Blade Runner, fotografía en estado puro

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Blade Runner, fotografía en estado puro.

Como sabéis soy bastante cinéfilo y por consiguiente tengo verdadera obsesión por las composiciones y colores en las películas, también me fijo mucho en las ambientaciones y en la música de las mismas ya que son lo que terminan por trasladarte a una sensación o emoción. Después de haber hablado en este blog de alguna cinta como “Los sueños de Alexandria” he de decir que una de las películas que marcó mi infancia y mi adolescencia no solo por su fotografía si no por muchas otras cosas mas fue Blade Runner, un film del aclamado director Ridley Scott mas conocido por peliculas como Alien, Gladiator o Black Hawk Derribado, estoy seguro que muchos conocéis la película y que muchos otros coincidirán conmigo en que es una obra maestra en casi todos los campos artísticos que compone un film, contando con que el guión es una adaptación de una novela de ciencia ficción de Philip K. Dick titulada extrañamente y casi jocosamente como “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” en todos los demás aspectos marcó un antes y un después.

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Los Ángeles, 2019

La llegada y potenciación del ciberpunk fue culpa en parte de Blade Runner y a partir de entonces, este film fue un ejemplo que sirvió de inspiración para muchos directores, marcó tendencias en la decoración de interiores, en la moda de entonces y los decorados y el vestuario fueron un adelanto creativo, todo esto no hubiese sido posible gracias al gran control que Scott tiene de la luz en cualquiera de las tomas, unas penumbras y unas atmósferas doradas que saben conseguir la gruesa densidad de un mundo abandonado y caótico, salpicado por luces de algún color vivo que denota dosis de relax y búsqueda de lo natural. Los actores exquisitos en cualquiera de sus papeles hacen creíbles cualquier sinrazón humana que se detalla en el film, cada uno de ellos tiene una personalidad propia arrolladora, incluso la sensación insípida de Rachel (Sean Young) se hace tan latente y emocional que inspira realmente esa falta de emociones que cree creer y su búsqueda de tenerlas y sentirlas, un Deckrd (Harrison Ford) abandonado de si mismo, pero orgulloso de ser un ser verdadero… ¿o no? perdido en un mundo de perdidos, solo busca el perdón de lo que no sabe realmente el porque pedirlo, Gaff (James Olmos) borda con soltura el desinterés por lo que pase, pero que aguanta hasta el final la fuerza del que está al lado, que decir del portentoso Roy (Ruther Hauer) quizás el que mejor sabe lo que quiere con paso firme y con condescendencia… en fín. Punto importante es su música compuesta por el gran compositor de New Age Vangelis, hasta día de hoy muchos creen que es la mejor banda sonora de la historia y no dejarían de tener razón, melodías que te acompañan transportan y te mantienen en un mundo casi real.

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Pero lo que realmente nos interesa en este blog es sin duda hablar de fotografía y en el caso de Blade Runner es un hecho que su fotografía es una obra maestra de luz y sentido, podríamos escribir un libro de cada escena explicando el uso de esas luces y composiciones, desde la primera toma donde una ciudad infinita se pierde entre explosiones, se supone que de gas para energía, hasta la ultima toma de la paloma que suelta Roy al cielo y  el encontronazo de Deckard con el unicornio de papirofléxia existe un delirio de imágenes que hacen que queramos extrañamente estar allí sin ser un sitio idílico, la habitación de hotel de León, el aterrizaje del “Spinner”, el edificio Tyrrel, la entrevista de Leon, la subida de Roy a ver a Tyrrel… todas estas tomas son realmente arte puro de luz.

Estética y luz.

De mis escenas favoritas seria y no se si en este orden, los momentos en los que Deckard está en su casa con Rachel, en donde se limpia la boca de sangre en la cocina o cuando hablan el tumbado en el sofá y las luces se cuelan por la ventana, el momento de la presentación y del test Voigh Kamp con Rachel es sublime, como cambian la luz en ese entorno ecléctico con unos tonos dorados. Todas estas cosas solo en el tema estético porque si nos vamos al argumento podríamos seguir hablando maravillas, unos androides fabricados por el hombre a imagen y semejanza que el mismo para tareas de todo tipo gracias a la biomecánica, tan perfectos que al final pueden llegar a tener sentimientos, algo que desconcierta y rompe al propio ser humano que juega de alguna manera a ser Diós, unos androides que buscan finalmente lo mismo que los humanos, de donde vengo, a donde voy y cuanto tiempo me queda, lo que les hace ser inconsistentes emocionalmente de una forma primaria es saber que eso lo pueden descubrir y saber, cosa que un humano no, argumento que puede tener muchas vías y caminos, como no saber ni uno mismo si uno es un androide o no. Una película con muchos mensajes ocultos y alegóricos que hacen que podamos jugar.

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Y llegó el 2049 ¿que pasará?

No obstante en 1982 en su estreno, este filme no tuvo ningún éxito comercial y no produjo grandes beneficios, quizás el publico todavia no estaba preparado, fue en los años siguientes donde se empezó a descubrir el potencial en todos sus aspectos, llegando a ser una película de culto y catalogada como una de las mejores de la historia, amada por cualquier tipo de cinéfilo o persona de a pie. Ahora en este 2017 se estrenara el remake de Blade Runner, Blade Runner 2049 , no con ciertos miedos en los que aclaman como pura la cinta antigua ¿como mejorar lo inmejorable? ¿Como seguir con algo perfecto?

La verdad es que habria que verla con otros ojos y saborear de algún modo lo que parece una buena película que emula lo ya inventado en cuanto a estética y color, un filme en definitiva para románticos eclécticos como yo y aunque “La perfección visual de Blade Runner es insuperable” – viendo el Teaser me han saltado las lágrimas y me emocionado por volver a sentirme dentro de la atmósfera de esta cinta. Creo que estaremos de acuerdo de que a muchos como yo se nos quedaba ya pequeño pasear por los mismos decorados una y otra vez, eso si, amando como nadie esos recursos que he comentado antes tan novedosos en su época como las penumbras, ambientes cargados y neones desvanecidos, yo hubiese sido feliz en una casa como la de Rick Deckard con su caos y su oscuridad, la elección de Ryan Gosling para mi es perfecta, pues dentro de las películas que amo esta Drive, donde Ryan clava un personaje asépticamente podrido y brutalmente romántico, y os confesaré que Gosling me atrae como actor en muchos sentidos, solo nos falta saber como funcionará la música de Jóhann Jóhannsson en una película que en su tiempo  fue increíblemente importante la obra maestra del compositor Vangelis. El Audaz director ahora es Denis Villeneuve y el productor como no Ridley Scott. Jared Letho, Robin Wrihgt, Harrison Ford, Ryan Gosling y Ana de Armas componen el elenco principal de actores. Veremos como ermina esta nueva idea si en drama o en una increible forma diferente de sentir el cine.

Trailer de la nueva película.

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Don McCullin, fotógrafo puro y solitario

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Don McCullin, fotógrafo puro y solitario.

Don McCullin, fotógrafo puro y solitario, llamado Donald McCullin es un fotógrafo de reportaje puro y duro,nacido en Londres en 1935 ejercerá como cronista bélico desde la década de los 60, ademas de la disciplina de reportaje lo que mas le apasiona es la fotografía de naturaleza, paisajes y bodegones.

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Don McCullin

En su juventud Don recibe una beca artística de la School of Arts and Crafts y en 1949 a la muerte de su padre abandonará la escuela de forma súbita, al poco cumplirá con el servicio militar de su país, de 1953 a 1955 la realiza en la Royal Air Force, tras su paso por el ejercito se especializa y orienta hacia la fotografía. En 1958 se publicará su primera fotografía y en 1961 tomara imágenes de la construcción del muro de Berlín por las que recibirá un premio de la prensa británica, a partir de entonces colabora con el rotativo The Observer y en 1964 entra en plantilla del diario Sunday Time Magazine, desde entonces será testigo de todos los grandes conflictos de la historia, Chipre, Vietnam, Camboya, Oriente Próximo, India, Pakistán, Biafra, El Salvador, Irlanda del Norte…

En 1984 dejará el Sunday y ejercerá como freelance y se centra en naturalezas muertas y paisajes y mientras tanto recibirá varias distinciones, entre otras la mas significativa será el Gran Premio de la American Society of Media Photographers de Nueva York por el conjunto de toda su obra, también es nombrado Comandante del Imperio Británico en 1993 y como dato curioso en 1995 contrae matrimonio con la fotógrafa Marylin Bridges pero este enlace no dura mucho y se separara pronto de ella.

Don McCullin, fotógrafo puro y solitario

FOTO: © Don McCullin

” En la vida de los grandes fotógrafos, con frecuencia hay un encuentro, una amistad determinante que impulsan una carrera, deciden una trayectoria. En el caso de Don no hay nada de eso. Descubrió él solo la fotografía, como por sorpresa, mientras se revelaba con todas sus fuerzas contra las inmutables obligaciones de una sociedad inglesa de posguerra donde no encontraba su lugar. También por su cuenta comprendió que la miseria, el dolor, el miedo y la muerte eran los únicos retos que su fotografía debía plantear. Que solo se sintió, incluso rodeado de sus colegas, en los grandes escenarios de guerra de todo el mundo, cuando fijaba la mirada en el sufrimiento de las víctimas “

– Robert Pliedge

 

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FOTO: © Don McCullin

El fotógrafo, el que más tiempo le dedica a tu boda

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El fotógrafo, el que más tiempo le dedica a tu boda.

La entrada de hoy “El fotógrafo, el que más tiempo le dedica a tu boda” va dirigida sobretodo a nuestros clientes, tanto a los que ya han confiado en nosotros como a los que en un futuro se acerquen a conocernos, y como no a nuestros colegas de profesión fotográfica; Y es que el otro día, pensando en nuestro trabajo ,llegué a una conclusión muy curiosa y notable, de todos los profesionales que están implicados en la boda de una pareja, el fotógrafo es el que mas tiempo dedica a los novios y a la elaboración del servicio y el reportaje.

El fotógrafo y otros profesionales.

Si nos damos cuenta, de todos los profesionales diferentes que rodean de una forma intima y personal en el enlace de una pareja, el fotógrafo es el que mas tiempo invierte en el cliente. Voy a poner a diferentes profesionales como ejemplo y lo veréis claramente, el restaurante o la finca suele tener un contacto muy constante al principio con las pruebas de los platos y por el hecho de dejar los detalles y preparativos lo mas cerrado posible, en algunos casos será mas tedioso o no pero cuando el convite termina, ahí acaba casi de un plumazo toda la relación surgida, en cuanto a la peluquería y maquillaje suele ser parecido al del restaurante, pero menos complicado, la relación se suele resumir en alguna prueba unos días antes de la boda y el mismo día de la boda, entre prueba y día señalado suelen hacer una media no mas de 4 o 5 horas si no hay casos muy excepcionales, con el vestido o traje suele ser unas visitas a la tienda o sastre y fin de la historia, maestros de ceremonia o animaciones varias suelen funcionar por horas o evento y el contacto suele ser telefónico y no se busca mucho mas en profundidad, los floristas suelen tener una tarea quizás mas frenética que el resto de los mencionados, pues tienen que tener las flores lo mas frescas posibles y hacerlo casi en el día, ademas tener centros de mesas, prendidos, ramos suplentes y adornos de coche y ceremonia frescos, hechos y colocados teniendo que desplazarse los lugares de la celebración y aun así ahí acaba toda su relación, faltarían detalles de boda o disc-jokey entre algunos otros profesionales y ninguno de ellos se acerca ni por asomo a la dedicación en horas de servicio y preparación del fotógrafo.

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Los profesionales antes mencionados siempre empezamos con una reunión, en nuestro caso es de suma importancia ya que tanto el fotógrafo como la pareja nos debemos conocer y marcar las necesidades mutuas, ademas tiene que haber una conexión o feeling ya que vamos ha estar como un invitado mas pululando todo el rato cerca de ellos, tendremos otra cita para la firma del contrato y otra mas muy poco antes de la boda para concretar horarios y organizarse, el mismo día de la boda quien mas tiempo dedica por goleada al evento es el fotógrafo sin lugar a dudas, si no contamos a los camareros, los fotógrafos solemos empezar la mayoría de las veces de dos a tres horas antes de la ceremonia para ir a las casas de los novios y terminando en nuestro caso unas dos horas después del primer baile, ello hacen una media de 10 a 14 horas seguidas con la presión de no perder nada y el esfuerzo físico que supone el peso de las herramientas, una vez hecho el trabajo de campo la labor y la dedicación se dilata mucho mas, archivando las imágenes y seleccionando entre miles de archivos, ademas el trabajo mas costoso en cuanto a tiempo suele ser la edición, finalizando en la maquetación del posible álbum o soporte digital del mismo, para cuando lo tienes hecho, tiene que pasar el corte de tus clientes que deben supervisar que no hay cambio alguno, una vez así ya podemos imprimir y quedar con la pareja para la entrega final que suele ser entre 5 y 8 meses si no es mas después de la boda.

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Resumiendo.

Con todo esto, no es de extrañar que pasando tanto tiempo el día de la boda con tus mas que clientes y siendo el ultimo profesional que ven después del ciclo del enlace, se estrechen relaciones y quede siempre un poso de amistad y cierta tristeza por no vernos mas en periodos cortos de tiempo. Por eso siempre digo que antes de pensar en lo que cuesta un fotógrafo para reflejar el recuerdo de todo eso que pasará del presente al pasado, escudriñemos lo que cuestan otros servicios que a corta distancia y a buen seguro tienen su coste, como un fotomatón que esta entre los 450€ y 700€ el candy bar por 300€ o 400€ o las fuentes de chocolate por lo mismo, si comparáramos los costes de nuestro servicio puede parecer costoso pero he de decir con plena sinceridad que no tanto como uno pueda pensar.

¿Por que todos hacen mejores fotografías que yo?

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¿Por que todos hacen mejores fotografías que yo?

Bueno, esta vez la entrada va mas dirigida a colegas de trabajo y a aficionados avanzados a la fotografía, una entrada que creo os identificareis mucho, tanto unos como otros o por lo menos seguramente os habréis sentido en esta situación. Siempre y cuando hablemos del tema en una igualdad en cuanto a calidad y toma, desestimemos a los genios lógicamente como Cartier Bresson o Richard Avedon entre otros tantos.

Ya van varios compañeros y alumnos de gran confianza y no son pocos que me comentan de forma individual que a la hora de ver su propio trabajo se “rayan” mucho… que no están contentos en definitiva con sus resultados a la hora de ver las fotografías y que quieren dejar de hacer lo que hacen para “despuntar” o “encontrarse”, de algún modo, dar el bombazo, romper moldes etc. El problema viene cuando conoces el trabajo de estos compañeros y nunca dirías que su trabajo es mediocre, malo o sin calidad visual desde un punto de vista de otro profesional, todo es mejorable, de acuerdo y todos querríamos ser unos referentes o conocidos dentro del mundillo, muchos por orgullo, otros por ego y bastantes más porque comercialmente eso hace mucho a la hora de que tus clientes te conozcan.

Yo mismo, no os voy a engañar, suelo tener la misma situación muchas veces y lo increíble, es que cuando se lo digo a alguno de mis colegas, se sorprenden, es mas, les digo las sensaciones y los síntomas y son casi clavados a los que me suelen despues explicar ellos ¿Por que nos pasa esto? ¿Que ocurre en nuestra mente? de alguna manera es sencillo explicarlo bajo mi punto de vista.

El “Punctum” fotográfico.

Para empezar, debemos entender  mas que nunca que nuestro trabajo o afición tiene un alto grado de creatividad, antes también lo era, pero lo analógico no daba para muchas probatinas, la luz era la que era, y las mediciones estaban calculadas hasta morir, algún valiente como Juan de la Cruz Mejias nos deleitaban a finales de los ochenta y noventa con fotografía de boda muy muy particular y personal, tanto como para ser galardonado en el prestigioso certamen anual PhotoEsphaña en 2001. Pero bueno, no quiero extenderme mucho, el caso es que en este “arte” fotográfico el momento creativo es instantáneo, lo que Bartes definía en su ensayo “La Cámara Lúcida” publicado en 1980 en dos estadios, el “Studium” y el “Punctum” resumiendo, el “Studium” sería la parte que se estudia, planifica, busca de una forma casi conscientemente percibida y el “Punctum” seria la cualidad que fuera de nuestro control consciente percibimos como un pinchazo, pellizco o puntazo cuando de repente vemos una imagen, en sí, sería la captación instantánea creativa. Por un lado el Studium es percibido como algo muy analizable y el Punctum como algo llamativo sin intencionalidad.

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Roland Barthes Foto: WIKIMEDIA COMMONS (Michel Delaborde)

Pues bien, esto es algo podriamos decir propio de la fotografía, un pintor tiene la decisión de poder pintar o dibujar en un determinado espacio de tiempo libremente y conscientemente, igual que un arquitecto, escultor o diseñador, esto es, que el fotógrafo capta su creación en milisegundos por una composición mezcla del Stadium y el Punctum, (independientemente de que montemos escenografias y estudiemos la toma) y a mi parecer casi mas hoy en día por el Punctum, analizando todo esto, diría que a la hora de tomar una imagen, ademas de ser rápida, nos involucramos de forma vívida en el momento de la toma y eso hace que cuando veamos la fotografía realizada por nosotros, estemos polucionados por elementos externos como el contexto, la dificultad, la emoción y sobretodo y para mi lo mas importante, recordamos el momento y  como era el lugar fuera y mas allá de esos cuatro lados fronterizos del final de una foto, por eso en muchas ocasiones vemos fotografías de algún compañero en el mismo lugar y siempre o casi siempre en igualdad de calidades, veremos esa foto mejor que la nuestra, simplemente, en primer lugar por lo ultimo descrito, una imagen nueva a nuestros ojos es virgen y caprichosa y nos da lugar a profundizar y divertirnos con ella porque no conocemos el total del momento.

Razones sociológicas de nuestros tiempos.

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Ejemplar de la Cámara Lúcida

Otra razón y esta es mas terrenal si cabe, es un argumento sociológico. En una profesión que en los últimos años a despuntado en popularidad y calidad, vemos como algunos de nuestros colegas tienen una cierta “fama” reconocida dentro del círculo, vivimos de una trabajo donde el ego esta muy palpable, existen directorios de mas o menos renombre, concursos anuales, mensuales, semestrales, nunca hemos tenido como hoy la oportunidad de asistir a centenares de “workshops” y talleres, y dentro de un mundo globalizado donde solo ponemos lo bonito de nuestras vidas acaba pasando factura, ademas no hay que olvidar que para vendernos necesitamos hoy por hoy estar en las redes y estar continuamente activos, guste o no guste, es parte del marketing el show y el negocio.

Al final nos dejamos embaucar por las imágenes de los que se les considera “gurús” de la imagen y las tendencias, pero no nos engañemos… los estilos son muy propios, y diferentes, todo se mueve por tendencias, casi todo al final acaba siendo un trasto viejo en el desván y siempre aparecerán cosas nuevas, la pseudofama y los fotones no suelen venir solos, son resultado  en muchos casos de un trabajo duro, mezcla de búsqueda, de estar en el momento idóneo y de relacionarse a veces con gente con la cual no te relacionarías, ¿significa eso que tu no eres merecedor de ese reconocimiento? ni mucho menos, solo hay que mirar cuales son nuestros puntos flacos y desarrollarlos y lo mas difícil todavia, desarrollarlos cinco pasos por delante de la tendencia y del resto ¿Por que algunos tienen nombre? sencillo, porque fueron los primeros o casi y puede que hayas visto trabajos de compañeros que no tienen nada que envidiar a alguno de estos grandes. No nos desanimemos, no miremos con ojos golosos de impotencia como otros hacen sus trabajos porque tu, yo y los demás, tenemos nuestros estilos, recursos y formas diferentes de afrontar al fin y al cabo el trabajo o proyectos que intentan hacer felices a nuestros clientes y familiares.

No dejemos de ser “Amateurs”

Como le dije a un amigo, llega un punto en el cual parece que te estanques, sabes que no estas estancado pero la sensación es esa, tus fotos perceptualmente son buenas pero quieres mas, y es lo normal y lo hermoso, el problema es que cuando empiezas en un trabajo que tiene como ingrediente potencial la presión, tus recursos que tanto tiempo has tardado en perfeccionarlos y hacerlos tuyos y que en muchos casos te dan buenísimos resultados para ir con mas tranquilidad, empiezan a devorarte sin que tu lo sepas, es aquí cuando viene el peligro porque te acomodas en un estado de seguridad y confort cuando antes ese sufrir de las novedades e imprevistos hacia que estuviese alerta y lo mas importante, que no te comieras la cabeza pensando en evolucionar mas, resumiendo… dejar de ser profesional para de una manera metafórica no dejar de se un Amateur.

Ferran Mallol, fotógrafo y profesor en la Galería fotográfica Spectrum Sotos

La historia de la fotografía mas reproducida de los EEUU

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La historia de la fotografía mas reproducida de los EEUU.

Febrero de 1945, La historia de la fotografía mas reproducida de los EEUU va ha comenzar, la segunda guerra mundial estaba a punto de finalizar y la capitulación de la Alemania Nazi era inminente, no obstante Japón que controla una gran parte de Asia se mantiene de pie todavía, así que los americanos buscan sin cesar una base para realizar lo que sera la ultima ofensiva sobre el país nipón, la historia por fín e pone nombre y sera Iwo Jima, una isla pequeña en el Pacifico llena de Japoneses dispuestos dar su vida como kamikazes, no en vano esta considerada la lucha mas cruenta en las guerras en las que han luchado, tan solo dos de cada tres marines saldrán con vida de allí, 7000 marines dejaran alli su vida y 23000 Japoneses también morirán allí.

Joe Rosenthal, un fotógrafo de la Associated Press.

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Joe Rosenthal

Joe Rosenthal con 32 años cubría para la prestigiosa agencia de prensa Associated Press la guerra y desembarcara en la isla, el 23 de Febrero de 1945 es informado de que 40 marines van al asalto del monte Suriashi (el punto mas alto de la isla) para colocar la bandera nacional de los Estados Unidos, sin pensarlo va hacia ese punto cargado con una cámara de cine, pero tristemente llega tarde, es mas, el sargento Lou Lowery de la revista de los marines le suelta “Ya he hecho la foto”  mientras descienden de la montaña, Rosenthal  reconoce tiempo después que estuvo a punto de abandonar, pero tras llegar a la cima a mediodía ve que ondea una pequeña bandera de 1,37 metros por 71 cm. De repente Joe divisa a cinco soldados que arrastran un tubo de seis metros y que otro lleva otra bandera bien doblada “Esta es mas grande, se podrá ver desde cualquier parte” le espeta uno de ellos, el fotógrafo no va ha perder semejante oportunidad “Retrocedí unos diez metros, pero el sol desapareció y yo estaba demasiado bajo para encuadrar” Apiló unas cuantas piedras para subirse a ellas y… entre 8 y 11 de diafragma, velocidad 1/400 de segundo ¡Clic! Joe Rosenthal hace historia.

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La famosa imagen.

La fotografía mas reproducida de los Estados Unidos.

Al publicarse la fotografía los hogares de los americanos se llenaron de banderas nacionales en las ventanas en los jardines en los porches… se produjeron 3,5 millones de carteles de esta imagen, 15000 carteles publicitarios enseñarían la misma foto y 137 millones de sellos reproducen la hazaña y se convierte en el sello mas vendido de la historia postal estadounidense. Impresa en bonos del tesoro ayudo a recaudar mas de 200 millones de dolares para cubrir los esfuerzos de la contienda y en 1954 es inaugurada por el presidente Eisenhower una escultura replicada de la imagen en el Arlington Memorial.

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La firma de Joe Rosenthal y un Lego reproduciendo la imagen.

¿Que fue de los protagonista de la foto?

De los seis que llevan la bandera tres de ellos morirían en la Isla, de los tres restantes tampoco habría que alegrarse mucho, Ira Hayes moriría 10 años después a la edad de 32 emborrachado hasta morir por no aguantar mas los honores de una imagen así, René Gagnon murió con 52 años, se dice que tampoco soportó la presión de los honores y Jhon Bradley en todo momento se negó a hablar con la prensa y guardó silencio durante cincuenta años y nunca tuvo una imagen en su casa de la gesta.

Análisis, la fotografía icono de los Juegos de Río

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Análisis, la fotografía icono de los Juegos de Río.

Ya hay una imagen que esta de momento considerada un icono de los Juegos Olímpicos de Río 2016, muestra a Usain Bolt mirando a sus competidores totalmente borrosos con una cara sonriente en su rostro, es el momento que gana la semifinal de los 100 metros antes de ser otra vez galardonado con otra medalla de oro, la tercera en estos Juegos, y he querido hablar sobre ella en esta entrada titulada, Análisis, la fotografía icono de los Juegos de Río.

Dos fotografías casi identicas.

Ahora bien, existe una pequeña paradoja, y es que existen dos imágenes casi idénticas del mismo momento que tan bien describe la emoción y la victoria, para mi es un fotón del deporte ya que en mis clases de fotografía siempre digo que hacer un barrido a alguien corriendo es complicadisimo por su movimiento múltiple, esta es una imagen deportiva pura, por muchísimas razones, primero, por dinamismo, su efecto da movimiento y velocidad, segundo, por su mensaje, la fotografía en si, cuenta una historia con ese mirar atrás, esa sonrisa casi bufónica y unos contrincantes apelmazados y borrosos como aceptando la derrota de una manera aplastante, tercero, por el personaje, ¿Quien no conoce a Usain Bolt? uno de los atletas mas rápidos del momento, y cuarta razón por el evento, los Juegos Olímpicos, el evento mas importante deportivo del planeta… esta fotografía lo tiene todo.

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Aquí las dos imágenes casi idénticas, Derecha Cameron Spencer / Getty, Izquierda Kai Pfaffenbach / Reuters

¿Fotografía de “riesgo” o no tanto?

Hay que decir que quien no arriesga no gana, hacer una fotografía de forma profesional para una agencia internacional de la llegada de una semifinal de los 100 metros apostando por una velocidad de obturación lenta haciendo un barrido a este tipo de personajes es tener mucha seguridad en si mismo pues pueden pasar muchísimas cosas, por lo pronto que el protagonista de los juegos perdiera esta semifinal de forma histórica por una caída o calambre y entonces ¿que pasaría?… nada, porque el riesgo es poco hoy en día, pues Cameron comentó que tenía tres cámaras remotas ya posicionadas en la línea de meta, por lo que tenía la libertad absoluta de utilizar su creatividad para tomar esta foto de mayor riesgo. Pfaffenbach tampoco se limita a un lugar designado y también decidió jugar un poco con fotos lentas de velocidad de obturación, sin contar que existen varios fotógrafos de dos a tres en la misma zona para la misma agencia.

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Kai Pfaffenbach, segundo a la izquierda, y Cameron Spencer, tercero por la izquierda de pie. FOTO: Murad Sezer / Reuters.

Pero como hemos mencionado antes hay dos fotógrafos que apostaron y sacaron casi la misma imagen e increíblemente existe una tercera fotografía que muestra a los fotógrafos fotografiados. Los fotógrafos, son Cameron Spencer de Getty Images y  Kai Pfaffenbach de Reuters, estos dos estaban de pie lado a lado cuando sus ojos observaron a su izquierda y ambos capturaron casi el mismo momento. Ambas fotos están recibiendo una gran cantidad de elogios y se comparten mundialmente, incluso se están confundiendo uno con el otro. Los dos fotógrafos tomaron sus fotos en cuestión de milisegundos y sus posiciones son casi idénticas en el cuadro interior de la pista, ademas ambos han utilizado un objetivo zoom  70-200 mm.

La tecnología digital en cualquier rincón.

La principal diferencia es la velocidad de obturación que utilizaban. Spencer le disparó a una velocidad de obturación de 1 / 40 de un segundo, mientras que Pfaffenbach la tomó en 1 / 50,  esa es una diferencia de 005 segundos, menos que el tiempo que Bolt superó el segundo lugar de Andre De Grasse de Canadá, en la semifinal. La velocidad de obturación ligeramente más lenta de Spencer da movimiento a los zapatos de los corredores y genera un poco más la falta de definición, mientras que la velocidad más rápida de Pfaffenbach genera un poco mas de nitidez.

Como prologo a esta entrada he llegado a una conclusión, y es que la tecnología esta haciendo que sacar fotos tan llamativas sea mas fácil… bueno, concretamente mas fácil que antes, pues no hay rincón sin una cámara que congele cualquier situacion, antes con una sola cámara y sin esos disparos en ráfagas de 15 fotos por segundo cuando salia una foto así era un evento celebrado.

Mini campaña comprometida con la fotografía

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Mini campaña comprometida con la fotografía

Hace unos días hablando con un amigo sobre el marketing, la publicidad y la importancia de hacer ruido en los mass media y por las redes, me animó a generar algo con lo que poder mover mas si cabe mi marca, la discusión entre lo bueno y lo malo fue larga, pues nunca sabemos con exactitud que es lo que un cliente en particular quiere,  ademas el hecho de hacer algo no siempre genera bondades ya que si nos equivocamos podemos generar todo lo contrario y negativizar la marca, pero me puse a pensar en algo que pudiese ser un intento de diferencia y porque no también divertido.

Estrujándome la cabeza, llegué a la creación de esta mini campaña publicitaria que, en principio va ha salir de vez en cuando en Google Plus, Facebook y en mis redes sociales para ver que pasa y si de verdad funciona y da un resultado optimo en cuanto a conocimiento de marca y aumento de “target” de clientes. La verdad que a la par de complicado también fue divertido escudriñar en el interior de mi cabeza para hacer un anuncio coherente y no caer en los tópicos de la profesión a la que me dedico.

Mini campaña comprometida con la fotografía, classphoto by ferran mallol, ferran mallol

Simple, sencillo y educador.

Al final pensé en un concepto mas minimalista, limpio, con mensaje y educador, y digo educador por el hecho de poder determinar en el texto frases en las cuales se lea que no cualquiera puede realizar las imágenes de un día tan importante como en una boda, o cualquier otro evento, nuestra profesión encara en nuestro país desde la era digital una lucha por la que los clientes entiendan que nuestros servicios tienen un valor ya no solo de material si no de formación, tiempo y gran presión y responsabilidad, que el hecho de que exista gente que disponga de una cámara reflex no significa que sepa hacer fotos o que sepa encontrar los recursos necesarios para solventar eventualidades o problemas o encarar una improvisación controlada para un reportaje.

En estos diferentes anuncios se pueden leer frases como -“Tus recuerdos no son solo esto” “El realmente no te ilumina” o “Tus recuerdos no los captará ella sola” acompañadas de unas imágenes de una tarjeta de memoria, un flash y una cámara, simple- sencillo y comprensivo y que intenta hacer pensar que hay una persona dedicada y profesional detrás de estas herramientas.

Se han generado dos líneas, una solo con las frases y otra con las frases acompañadas de una fotografía de boda, la primera linea busca la sorpresa y la originalidad y en la otra busca mas lo emotivo y quizás sea menos atrevida, solo espero que os guste, y por supuesto comentad vuestras sugerencias y críticas 😉

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¿Cual es mejor, Canon Vs Nikon? Parte 2

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¿Cual es mejor, Canon Vs Nikon? Parte 2

Vamos allá con la segunda parte de este post ¿Cual es mejor, Canon Vs Nikon? Parte 2, que ya hace unos días empecé con una primera parte mas histórica y documental, en este caso voy ha exponer mi opinión mas personal sobre este tema y en el cual me baso después de ser docente en fotografía durante años, repito que no quiero que nadie salga ofendido pues cuando se habla de este tema siempre existen defensores a ultranza de lo suyo jejeje.

Luces y Sombras de Nikon y Canon.

Comencemos diciendo que ambas marcas son la referencia de todo el mundo y que ambas marcas dan ese valor añadido de confianza por sus años y por sus productos de altísima calidad, tanto en cuerpos como en ópticas. Aun así también han tenido sus sombras y todo hay que decirlo casi a la vez, si a un producto de Canon le salia una tara mas que reprochable, Nikon no se quedaba a la zaga y hacia lo propio con alguna de sus creaciones, una de esas taras en Canon, fue con la legendaria Canon EOS 5D, con el paso del tiempo el espejo se despegaba y había que llevarlo al servicio oficial, o la mas que vergonzante tara de fiabilidad de enfoque en su flamante Canon Eos 1D Mark III, Nikon también ha tenido errores maquiavelicos para los usuarios, como el desparrame del aceite del obturador sobre el sensor de sus Nikon D600… fue tanta la presión mundial  de sus clientes que tuvieron que renombrar una nueva maquina denominándola D610, en el caso de Canon normalmente no tienen problemas en ponerlo dentro de garantía y arreglarlo de forma gratuita.

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Profesionales trabajando en un evento.

Excluyendo estos errores las dos marcas hacen buenos productos, en cuanto a la diferencia estética es cuestión de gustos, mientras que Nikon ha llevado la fama de ser mas basta en cuanto a imagen (no de acabado, no malinterpretéis) Canon lleva la fama de ser mas “fina” en cuanto a diseños, tanto que ha veces la expresión “plástiquera” se oirá en diferentes usuarios, Nikon realiza diseños manteniendo un poco su linea antigua y eso le da un cierto poder de glamour para según que usuarios, en cuanto a la presentación de sus productos la linea es la misma, no suelen comerse mucho la cabeza con el packagin y suele ser en este caso menos fino y mas basto, Canon en ese sentido tiene aprobada esa disciplina de marketing, sus productos van cuidadosamente empaquetados en cajas con una linea de diseño mas igual y que en cierto modo no mejora el producto pero al consumidor le da ese extra de que algo bueno ha comprado. Tenemos que ver las diferencias en sus libros de instrucciones y su manera de incluir extras en sus productos, Canon regala el software propio mientras que hasta que yo se Nikon lo deja de prueba (no se si esto ha cambiado) En tema de política de venta Nikon suele hacer mas packs económicos en sus productos de base regalando varios artículos y dando mas ofertas dentro de sus productos afianzándose así al consumidor primerizo. En cuanto a los accesorios se ha igualado la cosa Nikon tenia sus accesorios mas caros que los de Canon pero últimamente a Canon se le ha ido la cabeza con segun que productos.

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Un evento de Canon.

Marketing de las marcas y políticas diferentes.

El hecho es que hasta que Canon no sacó su sistema EOS, Nikon era la leyenda pura y sus productos eran los mas respetados, pero Canon supo vender su producto de una forma brutal y ademas le dió ese punto tecnológico que le llevaría a ser lo que es hoy en día en el mercado, su sistema ultrasónico de enfoque y simplemente con un cambio de color de sus grandes objetivos al blanco como efecto de publicidad, hicieron que en los grandes eventos se llevaran la palma, sus objetivos se veían en cualquier parte, ademas de ser algo sencillo pero efectivo también fue práctico, pues ese color retiene menos el calor y va mejor para los circuitos del objetivo y el motor del mismo. En este viaje hacia la digitalización fotográfica Nikon ha sobrepasado a Canon en varias ocasiones y lo mismo Canon y así están todavía. Una lucha que algunos aún recordarán, fue la diferencia de sensores de las dos marcas, Nikon usaba CCD y Canon CMOS, finalmente Nikon acabó instalando el CMOS. ¿Hoy en día (Mayo del 2016) quien esta por delante? pues difícil decirlo, pero me atrevería que en cuanto a producto relación calidad, precio y prestaciones, por un pelo Nikon, aunque esto cambia pronto no os descuidéis, esta carrera sin fín no para.

Durante años dando clase de fotografía a principiantes y avanzados, e de decir que en las mismas condiciones, en los que comienzan, suele haber un porcentaje mas alto de alumnos que les cuesta hacerse mas con el funcionamiento de las Nikon, que de las Canon, las Nikon tienen unos menús y nomenclaturas mas complejas para empezar, Canon tiene mas botones directos a sus prestaciones y sus nomenclaturas únicas son mas intuitivas, sin embargo veréis que el resto de marcas de cámaras instalan y serigrafian las mismas directrices que Nikon y eso será por algo, la explicación puede ser que en Nikon hilan muy fino sus prestaciones y suelen tener mas opciones finas en una misma prestación y eso hace que tengamos mas opciones y mas líos sobretodo al principio.

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Los dos buques insignia de las dos marcas.

Servicios Post Venta.

Una cosa que gana por goleada Canon a Nikon aquí en España es el sistema y política de post venta, Canon tiene un servicio trabajado y cuidado y es posible tener tu cámara arreglada en una semana y si eres profesional hasta en tres o dos días, tanto si esta en garantía como si no y el trato suele ser muy profesional, sin embargo en este país Nikon deja muchísimo que desear en este aspecto, tardan muchísimo en arreglar un producto y el trato es bastante mejorable, ese es un punto bastante oscuro para Nikon en España.

Como he comentado antes, el tema de marketing en las dos marcas suele ser bastante diferente también, mientras que en los anuncios de Nikon suele primar la sensibilidad en canon prima mas la tecnología y el chiste emotivo, no obstante en los folletos o la info de Canon suele ser mas liviana y técnica y a decir verdad Canon en este sentido esta llevando su marca a todos los eventos posibles como Olimpiadas, campeonatos y Congresos profesionales donde prestan sus servicios de forma gratuita en muchos casos y dejan probar sus productos a sus clientes.

Como podéis observar, las grandes diferencias radican mas en las políticas comerciales y productivas de ambas marcas que realmente del producto, es difícil inclinarse a sobre que producto es mejor o peor pues los dos tienen como digo una calidad buenísima y muy cuidada. Ahora solo espero que podáis aportar vuestras opiniones pues lógicamente esta es la mía y no es la definitiva, os invito a debatir de forma amigable y constructiva.

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Una de las disciplinas fotográficas que mas me agrada y que también trabajo es la fotografía de arquitectura, es un tipo de fotografía que me hace disfrutar de una manera asombrosa, descubrir lineas, curvas y texturas mientras tus ojos van conformando una imagen es excitante como poco. La arquitectura engloba un sinfín de estilos, pues el paso del tiempo también aporta estilos a las creaciones de los arquitectos, influyen las tendencias del momento, y que duda cabe, que fotografiar edificios modernos hace que nuestras imágenes tengan un valor añadido estéticamente, mas que si fotografiáramos edificios clásicos, la visión sera diferente en todos las casos.

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FOTOS: © Ferran Mallol / Classphoto.

La fotografía de arquitectura engloba tanto la disciplina técnica como la artística y en muchos casos de forma profesional estas dos directrices deben de mezclarse para dar un producto final de calidad, en este sentido, deberemos de ser muy escrupulosos a la hora de hacer la toma para nivelar y encuadrar las lineas o puntos de fuga, así como las perpendiculares existentes, deberemos estudiar a fondo todos los tipos de luz que incidan en el edificio o elemento, tanto las de luz natural, como la mañana, el mediodía y el atardecer, como las de posibles luces artificiales que suelen encenderse por la noche para realzar estas creaciones. Sí, habéis oído bien, la luz del mediodía también es utilizable en arquitectura, pues a veces esa luz dura nos puede resaltar algún elemento arquitectónico de la edificación.

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FOTO: © Ferran Mallol / Classphoto.

Los materiales a utilizar o herramientas para fotografiar arquitectura de una forma profesional sin vacilación es utilizar cámaras de gran formato y en ocasiones cámaras tipo sinnar de fuelle para corregir lineas y convergencias así como objetivos de alta calidad.

Un recurso en la fotografía de boda.

Casi todas las disciplinas fotográficas se alimentan de una manera u otra de la fotografía de arquitectura, es un recurso fácil de ver y acceder, y está en casi todas partes, pero ojo, no es fácil representar de una forma creativa o bonita estos elementos existentes, se requiere de un concienzudo estudio compositivo en todos los factores como colorimétrico y creativo, una de las disciplinas que usa mucho la arquitectura es sin duda la fotografía social o fotografía de bodas, los fotógrafos de boda aprovechan en muchos casos estas construcciones para apoyar sus composiciones con las parejas, aunque aun se utiliza mucho el recurso de los parques o jardines que personalmente detesto.

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FOTO: © Ferran Mallol / Classphoto.

Se pueden utilizar texturas como el hormigón, paneles metálicos así como jugar con las formas y perspectivas, en fotografía de boda, moda y publicidad se utilizan también arquitecturas abandonadas, como naves industriales o estaciones inoperativas, el contraste de lo decadente con las personas hacen una mezcla muy atractiva y creativa, así que ya sabéis, a buscar esos edificios y a fotografiarlos desde todos sus puntos de vista. En este enlace podéis ver un ejemplo de fotografía de boda con recursos arquitectónicos.

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FOTOS: © Ferran Mallol / Classphoto.

No es Mac para fotógrafos

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Como el título de la gran película de los hermanos Coen No es país para viejos, he querido titular así esta nueva entrada, “No es Mac para fotografos” y creo que esta entrada va a traer cola, mucha cola… mas que nada porque el ser humano parece tener claro pertenecer a una sola facción de casi todo, Coca cola o Pepsi, McDonalds o Burguer King, Nikon o Canon, Audi o Mercedes, Pc o Mac. En este caso doy mi humilde opinión como profesional de la fotografía y que duda cabe que quiero vuestros comentarios, siempre y cuando no sean faltones jajaja, en esto de pertenecer a un grupo hay gente que se lo toma muy a la tremenda.

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El precioso iMac de Apple.

Bueno, comenzando quiero decir que efectivamente difiero mucho de que la marca de la manzana sea una buena marca para el profesional de la fotografía, pero ojo, solo en cuanto a gama de productos se refiere pues esta claro que no hay nada mejor en cuanto a optimización que trabajar en un entorno tan cerrado y dedicado como Mac, siempre y cuando solo sea trabajo, la potencia de sus dispositivos con una optimización superior de los recursos que conforman estos ordenadores hacen que sea una delicia en muchos casos trabajar en ellos, pero no nos engañemos. ¿Ha pensado Apple realmente en los fotógrafos? Todos tenemos a Apple como el “Mecenas” de los profesionales multimédia y creativos, si bien es cierto que todos sabemos que un diseñador, ilustrador, maquetador o videografo así como todos los profesionales del cine o el dibujo casi al noventa y cinco por ciento van a disponer de un entorno de trabajo Apple si pueden ¿Pero que ocurre con los fotógrafos y porque escribo toda esta entrada? ¿Que pasa con todo ese grupo tan grande que son los fotógrafos de boda, publicidad, deportivos etc y que trabajan con imágenes buscando la mas alta calidad? Pues que a mi parecer Apple nos tiene abandonados o quiere que seamos el grupo mas pobre del sector multimédia.

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Los portátiles de Apple siempre son sinónimo de éxito.

¿Picajoso con Mac? Como fotógrafo, sí, lo reconozco.

Me explico, sí, lo reconozco, yo también caí en la tentación y del atractivo de Macintosh, toda la vida con un “triste” Pc nada snob y nada minimalista y quería pasarme a Mac, tener un entorno y flujo de trabajo con marca, ser de la tribu de gafas y barba, aquí empezó una ardua tarea de buscar soluciones, siempre y cuando no me dejara mi humilde economía en el producto mas caro de Apple, busqué soluciones y productos en diferentes Apple Stores y no tuve resultado alguno y todo por algo tan sencillo como el monitor, los que seáis profesionales sabéis de sobra que un fotógrafo necesita un monitor mate e invertimos parte de nuestro capital en monitores que tengan una muy buena calidad de reproducción de colores, densidad y profundidad, trabajamos con imágenes fijas y tenemos que editar sin que nos molesten brillos inoportunos y con la realidad mas certera y Apple blogers mios no tiene a día de hoy ningún producto con pantalla Mate, antes sí que los tuvo pero ahora “nasti de plasti”, el problema es como todos sabéis que Mac tiene actualmente portátiles muy potentes pero sus pantallas son la leche en cuanto a brillo, resolución etc etc, y es en cierta manera un “engaño visual” muy optimo, si, y atractivo, por otro lado los Mac Mini nunca me los recomendaron por quedarse cortos, podría haber sido una solución perfecta acoplandole un monitor pero tampoco era la solución definitiva, finalmente tiene un elenco de ordenadores perfectos como los iMac pero que llevan una pantalla incorporada y no es plan de instalar otra pantalla perdiendo en cierta manera la pantalla del Mac porque ya trabajo con dos pantallas mate, así que lo único que nos queda es invertir 3.349 machacantes según precio de su web en el Mac Pro y no estoy dispuesto a semejante inversión porque sabemos que tienen los iMac muy buenos y justos pero no lo facilitan con versión pantalla mate, bueno sí, una gran solución que me dieron en una Apple Store fue que después de desembolsar mas de 2000€ por un ordenador, le pegara un film anti-brillo a la pantalla, vamos, calidad superior a la altura de Eizo o NEC.

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El soberbio Mac Pro

Así pues, he determinado que Mac no es para fotógrafos a no ser que seas un mini-millonario, sé que muchos me tachareis de que estoy molesto porque no me apetece gastarme mas de 3000 euros en ellos, pero teniendo material como tienen, el iMac, tan bonito, tan precioso y minimalista y equilibrado ¿porque tengo que invertir en un pepino como el Mac Pro? Esta ha sido mi humilde opinión, claro que me compraba el Pro pero por menos de ese precio existen Pc soberbios y con potencias similares para editar. Espero vuestras opiniones y respuestas pues creo que es un tema bastante discutible, saludos.