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Lentes de aproximación para divertirse un rato.

27 septiembre, 2019 por Classphoto 1 comentario

Lentes de aproximación para divertirse un rato.

Hoy vamos ha hablar de un elemento muy barato y que para un fotógrafo principiante puede hacer las delicias de un nuevo descubrimiento y a la corta, un momento de gran diversión. Todo viene relacionado con la macro fotografía, muchos ya sabréis de que va esta disciplina fotográfica pero por si hay alguno aun perdido, hemos de decir que la macro fotografía es el arte de realizar fotografías a elementos pequeños o de detalle, aun así, quizá decir esto quede demasiado sencillo… y no lo es tanto, pues la macro fotografía tiene una circunstancia muy curiosa y que entre comillas limita técnicamente. La macro fotografía lo que hace físicamente, es acercar la distancia mínima de enfoque, pero claro, también acerca la distancia máxima de enfoque dando lugar a una imposibilidad de poder tener el fondo enfocado y por ende a tener una profundidad de campo al infinito. Este efecto normalmente queda bonito en este tipo de fotografía, pero para los que quieren aumentar esa profundidad de campo, no tendrán mas remedio que cerrar el diafragma como siempre se a hecho todo lo que puedan.

Diferentes filtros o lentes de aproximación, Lentes de aproximación para divertirse un rato.

Diferentes filtros o lentes de aproximación,

Al principio, cuando se empieza en el mundo fotográfico, al comprar una cámara, un día nos da por hacer una foto a un elemento pequeño o de detalle y vemos extrañados que la cámara no llega a enfocar, exacto, ahí radica la característica de la distancia mínima de enfoque de un objetivo, al ser superada nos es imposible enfocar y por consiguiente realizar la toma. Para poder hacer este tipo de fotos, necesitamos diferentes accesorios o herramientas que nos permitan acercar esa distancia mínima de enfoque lo maximo posible, entre ellas estarán los objetivos específicos macro, los mas costosos de todos los accesorios, los tubos de extensión, los anillos de conversión (este lo explicaremos mas adelante ya que es muy divertido y extraño al mismo tiempo) fuelles mas profesionales y lo que nos atañe hoy, las lentes de aproximación.

Que son las lentes de aproximación.

Hablamos de las lentes de aproximación porque son los elementos mas baratos y prácticos a la hora de empezar en el mundo macro, existen infinidad de calidades y precios, cabe destacar que una lente de aproximación esta constituida por un cristal y que cuanta mas calidad tenga este cristal, mas cara será dicha lente, pero bueno, yo creo que lo primero es probar y divertirse, con un pack de cuatro lentes por unos 25€ podemos empezar a echarnos unas risas y tardes de divertimento. ¿Que son estas lentes? dijéramos que son unos filtros que se adaptan a los objetivos dependiendo siempre del diámetro para acoplarlas, estos filtros actúan como una lupa, por ello existen diferentes grados de aproximación, pueden ser de X2, X4, X10 etc. Obviamente os aviso de que los filtros no son la mejor opción de todas para el macro ya que la luz deberá pasar por un filtro de cristal de dudosa calidad y eso afecta a la calidad de esa luz cuando llega al plano focal, es decir al sensor o película, cuanto mas potencia tenga la lupa, peor será el resultado de calidad de imagen, generando a veces aberraciones cromáticas bestiales e incluso en algún caso, deformaciones. Pero bueno, lo dicho, son unos elementos para empezar y pasarlo muy bien probando a fotografiar cosas que nunca imaginaste fotografiar, recomendable trípode y mucha dosis de paciencia, si tienes esto, se te pasarán las horas volando y alucinarás con los resultados.

Te dejo un enlace para que veas fotografias macro AQUI

Muere uno de los fotógrafos de una foto icónica

19 septiembre, 2019 por Classphoto Deja un comentario

Muere uno de los fotógrafos de una foto icónica.

Muere uno de los fotógrafos de una foto icónica, Charlie Cole, Tiananmen

Charlie Cole con su fotografía.

Llevamos una temporada en la que nos están dejando varios colegas, y no son poca cosa, todo sea dicho, Robert Frank, Leopoldo Pomés y esta vez Charlie Cole, uno de los cuatro fotógrafos que captaron uno de los momentos mas icónicos de la historia del siglo XX, no en vano, la instantánea se convirtió en un icóno social contra la represión. Charlie Cole nos dejó el pasado día 13 de Septiembre a la edad de 64 años en Bali, país en el que residía hace 15 años, nació en Bonham (Texas, EEUU), graduado en periodismo gracias a la profesión militar de su padre, su trabajo estuvo ligado al ejército, cubriendo conflictos como el levantamiento del pueblo filipino en 1985 o las manifestaciones estudiantiles de Corea del Sur de mediados de los ochenta. Un accidente de tráfico, dejó su pierna deshecha y acabó cambiando su profesión por la fotografía comercial.

Lo más destacado de Cole entre los otros tres fotógrafos que captaron imágenes casi calcadas, es que Charlie, ganó el prestigioso certamen World Press Photo de 1990 con su instantánea. Los otros tres fotógrafos serían Stuart Franklin de Magnum Photos, Jeff Widener, para la agencia Associated Press (AP) que fue nominado al premio Pulitzer, y Arthur Tsang Hin Wah, para Reuters, Charlie Cole trabajaba entonces para la publicación Newsweek.

 

Una foto icónica, un momento histórico.

No obstante vamos a comentar como transcurrió la toma de esta imagen tan peculiar y que los cuatro fotógrafos pudieron ver e inmortalizar. El contexto de la noticia se remonta al año 1989, los chinos animados por una visita del presidente de la Unión Soviética Mijail Gorbachov, se manifiestan con los estudiantes a la cabeza para exigir mas democrácia y sobretodo que se luche contra la corrupción reinante en sus políticas. En Pekín, la Plaza de Tiananmen es ocupada por los estudiantes acompañando esa ocupación con una huelga de hambre, el gobierno dividido entre dialogantes y conservadores duda y en la noche del 3 al 4 de Junio Den Xioa-Ping ordena vaciar la plaza con tanques en un acto de represión sin paliativos y que mediaticamente pondrá en el centro de las miradas al gobierno Chino, el resultado será más de un millar de muertes y descontroladas detenciones.

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Según las declaraciones del fotógrafo de Magnum Photos Stuart Franklin, «No es una buena foto, la tomé desde muy lejos, no podía ser de otra manera» en la mañana del 4 de Junio después de la matanza que hubo en la famosa plaza, el ejército ocupa ese lugar, la prensa se encuentra encerrada en el Hotel Beijing. «Las fuerzas de seguridad controlaban todo el edificio y no nos dejaban salir» así que Franklin se refugia inteligentemente en uno de los balcones que daban a la plaza. «Ví con mis propios ojos como el ejército disparaba sobre una columna de estudiantes desarmados, sentí una enorme frustración por no poder bajar a testimoniar» Los carros, después abandonaron la zona por el Este «Fué entonces cuando observé a un joven plantarse delante de la columna de tanques, estuvo discutiendo con ellos durante unos 15 minutos mas o menos, era un gesto de extremada valentía e inaudita en un momento tan dramático, el miedo era saber que podía ser arrollado, disparé cuatro o cinco carretes con un teleobjetivo temiendo que pasara cualquier cosa mientras cambiaba de película, al final unos manifestantes se llevaron al héroe desconocido que desapareció entre la muchedumbre» La fotografía llegó a París escondida en una lata de té, gracias a la complicidad de una estudiante francesa.

Al protagonista de la foto nunca se le pudo dar una identidad, se intentó en vano buscarlo, la asociación de disidentes estudiantes hizo todos los esfuerzos pero nada, lo mas grotesco de este caso es que la foto fue utilizada por el gobierno chino para decir: «Mirad, no hemos reprimido al pueblo. La prueba es que el tanque no aplastó al manifestante».

 

Objetivo fotográfico: La Luna

16 abril, 2019 por Classphoto Deja un comentario

Objetivo fotográfico: La Luna.

21 de Julio de 1969, 3:56 hora española. Neil Amstrong pone el pie sobre la superficie de nuestro satélite: «Es un pequeño paso para un hombre pero un gran salto para la humanidad» dirá el comandante de la misión Apollo XI. Despues Aldrin, el piloto del módulo Lunar, se reúne con el. Durante dos horas y media los astronautas despliegan instrumental científico, toman muestras de roca y por supuesto hacen fotografías. Estados Unidos se toma la revancha de la URSS que había puesto en órbita al primer hombre alrededor de la tierra.

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El viaje a la luna no ha dejado indiferente a los aventureros del espacio, Neil Amstrong es localizable, Buzz Aldrin por su parte, cayo en la depresión hasta que volvió a encontrar una razón para vivir «descendí de la cápsula diecinueve minutos después de Neil y fui yo que hice descender la cámara de fotos con una polea. A continuación, cuando nos desplazábamos tomé una foto de la huella de mis botas sobre la luna. Luego Amstrong hizo la foto en la que se me ve posando junto a la bandera. Todo fue muy rápido, pues apenas teníamos estabilidad. La otra dificultad era mantener el mástil clavado en el suelo que estaba cubierto de una fina capa de polvo muy poco consistente. Entonces arrugamos la bandera para dar la impresión de que soplaba un ligero viento que la hacia ondear, pero ciertamente no hay viento en la luna. Con esta imagen queríamos rendir homenaje a la supremacía de nuestra nación, ante los cientos de millones de personas que nos estaban viendo e directo.

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Treinta años después, usted me pregunta si la fotografía ilustra bien lo que viví. Para responderle tengo que recurrir a mi memoria, para recuperar lo que viví en realidad, pero, justamente, sin las fotos, no podría. Ellas representan la única prueba tangible de ue no lo soñé.

La cámara se quedó en la luna.

Jim Ragan es uno de los ingenieros que puso a punto a lo largo de dos años la cámara que utilizaron los astronautas. «Modificamos una Hasselblad, un modelo sueco, ajustándonos al pliego de condiciones de la NASA: había que tener en cuenta las condiciones de ingravidez y las variaciones climáticas. Después agrandamos todos los botones de los mandos, pues los astronautas tenían unos guantes extremadamente grandes. Era una cámara automática que llevaban unida al traje, para hacer una foto, les bastaba con girar el cuerpo en la dirección deseada y disparar. Una de nuestras grandes preocupaciones era evitar el polvo lunar, cuya composición desconocíamos, sobre el objetivo y las películas. Fabricamos un cepillo especial que funcionó muy bien. La ironía es que tuvieron que dejar la cámara en la luna, porque la prioridad eran las muestras lunares y la capacidad del LEM era limitada. Lo único que regresó a la tierra fue la carga»

Bokeh fotográfico Vs profundidad de campo

8 abril, 2019 por Classphoto Deja un comentario

Bokeh fotográfico Vs profundidad de campo.

La verdad es que con la llegada de la fotografía digital podríamos hacer una batalla entre Bokeh fotográfico Vs profundidad de campo, algunos se han vuelto algo locos y han empezado a cambiar nombres a diestro y siniestro, en su mayoría los cambios vienen a limitarse a nuevos anglicismos que patean en cierto modo alguna que otra palabra o expresión en lengua castellana, en el caso del término que nos ocupa hoy no hablamos de un anglicismo si no mas bien de un termino nipón, ya que la palabra Bokeh viene directamente del país del sol naciente.

Este termino deriva de la palabra japonesa que significa «borroso» y se refiere a la calidad de las secciones desenfocadas de una imagen. Se aplica a ls objetivos, que pueden tener un «bokeh» bueno o malo. Los japoneses introdujeron el término en la fotografía sobre el año 2000. Las luces suaves, circulares y desenfocadas son el producto de un diafragma bien diseñado, que produce una abertura casi circular o circular a todos los ajustes. Los objetivos que proyectan puntos de luz poligonales no tendrían según este criterio buen «bokeh». Esta carcterística es especialmente importante en objetivos diseñados para retrato.

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Pero realmente ¿que diferenciación existe?

La diferencia entre el bokeh y la profundidad de campo seria que el primero se refiere a un desenfoque con «grados o niveles» de calidad según un criterio, destacando por encima de todo el desenfoque por profundidad de campo casi total y generando formas circulares completas y un cierto aire «pastel» sin duda alguna este tipo de desenfoque casi siempre se conseguirá únicamente con objetivos «premium» de alta apertura de diafragma, como por ejemplo 35mm f/1,4 – 50mm f/1,2 – 85mm f/1,2 y casi nunca con objetivos que sean poco luminosos, efectivamente el precio es un factor determinante en esta tipologia de producto, casi pensaría que el nombre de bokeh viene a determinar un grado de clases para determinar al fin y al cabo la profundidad de campo, pero en este caso al ser herramientas caras dar una cierta diferenciación.

Por el contrario la profundidad de campo es la definición técnica del desenfoque que se genera desde el punto de enfoque hasta el infinito y que variará según la apertura de diafragma que pongamos y en este caso sin discriminar por grados o niveles de desenfoque, es una definición genérica del resultante de desenfoque técnico, mientras que el bokeh solo se refiere a un grado de desenfoque extremo gracias a la luminosidad y construcción de de las palas de diafragma de un objetivo.

Espero que pueda haber dado algún rayo de luz a esta duda dialéctica fotográfica.

La fotógrafa Dorothea Lange y su «Madonna»

25 febrero, 2019 por Classphoto Deja un comentario

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La fotógrafa Dorothea Lange y su «Madonna»

El día se ha puesto frío y húmedo ese 6 de Marzo de 1936. cuando Dorothea Lange decide regresar a casa. Acaba de pasar un mes fotografiando a los trabajadores de temporada en la costa Oeste. Al borde de la carretera ve un cartel que anuncia un campamento de recogedores de guisantes. La fotógrafa tiene prisa por volver a ver a sus dos hijos y pasa de largo. Treinta kilómetros mas adelante, sin embargo, da media vuelta «Me dejé llevar por el instinto, no por la razón» escribe en 1960. Un camino de tierra lleno de fango la conduce a un campamento precario donde se hacinan familias de inmigrantes. «Entonces vi una mujer hambrienta y desesperada y me acerqué a ella como atraída por un imán» Lange no estará allí mas de diez minutos, el tiempo de cambiar algunas palabras con Florence Thompson, una viuda de 32 años, madre de seis hijos que acaba de vender las ruedas del coche para comprar comida y que sobrevive comiendo verduras heladas de los campos y los pájaros que cazan los niños. La niña acurrucada a la derecha hoy día Kathleen Thomson ya adulta precisa «en realidad nosotros habíamos llegado a ese campo de Nipomo porque se había roto la correa de transmisión de nuestro coche, estábamos esperando a que la repararan para seguir viaje a Watsonville, donde nos habían dicho que había trabajo» Dorothea hará 6 fotografías, a última será la buena y la que representará para siempre a «Los excluidos del sueño americano»

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Dorothea Lange

La imagen de la miseria americana.

El 26 de Octubre de 1929 16.000 millones de dólares se esfuman en la bolsa de Nueva York. Es el primer gran desplome bursátil del siglo. EEUU se hundirá en la gran depresión y miles de empresas quiebran llevándose consigo a trece millones de trabajadores que vagarán sin un empleo por el país. Cuando Lange descubre las hordas de desempleados, silenciosos, dignos, que recorren la ciudad, los comedores sociales y las oficinas de empleo se lanza ha realizar un reportaje. En Washington sus fotos conmueven a Roy Stryker, un economista que trabaja en la Farm Security Administration, el departamento de reformas rurales que Roosvelt el presidente acaba de crear para ayudar a los agricultores arruinados mediante subvenciones. Para desbloquear los fondos el presidente necesitará convencer al Congreso y a la opinión pública. Por iniciativa de Stryker la FSA creara un departamento fotográfico donde once fotógrafos captaran durante seis años el testimonio de la miseria de las victimas como forma de propaganda gubernamental, siendo la primera vez que la fotografía prestaba sus servicios a este caso, de 270.000 imágenes que se captaron 100.000 son de Dorothea y su imagen de la «Madonna» será el icono de la depresión y por supuesto la de su autora «Y sin embargo no fue la única foto que tomé en mi vida» suspira Lange al final de sus días.

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Buscando la dignidad perdida.

A los 67 años, la hija lee en voz alta una entrevista a su madre en 1978 «Nuestra foto ha dado la vuelta al mundo pero nosotros no hemos visto nunca un céntimo. Por eso exijo mil dólares a los periodistas que vienen a entrevistarme» «Estoy harta de simbolizar la miseria humana pese a que mis condiciones de vida han mejorado» a partir de ahí anuncio acciones legales para impedir la publicación de la imagen. El proceso no se celebra, nada indica que la foto fuera tomada sin su conocimiento. Mas bien al contrario. Cinco años después no obstante sus hijos no vacilan en publicar la foto en el New York Times para solicitar donativos para ayudar a sufragar los gastos de hospitalización de su madre enferma de cáncer. 15.000 dólares  llegarán de todo el país en vano Florence Thomson muere el 16 de Septiembre de 1983 con 79 años.

Blade Runner, fotografía en estado puro

29 agosto, 2017 por Classphoto 1 comentario

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Blade Runner, fotografía en estado puro.

Como sabéis soy bastante cinéfilo y por consiguiente tengo verdadera obsesión por las composiciones y colores en las películas, también me fijo mucho en las ambientaciones y en la música de las mismas ya que son lo que terminan por trasladarte a una sensación o emoción. Después de haber hablado en este blog de alguna cinta como «Los sueños de Alexandria» he de decir que una de las películas que marcó mi infancia y mi adolescencia no solo por su fotografía si no por muchas otras cosas mas fue Blade Runner, un film del aclamado director Ridley Scott mas conocido por peliculas como Alien, Gladiator o Black Hawk Derribado, estoy seguro que muchos conocéis la película y que muchos otros coincidirán conmigo en que es una obra maestra en casi todos los campos artísticos que compone un film, contando con que el guión es una adaptación de una novela de ciencia ficción de Philip K. Dick titulada extrañamente y casi jocosamente como «¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?» en todos los demás aspectos marcó un antes y un después.

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Los Ángeles, 2019

La llegada y potenciación del ciberpunk fue culpa en parte de Blade Runner y a partir de entonces, este film fue un ejemplo que sirvió de inspiración para muchos directores, marcó tendencias en la decoración de interiores, en la moda de entonces y los decorados y el vestuario fueron un adelanto creativo, todo esto no hubiese sido posible gracias al gran control que Scott tiene de la luz en cualquiera de las tomas, unas penumbras y unas atmósferas doradas que saben conseguir la gruesa densidad de un mundo abandonado y caótico, salpicado por luces de algún color vivo que denota dosis de relax y búsqueda de lo natural. Los actores exquisitos en cualquiera de sus papeles hacen creíbles cualquier sinrazón humana que se detalla en el film, cada uno de ellos tiene una personalidad propia arrolladora, incluso la sensación insípida de Rachel (Sean Young) se hace tan latente y emocional que inspira realmente esa falta de emociones que cree creer y su búsqueda de tenerlas y sentirlas, un Deckrd (Harrison Ford) abandonado de si mismo, pero orgulloso de ser un ser verdadero… ¿o no? perdido en un mundo de perdidos, solo busca el perdón de lo que no sabe realmente el porque pedirlo, Gaff (James Olmos) borda con soltura el desinterés por lo que pase, pero que aguanta hasta el final la fuerza del que está al lado, que decir del portentoso Roy (Ruther Hauer) quizás el que mejor sabe lo que quiere con paso firme y con condescendencia… en fín. Punto importante es su música compuesta por el gran compositor de New Age Vangelis, hasta día de hoy muchos creen que es la mejor banda sonora de la historia y no dejarían de tener razón, melodías que te acompañan transportan y te mantienen en un mundo casi real.

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Pero lo que realmente nos interesa en este blog es sin duda hablar de fotografía y en el caso de Blade Runner es un hecho que su fotografía es una obra maestra de luz y sentido, podríamos escribir un libro de cada escena explicando el uso de esas luces y composiciones, desde la primera toma donde una ciudad infinita se pierde entre explosiones, se supone que de gas para energía, hasta la ultima toma de la paloma que suelta Roy al cielo y  el encontronazo de Deckard con el unicornio de papirofléxia existe un delirio de imágenes que hacen que queramos extrañamente estar allí sin ser un sitio idílico, la habitación de hotel de León, el aterrizaje del «Spinner», el edificio Tyrrel, la entrevista de Leon, la subida de Roy a ver a Tyrrel… todas estas tomas son realmente arte puro de luz.

Estética y luz.

De mis escenas favoritas seria y no se si en este orden, los momentos en los que Deckard está en su casa con Rachel, en donde se limpia la boca de sangre en la cocina o cuando hablan el tumbado en el sofá y las luces se cuelan por la ventana, el momento de la presentación y del test Voigh Kamp con Rachel es sublime, como cambian la luz en ese entorno ecléctico con unos tonos dorados. Todas estas cosas solo en el tema estético porque si nos vamos al argumento podríamos seguir hablando maravillas, unos androides fabricados por el hombre a imagen y semejanza que el mismo para tareas de todo tipo gracias a la biomecánica, tan perfectos que al final pueden llegar a tener sentimientos, algo que desconcierta y rompe al propio ser humano que juega de alguna manera a ser Diós, unos androides que buscan finalmente lo mismo que los humanos, de donde vengo, a donde voy y cuanto tiempo me queda, lo que les hace ser inconsistentes emocionalmente de una forma primaria es saber que eso lo pueden descubrir y saber, cosa que un humano no, argumento que puede tener muchas vías y caminos, como no saber ni uno mismo si uno es un androide o no. Una película con muchos mensajes ocultos y alegóricos que hacen que podamos jugar.

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Y llegó el 2049 ¿que pasará?

No obstante en 1982 en su estreno, este filme no tuvo ningún éxito comercial y no produjo grandes beneficios, quizás el publico todavia no estaba preparado, fue en los años siguientes donde se empezó a descubrir el potencial en todos sus aspectos, llegando a ser una película de culto y catalogada como una de las mejores de la historia, amada por cualquier tipo de cinéfilo o persona de a pie. Ahora en este 2017 se estrenara el remake de Blade Runner, Blade Runner 2049 , no con ciertos miedos en los que aclaman como pura la cinta antigua ¿como mejorar lo inmejorable? ¿Como seguir con algo perfecto?

La verdad es que habria que verla con otros ojos y saborear de algún modo lo que parece una buena película que emula lo ya inventado en cuanto a estética y color, un filme en definitiva para románticos eclécticos como yo y aunque «La perfección visual de Blade Runner es insuperable» – viendo el Teaser me han saltado las lágrimas y me emocionado por volver a sentirme dentro de la atmósfera de esta cinta. Creo que estaremos de acuerdo de que a muchos como yo se nos quedaba ya pequeño pasear por los mismos decorados una y otra vez, eso si, amando como nadie esos recursos que he comentado antes tan novedosos en su época como las penumbras, ambientes cargados y neones desvanecidos, yo hubiese sido feliz en una casa como la de Rick Deckard con su caos y su oscuridad, la elección de Ryan Gosling para mi es perfecta, pues dentro de las películas que amo esta Drive, donde Ryan clava un personaje asépticamente podrido y brutalmente romántico, y os confesaré que Gosling me atrae como actor en muchos sentidos, solo nos falta saber como funcionará la música de Jóhann Jóhannsson en una película que en su tiempo  fue increíblemente importante la obra maestra del compositor Vangelis. El Audaz director ahora es Denis Villeneuve y el productor como no Ridley Scott. Jared Letho, Robin Wrihgt, Harrison Ford, Ryan Gosling y Ana de Armas componen el elenco principal de actores. Veremos como ermina esta nueva idea si en drama o en una increible forma diferente de sentir el cine.

Trailer de la nueva película.

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Don McCullin, fotógrafo puro y solitario

19 mayo, 2017 por Classphoto 2 comentarios

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Don McCullin, fotógrafo puro y solitario.

Don McCullin, fotógrafo puro y solitario, llamado Donald McCullin es un fotógrafo de reportaje puro y duro,nacido en Londres en 1935 ejercerá como cronista bélico desde la década de los 60, ademas de la disciplina de reportaje lo que mas le apasiona es la fotografía de naturaleza, paisajes y bodegones.

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Don McCullin

En su juventud Don recibe una beca artística de la School of Arts and Crafts y en 1949 a la muerte de su padre abandonará la escuela de forma súbita, al poco cumplirá con el servicio militar de su país, de 1953 a 1955 la realiza en la Royal Air Force, tras su paso por el ejercito se especializa y orienta hacia la fotografía. En 1958 se publicará su primera fotografía y en 1961 tomara imágenes de la construcción del muro de Berlín por las que recibirá un premio de la prensa británica, a partir de entonces colabora con el rotativo The Observer y en 1964 entra en plantilla del diario Sunday Time Magazine, desde entonces será testigo de todos los grandes conflictos de la historia, Chipre, Vietnam, Camboya, Oriente Próximo, India, Pakistán, Biafra, El Salvador, Irlanda del Norte…

En 1984 dejará el Sunday y ejercerá como freelance y se centra en naturalezas muertas y paisajes y mientras tanto recibirá varias distinciones, entre otras la mas significativa será el Gran Premio de la American Society of Media Photographers de Nueva York por el conjunto de toda su obra, también es nombrado Comandante del Imperio Británico en 1993 y como dato curioso en 1995 contrae matrimonio con la fotógrafa Marylin Bridges pero este enlace no dura mucho y se separara pronto de ella.

Don McCullin, fotógrafo puro y solitario

FOTO: © Don McCullin

» En la vida de los grandes fotógrafos, con frecuencia hay un encuentro, una amistad determinante que impulsan una carrera, deciden una trayectoria. En el caso de Don no hay nada de eso. Descubrió él solo la fotografía, como por sorpresa, mientras se revelaba con todas sus fuerzas contra las inmutables obligaciones de una sociedad inglesa de posguerra donde no encontraba su lugar. También por su cuenta comprendió que la miseria, el dolor, el miedo y la muerte eran los únicos retos que su fotografía debía plantear. Que solo se sintió, incluso rodeado de sus colegas, en los grandes escenarios de guerra de todo el mundo, cuando fijaba la mirada en el sufrimiento de las víctimas «

– Robert Pliedge

 

Don McCullin, fotógrafo puro y solitario

FOTO: © Don McCullin

El fotógrafo, el que más tiempo le dedica a tu boda

7 noviembre, 2016 por Classphoto 7 comentarios

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El fotógrafo, el que más tiempo le dedica a tu boda.

La entrada de hoy «El fotógrafo, el que más tiempo le dedica a tu boda» va dirigida sobretodo a nuestros clientes, tanto a los que ya han confiado en nosotros como a los que en un futuro se acerquen a conocernos, y como no a nuestros colegas de profesión fotográfica; Y es que el otro día, pensando en nuestro trabajo ,llegué a una conclusión muy curiosa y notable, de todos los profesionales que están implicados en la boda de una pareja, el fotógrafo es el que mas tiempo dedica a los novios y a la elaboración del servicio y el reportaje.

El fotógrafo y otros profesionales.

Si nos damos cuenta, de todos los profesionales diferentes que rodean de una forma intima y personal en el enlace de una pareja, el fotógrafo es el que mas tiempo invierte en el cliente. Voy a poner a diferentes profesionales como ejemplo y lo veréis claramente, el restaurante o la finca suele tener un contacto muy constante al principio con las pruebas de los platos y por el hecho de dejar los detalles y preparativos lo mas cerrado posible, en algunos casos será mas tedioso o no pero cuando el convite termina, ahí acaba casi de un plumazo toda la relación surgida, en cuanto a la peluquería y maquillaje suele ser parecido al del restaurante, pero menos complicado, la relación se suele resumir en alguna prueba unos días antes de la boda y el mismo día de la boda, entre prueba y día señalado suelen hacer una media no mas de 4 o 5 horas si no hay casos muy excepcionales, con el vestido o traje suele ser unas visitas a la tienda o sastre y fin de la historia, maestros de ceremonia o animaciones varias suelen funcionar por horas o evento y el contacto suele ser telefónico y no se busca mucho mas en profundidad, los floristas suelen tener una tarea quizás mas frenética que el resto de los mencionados, pues tienen que tener las flores lo mas frescas posibles y hacerlo casi en el día, ademas tener centros de mesas, prendidos, ramos suplentes y adornos de coche y ceremonia frescos, hechos y colocados teniendo que desplazarse los lugares de la celebración y aun así ahí acaba toda su relación, faltarían detalles de boda o disc-jokey entre algunos otros profesionales y ninguno de ellos se acerca ni por asomo a la dedicación en horas de servicio y preparación del fotógrafo.

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Los profesionales antes mencionados siempre empezamos con una reunión, en nuestro caso es de suma importancia ya que tanto el fotógrafo como la pareja nos debemos conocer y marcar las necesidades mutuas, ademas tiene que haber una conexión o feeling ya que vamos ha estar como un invitado mas pululando todo el rato cerca de ellos, tendremos otra cita para la firma del contrato y otra mas muy poco antes de la boda para concretar horarios y organizarse, el mismo día de la boda quien mas tiempo dedica por goleada al evento es el fotógrafo sin lugar a dudas, si no contamos a los camareros, los fotógrafos solemos empezar la mayoría de las veces de dos a tres horas antes de la ceremonia para ir a las casas de los novios y terminando en nuestro caso unas dos horas después del primer baile, ello hacen una media de 10 a 14 horas seguidas con la presión de no perder nada y el esfuerzo físico que supone el peso de las herramientas, una vez hecho el trabajo de campo la labor y la dedicación se dilata mucho mas, archivando las imágenes y seleccionando entre miles de archivos, ademas el trabajo mas costoso en cuanto a tiempo suele ser la edición, finalizando en la maquetación del posible álbum o soporte digital del mismo, para cuando lo tienes hecho, tiene que pasar el corte de tus clientes que deben supervisar que no hay cambio alguno, una vez así ya podemos imprimir y quedar con la pareja para la entrega final que suele ser entre 5 y 8 meses si no es mas después de la boda.

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Resumiendo.

Con todo esto, no es de extrañar que pasando tanto tiempo el día de la boda con tus mas que clientes y siendo el ultimo profesional que ven después del ciclo del enlace, se estrechen relaciones y quede siempre un poso de amistad y cierta tristeza por no vernos mas en periodos cortos de tiempo. Por eso siempre digo que antes de pensar en lo que cuesta un fotógrafo para reflejar el recuerdo de todo eso que pasará del presente al pasado, escudriñemos lo que cuestan otros servicios que a corta distancia y a buen seguro tienen su coste, como un fotomatón que esta entre los 450€ y 700€ el candy bar por 300€ o 400€ o las fuentes de chocolate por lo mismo, si comparáramos los costes de nuestro servicio puede parecer costoso pero he de decir con plena sinceridad que no tanto como uno pueda pensar.

¿Por que todos hacen mejores fotografías que yo?

29 septiembre, 2016 por Classphoto 5 comentarios

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¿Por que todos hacen mejores fotografías que yo?

Bueno, esta vez la entrada va mas dirigida a colegas de trabajo y a aficionados avanzados a la fotografía, una entrada que creo os identificareis mucho, tanto unos como otros o por lo menos seguramente os habréis sentido en esta situación. Siempre y cuando hablemos del tema en una igualdad en cuanto a calidad y toma, desestimemos a los genios lógicamente como Cartier Bresson o Richard Avedon entre otros tantos.

Ya van varios compañeros y alumnos de gran confianza y no son pocos que me comentan de forma individual que a la hora de ver su propio trabajo se «rayan» mucho… que no están contentos en definitiva con sus resultados a la hora de ver las fotografías y que quieren dejar de hacer lo que hacen para «despuntar» o «encontrarse», de algún modo, dar el bombazo, romper moldes etc. El problema viene cuando conoces el trabajo de estos compañeros y nunca dirías que su trabajo es mediocre, malo o sin calidad visual desde un punto de vista de otro profesional, todo es mejorable, de acuerdo y todos querríamos ser unos referentes o conocidos dentro del mundillo, muchos por orgullo, otros por ego y bastantes más porque comercialmente eso hace mucho a la hora de que tus clientes te conozcan.

Yo mismo, no os voy a engañar, suelo tener la misma situación muchas veces y lo increíble, es que cuando se lo digo a alguno de mis colegas, se sorprenden, es mas, les digo las sensaciones y los síntomas y son casi clavados a los que me suelen despues explicar ellos ¿Por que nos pasa esto? ¿Que ocurre en nuestra mente? de alguna manera es sencillo explicarlo bajo mi punto de vista.

El «Punctum» fotográfico.

Para empezar, debemos entender  mas que nunca que nuestro trabajo o afición tiene un alto grado de creatividad, antes también lo era, pero lo analógico no daba para muchas probatinas, la luz era la que era, y las mediciones estaban calculadas hasta morir, algún valiente como Juan de la Cruz Mejias nos deleitaban a finales de los ochenta y noventa con fotografía de boda muy muy particular y personal, tanto como para ser galardonado en el prestigioso certamen anual PhotoEsphaña en 2001. Pero bueno, no quiero extenderme mucho, el caso es que en este «arte» fotográfico el momento creativo es instantáneo, lo que Bartes definía en su ensayo “La Cámara Lúcida” publicado en 1980 en dos estadios, el «Studium» y el «Punctum» resumiendo, el «Studium» sería la parte que se estudia, planifica, busca de una forma casi conscientemente percibida y el «Punctum» seria la cualidad que fuera de nuestro control consciente percibimos como un pinchazo, pellizco o puntazo cuando de repente vemos una imagen, en sí, sería la captación instantánea creativa. Por un lado el Studium es percibido como algo muy analizable y el Punctum como algo llamativo sin intencionalidad.

¿Por que todos hacen mejores fotografías que yo?, Roland barthes, fotografía, filosofia,

Roland Barthes Foto: WIKIMEDIA COMMONS (Michel Delaborde)

Pues bien, esto es algo podriamos decir propio de la fotografía, un pintor tiene la decisión de poder pintar o dibujar en un determinado espacio de tiempo libremente y conscientemente, igual que un arquitecto, escultor o diseñador, esto es, que el fotógrafo capta su creación en milisegundos por una composición mezcla del Stadium y el Punctum, (independientemente de que montemos escenografias y estudiemos la toma) y a mi parecer casi mas hoy en día por el Punctum, analizando todo esto, diría que a la hora de tomar una imagen, ademas de ser rápida, nos involucramos de forma vívida en el momento de la toma y eso hace que cuando veamos la fotografía realizada por nosotros, estemos polucionados por elementos externos como el contexto, la dificultad, la emoción y sobretodo y para mi lo mas importante, recordamos el momento y  como era el lugar fuera y mas allá de esos cuatro lados fronterizos del final de una foto, por eso en muchas ocasiones vemos fotografías de algún compañero en el mismo lugar y siempre o casi siempre en igualdad de calidades, veremos esa foto mejor que la nuestra, simplemente, en primer lugar por lo ultimo descrito, una imagen nueva a nuestros ojos es virgen y caprichosa y nos da lugar a profundizar y divertirnos con ella porque no conocemos el total del momento.

Razones sociológicas de nuestros tiempos.

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Ejemplar de la Cámara Lúcida

Otra razón y esta es mas terrenal si cabe, es un argumento sociológico. En una profesión que en los últimos años a despuntado en popularidad y calidad, vemos como algunos de nuestros colegas tienen una cierta «fama» reconocida dentro del círculo, vivimos de una trabajo donde el ego esta muy palpable, existen directorios de mas o menos renombre, concursos anuales, mensuales, semestrales, nunca hemos tenido como hoy la oportunidad de asistir a centenares de «workshops» y talleres, y dentro de un mundo globalizado donde solo ponemos lo bonito de nuestras vidas acaba pasando factura, ademas no hay que olvidar que para vendernos necesitamos hoy por hoy estar en las redes y estar continuamente activos, guste o no guste, es parte del marketing el show y el negocio.

Al final nos dejamos embaucar por las imágenes de los que se les considera «gurús» de la imagen y las tendencias, pero no nos engañemos… los estilos son muy propios, y diferentes, todo se mueve por tendencias, casi todo al final acaba siendo un trasto viejo en el desván y siempre aparecerán cosas nuevas, la pseudofama y los fotones no suelen venir solos, son resultado  en muchos casos de un trabajo duro, mezcla de búsqueda, de estar en el momento idóneo y de relacionarse a veces con gente con la cual no te relacionarías, ¿significa eso que tu no eres merecedor de ese reconocimiento? ni mucho menos, solo hay que mirar cuales son nuestros puntos flacos y desarrollarlos y lo mas difícil todavia, desarrollarlos cinco pasos por delante de la tendencia y del resto ¿Por que algunos tienen nombre? sencillo, porque fueron los primeros o casi y puede que hayas visto trabajos de compañeros que no tienen nada que envidiar a alguno de estos grandes. No nos desanimemos, no miremos con ojos golosos de impotencia como otros hacen sus trabajos porque tu, yo y los demás, tenemos nuestros estilos, recursos y formas diferentes de afrontar al fin y al cabo el trabajo o proyectos que intentan hacer felices a nuestros clientes y familiares.

No dejemos de ser «Amateurs»

Como le dije a un amigo, llega un punto en el cual parece que te estanques, sabes que no estas estancado pero la sensación es esa, tus fotos perceptualmente son buenas pero quieres mas, y es lo normal y lo hermoso, el problema es que cuando empiezas en un trabajo que tiene como ingrediente potencial la presión, tus recursos que tanto tiempo has tardado en perfeccionarlos y hacerlos tuyos y que en muchos casos te dan buenísimos resultados para ir con mas tranquilidad, empiezan a devorarte sin que tu lo sepas, es aquí cuando viene el peligro porque te acomodas en un estado de seguridad y confort cuando antes ese sufrir de las novedades e imprevistos hacia que estuviese alerta y lo mas importante, que no te comieras la cabeza pensando en evolucionar mas, resumiendo… dejar de ser profesional para de una manera metafórica no dejar de se un Amateur.

Ferran Mallol, fotógrafo y profesor en la Galería fotográfica Spectrum Sotos

La historia de la fotografía mas reproducida de los EEUU

13 septiembre, 2016 por Classphoto Deja un comentario

LINEA BLOG

La historia de la fotografía mas reproducida de los EEUU.

Febrero de 1945, La historia de la fotografía mas reproducida de los EEUU va ha comenzar, la segunda guerra mundial estaba a punto de finalizar y la capitulación de la Alemania Nazi era inminente, no obstante Japón que controla una gran parte de Asia se mantiene de pie todavía, así que los americanos buscan sin cesar una base para realizar lo que sera la ultima ofensiva sobre el país nipón, la historia por fín e pone nombre y sera Iwo Jima, una isla pequeña en el Pacifico llena de Japoneses dispuestos dar su vida como kamikazes, no en vano esta considerada la lucha mas cruenta en las guerras en las que han luchado, tan solo dos de cada tres marines saldrán con vida de allí, 7000 marines dejaran alli su vida y 23000 Japoneses también morirán allí.

Joe Rosenthal, un fotógrafo de la Associated Press.

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Joe Rosenthal

Joe Rosenthal con 32 años cubría para la prestigiosa agencia de prensa Associated Press la guerra y desembarcara en la isla, el 23 de Febrero de 1945 es informado de que 40 marines van al asalto del monte Suriashi (el punto mas alto de la isla) para colocar la bandera nacional de los Estados Unidos, sin pensarlo va hacia ese punto cargado con una cámara de cine, pero tristemente llega tarde, es mas, el sargento Lou Lowery de la revista de los marines le suelta «Ya he hecho la foto»  mientras descienden de la montaña, Rosenthal  reconoce tiempo después que estuvo a punto de abandonar, pero tras llegar a la cima a mediodía ve que ondea una pequeña bandera de 1,37 metros por 71 cm. De repente Joe divisa a cinco soldados que arrastran un tubo de seis metros y que otro lleva otra bandera bien doblada «Esta es mas grande, se podrá ver desde cualquier parte» le espeta uno de ellos, el fotógrafo no va ha perder semejante oportunidad «Retrocedí unos diez metros, pero el sol desapareció y yo estaba demasiado bajo para encuadrar» Apiló unas cuantas piedras para subirse a ellas y… entre 8 y 11 de diafragma, velocidad 1/400 de segundo ¡Clic! Joe Rosenthal hace historia.

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La famosa imagen.

La fotografía mas reproducida de los Estados Unidos.

Al publicarse la fotografía los hogares de los americanos se llenaron de banderas nacionales en las ventanas en los jardines en los porches… se produjeron 3,5 millones de carteles de esta imagen, 15000 carteles publicitarios enseñarían la misma foto y 137 millones de sellos reproducen la hazaña y se convierte en el sello mas vendido de la historia postal estadounidense. Impresa en bonos del tesoro ayudo a recaudar mas de 200 millones de dolares para cubrir los esfuerzos de la contienda y en 1954 es inaugurada por el presidente Eisenhower una escultura replicada de la imagen en el Arlington Memorial.

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La firma de Joe Rosenthal y un Lego reproduciendo la imagen.

¿Que fue de los protagonista de la foto?

De los seis que llevan la bandera tres de ellos morirían en la Isla, de los tres restantes tampoco habría que alegrarse mucho, Ira Hayes moriría 10 años después a la edad de 32 emborrachado hasta morir por no aguantar mas los honores de una imagen así, René Gagnon murió con 52 años, se dice que tampoco soportó la presión de los honores y Jhon Bradley en todo momento se negó a hablar con la prensa y guardó silencio durante cincuenta años y nunca tuvo una imagen en su casa de la gesta.

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