en el cual incluso se llevó a su familia, de 28.000 imágenes se seleccionaron tan solo 83 que serían las elegidas para entrar en la leyenda gráfica de la historia publicándose uno de los mas famosos libros de fotografía de todos los tiempos (The Americans) Un inusual modo de fotografiar alejado de los estándares de la época del resto de reporteros gráficos hizo que esta obra fuese en un principio algo denostada pero años después aceptada como obra de arte, Publicado primero en 1958 en París, al año siguiente sería publicado en los estados Unidos, deberíamos de entender el cierto puritanismo del país en torno a la autocrítica de su sociedad donde la perfección del consumismo y liberalismo no eran retratadas. Como nota decir que este gran libro esta editado en España por La Fábrica y se llama Los Americanos.

El Fotografo Robert Frank nos deja, Robert Frank, The Americans

El famoso libro «The Americans»

 

El cine como medio.

Después de todo esto Robert Frank se imbuyó en la técnica cinematográfica y como filme maestro parió un documental sobre el grupo musical Rolling Stones en 1972, como no, estuvo envuelto en sonoras polémicas, pues en el documental no se filtra nada y el consumo de drogas y el sexo en grupo son parte de la documentacion de aquella gira, pero sin embargo lo que mas perturbo a Jagger fue la ironía de ver en el filme la sonora soledad en la calle de estos personajes, Jagguer le diría a Frank (Es una jodida buena película, Robert, pero si se muestra en América nunca más nos permitirán entrar en el país) Así que dicho esto los Stones demandaron al fotógrafo para que el filme no se emitiera, ademas también se discutió sobre los derechos de autor de las imágenes… un culebrón poco agradable, pero en cierto modo entendible entre ambas partes.

El Fotografo Robert Frank nos deja, Robert Frank

© Robert Frank

 

No es oro todo lo que reluce para Frank, en 1969 se separa de Mary, se casaría en 1971 con la escultora June Leaf, y en 1974 quizá la fecha mas trágica par el fotógrafo es la muerte de su hija Andrea en un accidente aéreo con 20 años de edad, un tiempo antes su otro hijo, Pablo, se le diagnosticaría esquizofrenia. desde entonces al fotógrafo se le atribuye una personalidad muy introvertida y solitaria, rechaza cualquier tipo de entrevistas o apariciones públicas y tan solo aceptara trabajos para vivir de su pasión como fotógrafo o director de cine para vídeos musicales como por ejemplo grupos de la talla de New Order o Patti Smith. el 9 de Septiembre de este año 2019 fallece a la edad de 94 años en Nueva Escocia, Canadá

 

Por respeto al profesional de la fotografía

18 junio, 2019 por Classphoto 5 comentarios

Por respeto al profesional de la fotografía.

Volvemos a la carga con una nueva campaña de publicidad algo atrevida y directa, después de ver constantemente como el trabajo de los fotógrafos se minusvalora desde todos los ámbitos de la sociedad queremos poner nuestro granito de arena con estas frases que dejan muy clara que como un profesional no puede haber fotógrafo mejor.

Desde que la fotografía digital llegó a nuestras vidas, la profesión de fotógrafo ha sido deteriorada aun mas que cuando ya lo estaba en los tiempos de lo analógico, hoy por hoy se cree que cualquiera que lleve una cámara réflex o de determinada calidad puede realizar un reportaje o un trabajo que no tenga nada que envidiar a un profesional y esto no es así.

Si que es cierto que con una réflex se puede realizar fotografías con una calidad de archivo buenas y si la luz lo permite, en automático se podrían sacar imágenes normales y bien de color, luz y demás, pero nunca se podrá dominar para realizar la fotografía que uno quiere tener o realizar, generar puntos de vista creativos utilizando la técnica de la tecnología de estas cámaras y objetivos, por otro lado un profesional de la fotografía está en constante formación, los software y productos que aparecen año tras año o mes a mes, hacen que debamos estar alertas a las mejoras y a las posibilidades nuevas que aparecen en esta profesión.

 

Razones de profesional.

No podemos olvidar que aun pagando nuestros impuestos y gastos, como el iva, irpf, local u oficina, materiales etc, también tenemos seguros que hacen que estemos soportados por si ocurriese algún problema, ademas debemos de estar preparados para cualquier situación, casi siempre llevamos mas de una cámara, flash y objetivo versátil por si acaso.

Nunca deberíamos menospreciar el trabajo de nadie, cada uno sabe de lo que hace y por supuesto debemos ponernos en el lugar del otro, hasta los trabajos mas «fáciles» que creamos, tienen sus técnicas y sus pequeños secretos que hacen que seamos mejor. Para informaros de que cosas están ocurriendo en nuestra profesión os invito a que visitéis la pagina de facebook «Stop, clausulas abusivas a los fotógrafos» leeréis experiencias muy rocambolescas.

Así con todo esto, os dejo la campaña que se suma a la que ya hace unos años creamos.

 

Por respeto al profesional de la fotografía, classphoto by ferran mallol, ferran mallol Por respeto al profesional de la fotografía, classphoto by ferran mallol, ferran mallol

Objetivo fotográfico: La Luna

16 abril, 2019 por Classphoto Deja un comentario

Objetivo fotográfico: La Luna.

21 de Julio de 1969, 3:56 hora española. Neil Amstrong pone el pie sobre la superficie de nuestro satélite: «Es un pequeño paso para un hombre pero un gran salto para la humanidad» dirá el comandante de la misión Apollo XI. Despues Aldrin, el piloto del módulo Lunar, se reúne con el. Durante dos horas y media los astronautas despliegan instrumental científico, toman muestras de roca y por supuesto hacen fotografías. Estados Unidos se toma la revancha de la URSS que había puesto en órbita al primer hombre alrededor de la tierra.

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El viaje a la luna no ha dejado indiferente a los aventureros del espacio, Neil Amstrong es localizable, Buzz Aldrin por su parte, cayo en la depresión hasta que volvió a encontrar una razón para vivir «descendí de la cápsula diecinueve minutos después de Neil y fui yo que hice descender la cámara de fotos con una polea. A continuación, cuando nos desplazábamos tomé una foto de la huella de mis botas sobre la luna. Luego Amstrong hizo la foto en la que se me ve posando junto a la bandera. Todo fue muy rápido, pues apenas teníamos estabilidad. La otra dificultad era mantener el mástil clavado en el suelo que estaba cubierto de una fina capa de polvo muy poco consistente. Entonces arrugamos la bandera para dar la impresión de que soplaba un ligero viento que la hacia ondear, pero ciertamente no hay viento en la luna. Con esta imagen queríamos rendir homenaje a la supremacía de nuestra nación, ante los cientos de millones de personas que nos estaban viendo e directo.

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Treinta años después, usted me pregunta si la fotografía ilustra bien lo que viví. Para responderle tengo que recurrir a mi memoria, para recuperar lo que viví en realidad, pero, justamente, sin las fotos, no podría. Ellas representan la única prueba tangible de ue no lo soñé.

La cámara se quedó en la luna.

Jim Ragan es uno de los ingenieros que puso a punto a lo largo de dos años la cámara que utilizaron los astronautas. «Modificamos una Hasselblad, un modelo sueco, ajustándonos al pliego de condiciones de la NASA: había que tener en cuenta las condiciones de ingravidez y las variaciones climáticas. Después agrandamos todos los botones de los mandos, pues los astronautas tenían unos guantes extremadamente grandes. Era una cámara automática que llevaban unida al traje, para hacer una foto, les bastaba con girar el cuerpo en la dirección deseada y disparar. Una de nuestras grandes preocupaciones era evitar el polvo lunar, cuya composición desconocíamos, sobre el objetivo y las películas. Fabricamos un cepillo especial que funcionó muy bien. La ironía es que tuvieron que dejar la cámara en la luna, porque la prioridad eran las muestras lunares y la capacidad del LEM era limitada. Lo único que regresó a la tierra fue la carga»

Bokeh fotográfico Vs profundidad de campo

8 abril, 2019 por Classphoto Deja un comentario

Bokeh fotográfico Vs profundidad de campo.

La verdad es que con la llegada de la fotografía digital podríamos hacer una batalla entre Bokeh fotográfico Vs profundidad de campo, algunos se han vuelto algo locos y han empezado a cambiar nombres a diestro y siniestro, en su mayoría los cambios vienen a limitarse a nuevos anglicismos que patean en cierto modo alguna que otra palabra o expresión en lengua castellana, en el caso del término que nos ocupa hoy no hablamos de un anglicismo si no mas bien de un termino nipón, ya que la palabra Bokeh viene directamente del país del sol naciente.

Este termino deriva de la palabra japonesa que significa «borroso» y se refiere a la calidad de las secciones desenfocadas de una imagen. Se aplica a ls objetivos, que pueden tener un «bokeh» bueno o malo. Los japoneses introdujeron el término en la fotografía sobre el año 2000. Las luces suaves, circulares y desenfocadas son el producto de un diafragma bien diseñado, que produce una abertura casi circular o circular a todos los ajustes. Los objetivos que proyectan puntos de luz poligonales no tendrían según este criterio buen «bokeh». Esta carcterística es especialmente importante en objetivos diseñados para retrato.

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Pero realmente ¿que diferenciación existe?

La diferencia entre el bokeh y la profundidad de campo seria que el primero se refiere a un desenfoque con «grados o niveles» de calidad según un criterio, destacando por encima de todo el desenfoque por profundidad de campo casi total y generando formas circulares completas y un cierto aire «pastel» sin duda alguna este tipo de desenfoque casi siempre se conseguirá únicamente con objetivos «premium» de alta apertura de diafragma, como por ejemplo 35mm f/1,4 – 50mm f/1,2 – 85mm f/1,2 y casi nunca con objetivos que sean poco luminosos, efectivamente el precio es un factor determinante en esta tipologia de producto, casi pensaría que el nombre de bokeh viene a determinar un grado de clases para determinar al fin y al cabo la profundidad de campo, pero en este caso al ser herramientas caras dar una cierta diferenciación.

Por el contrario la profundidad de campo es la definición técnica del desenfoque que se genera desde el punto de enfoque hasta el infinito y que variará según la apertura de diafragma que pongamos y en este caso sin discriminar por grados o niveles de desenfoque, es una definición genérica del resultante de desenfoque técnico, mientras que el bokeh solo se refiere a un grado de desenfoque extremo gracias a la luminosidad y construcción de de las palas de diafragma de un objetivo.

Espero que pueda haber dado algún rayo de luz a esta duda dialéctica fotográfica.

Dos Premios mas Fotógrafos Boda España

25 marzo, 2019 por Classphoto 1 comentario

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Dos premios mas fotógrafos boda España.

En este primer round de los premios del directorio nacional Fotógrafos de boda de España (FdBE) que dirije con pasión Martino Buzzi, hemos logrado dos fantásticos premios ue hacen que sigamos teniendo esperanzas de seguir siendo galardonados con mas premios para el resultado final anual. El concurso de Fotógrafos de Boda de España funciona de la siguiente manera, se generan varios rounds o concursos a lo largo del año y quien mas premios consiga en esos rounds se suman al final y gana quien mas premios haya conseguido, es como una carrera de maratón.

FDBE Un directorio con pasión.

El año pasado se nos paso participar en uno o dos round y eso nos dolió, pensamos que este directorio transmite unos valores tanto a los profesionales como a los que buscan un fotógrafo de boda que pocas webs consiguen, como digo, Martino el creador de esta hazaña se le nota una pasión desmesurada por el medio e intenta con buena actitud y buenísimos resultados poner en su sitio esta profesión.

Las fotografías premiadas.

Las fotografías de este ultimo certamen coincidieron en presentación con el de Unionwep y la expectación era máxima para mi, en este caso las premiadas son una de una post boda que realizamos en Canfranc de Alba & David donde aparecen con un grafitti super original, la otra imagen premiada es una de mis favoritas del año pasado, una foto que vi y que busque hasta conseguirla, es la fiesta de Ana & Pablo en el Balneario de Panticosa, en donde se ven a la novia y a las amigas dándolo todo.

Muy contento con estos dos premios que se añaden al perfil nuestro de Fotógrafos de Boda de España, os dejo aquí las imágenes premiadas.

 

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Fotógrafos: El Efecto Sabattier y Man Ray

13 marzo, 2019 por Classphoto 4 comentarios

LINEA BLOG

Fotógrafos: El Efecto Sabattier y Man Ray.

El efecto sabattier o erróneamente llamado también solarizado es la inversión de los tonos de una imagen, esta inversión tonal esta causada por la exposición de la copia a la luz durante el revelado de la misma en el momento de estar en el baño de revelado de manera que las zonas oscuras se aclaran y las zonas claras se oscurecen. Uno de los fotógrafos que uso esta técnica y fue pionero en usarla es el afamado Man Ray, esta técnica fue descubierta accidentalmente por su técnico (técnica) de laboratorio Elisabeth Lee Miller. A veces se denomina de forma errónea «solarización», aunque es mas preciso identificarla con el término «seudosolarización». La verdadera solarización es el efecto de una sobreexposición importante del negativo: La famosa copia de Ansel Adams «Black Sun» (Sol Negro) muestra el efecto de una inversión tonal completa en el disco solar. En la actualidad, los filtros digitales son capaces de emular y conseguir este efecto tan llamativo nacido de los principios de la fotografía analógica.

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El efecto Sabattier en una imagen de plantas.

 

Man Ray.

Emmanuel Radnitzky, mas conocido como Man Ray (1870 – 1976) sintonizaba con el movimiento surrealista y el mas estricto dadaísmo, aunque probablemente sería mas acertado clasificarlo, al menos a lo que respecta a su fotografía, como un miembro del movimiento vanguardista. Nació en los Estados Unidos y se trasladó a París en 1921, donde hizo la mayor parte de su producción. Aunque el se consideraba como un artista o pintor, en realidad fue un activo fotógrafo de moda y retrato. Se le asocia de una manera particular con el efecto Sabattier, que perfeccionó junto con su técnico (técnica) Elisabeth Lee Miller, y con los fotogramas, a los que se refería como «rayografías». Sus experimentos creativos continúan siendo todo un referente hoy en día.

 

Elisabeth Lee Miller.

En este sentido y después de tantos años otorgándole a Man Ray la creación abierta de este proceso, siendo justos, el descubrimiento real de ello fue de Lee Miller a la cual deberíamos dedicarle un articulo solo a ella por su excitante biografía llena de vivencias y porque no decirlo mas de una injusticia, fotógrafa y artista además de modelo, muy valorada en su época en Nueva York y fotografiada por el gran Edward Steichen le perjudicó una campaña publicitaria por culpa de un uso indebido de su imagen teniendo que abandonar el modelaje profesional, se trasladó a París donde conoció a Man Ray que no la quiso aceptar como alumna y  finalmente llegó a ser su asistente, amante y musa.

Abrió su propio estudio fotográfico encargándose a veces de hacer fotografías de moda encargadas a Man Ray para que él pudiese concentrarse en su pintura, por ello muchas de las fotografías tomadas durante este período y atribuidas a Man Ray fueron realmente tomadas por Lee. En estos años fue una participante activa en el movimiento surrealista con sus imágenes ingeniosas y humorísticas, en bastantes casos empleando la técnica de la solarización. En su círculo de amigos estuvieron Pablo Picasso, Paul Eluard y Jean Cocteau, incluso apareció en la película de este último La sangre de un poeta (1930) interpretando una estatua que cobra vida.

Tras terminar su relación con Man Ray regresó a Nueva York en 1932 estableciendo un estudio fotográfico con la colaboración de su hermano Erik que trabajaba como su ayudante de cuarto oscuro. Tuvo  varias residencias a lo largo de su vida y fue corresponsal y fotógrafa de Guerra en la II Guerra Mundial, entre 1939 y 1945 formó parte del London War Correspondents Corp y en su ejercicio como fotoperiodista fue corresponsal de Vogue durante el Blitz y recorrió Francia fotografiando entre otros los efectos del napalm en el asedio de Saint Malo, la liberación de París, la batalla de Alsacia y el horror en los campos de concentración de Buchenwald y Dachau. Asociada a menudo con el fotógrafo estadounidense David E. Sherman, corresponsal de la revista Life, una de las imágenes más icónicas del dúo fue la de Miller fotografiada por Sherman en la bañera del apartamento de Adolf Hitler en Múnich, con sus botas delante manchadas con la tierra de Dachau ensuciando deliberadamente la alfombrilla.​ Fue tomada el 30 de abril de 1945, curiosamente el mismo día que Hitler se suicidaba en Berlín. Miller admitiría más tarde que después se bañó en la bañera y durmió en la cama de Hitler y Eva Braun.

En los primeros días de posguerra, fotografió niños moribundos en Viena, la vida campesina en Hungría, los cadáveres de oficiales nazis y sus familias y, finalmente, la ejecución del primer ministro Laszlo Bardossy. Tras regresar al Reino Unido, trabajó aun dos años más para Vogue, cubriendo moda y celebridades. Empezó a notar los efectos del estrés postraumático en forma de episodios depresivos y en 1947 se divorció de Aziz Eloui Bey y se casó con Roland Penrose del que se encontraba embarazada.

Algunas de sus fotografías fueron seleccionadas en la exposición The Family of Man realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1955. En 1976 fue invitada de honor en los Encuentros internacionales de fotografía de Arlés sus fotografías se exhibieron en la exposición de 1940 Surrealismo hoy en la Galería Zwemmer de Londres. Más trabajo suyo se expuso en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York en la exposición de 1941 y en 1989 se realizó una gran retrospectiva de su obra que recorrió buena parte de Estados Unidos.

Como muchas otras mujeres artistas a Lee Miller  habrá que ponerla en el sitio que le corresponde mas pronto que tarde.

 

Fotógrafos: El Efecto Sabattier y Man Ray, man Ray, efecto sabattier

Man Ray a la derecha y una fotografía suya a la izquierda.

 

Vídeo de como realizar el efecto Sabattier.

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