Blade Runner, fotografía en estado puro

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Blade Runner, fotografía en estado puro.

Como sabéis soy bastante cinéfilo y por consiguiente tengo verdadera obsesión por las composiciones y colores en las películas, también me fijo mucho en las ambientaciones y en la música de las mismas ya que son lo que terminan por trasladarte a una sensación o emoción. Después de haber hablado en este blog de alguna cinta como “Los sueños de Alexandria” he de decir que una de las películas que marcó mi infancia y mi adolescencia no solo por su fotografía si no por muchas otras cosas mas fue Blade Runner, un film del aclamado director Ridley Scott mas conocido por peliculas como Alien, Gladiator o Black Hawk Derribado, estoy seguro que muchos conocéis la película y que muchos otros coincidirán conmigo en que es una obra maestra en casi todos los campos artísticos que compone un film, contando con que el guión es una adaptación de una novela de ciencia ficción de Philip K. Dick titulada extrañamente y casi jocosamente como “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” en todos los demás aspectos marcó un antes y un después.

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Los Ángeles, 2019

La llegada y potenciación del ciberpunk fue culpa en parte de Blade Runner y a partir de entonces, este film fue un ejemplo que sirvió de inspiración para muchos directores, marcó tendencias en la decoración de interiores, en la moda de entonces y los decorados y el vestuario fueron un adelanto creativo, todo esto no hubiese sido posible gracias al gran control que Scott tiene de la luz en cualquiera de las tomas, unas penumbras y unas atmósferas doradas que saben conseguir la gruesa densidad de un mundo abandonado y caótico, salpicado por luces de algún color vivo que denota dosis de relax y búsqueda de lo natural. Los actores exquisitos en cualquiera de sus papeles hacen creíbles cualquier sinrazón humana que se detalla en el film, cada uno de ellos tiene una personalidad propia arrolladora, incluso la sensación insípida de Rachel (Sean Young) se hace tan latente y emocional que inspira realmente esa falta de emociones que cree creer y su búsqueda de tenerlas y sentirlas, un Deckrd (Harrison Ford) abandonado de si mismo, pero orgulloso de ser un ser verdadero… ¿o no? perdido en un mundo de perdidos, solo busca el perdón de lo que no sabe realmente el porque pedirlo, Gaff (James Olmos) borda con soltura el desinterés por lo que pase, pero que aguanta hasta el final la fuerza del que está al lado, que decir del portentoso Roy (Ruther Hauer) quizás el que mejor sabe lo que quiere con paso firme y con condescendencia… en fín. Punto importante es su música compuesta por el gran compositor de New Age Vangelis, hasta día de hoy muchos creen que es la mejor banda sonora de la historia y no dejarían de tener razón, melodías que te acompañan transportan y te mantienen en un mundo casi real.

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Pero lo que realmente nos interesa en este blog es sin duda hablar de fotografía y en el caso de Blade Runner es un hecho que su fotografía es una obra maestra de luz y sentido, podríamos escribir un libro de cada escena explicando el uso de esas luces y composiciones, desde la primera toma donde una ciudad infinita se pierde entre explosiones, se supone que de gas para energía, hasta la ultima toma de la paloma que suelta Roy al cielo y  el encontronazo de Deckard con el unicornio de papirofléxia existe un delirio de imágenes que hacen que queramos extrañamente estar allí sin ser un sitio idílico, la habitación de hotel de León, el aterrizaje del “Spinner”, el edificio Tyrrel, la entrevista de Leon, la subida de Roy a ver a Tyrrel… todas estas tomas son realmente arte puro de luz.

Estética y luz.

De mis escenas favoritas seria y no se si en este orden, los momentos en los que Deckard está en su casa con Rachel, en donde se limpia la boca de sangre en la cocina o cuando hablan el tumbado en el sofá y las luces se cuelan por la ventana, el momento de la presentación y del test Voigh Kamp con Rachel es sublime, como cambian la luz en ese entorno ecléctico con unos tonos dorados. Todas estas cosas solo en el tema estético porque si nos vamos al argumento podríamos seguir hablando maravillas, unos androides fabricados por el hombre a imagen y semejanza que el mismo para tareas de todo tipo gracias a la biomecánica, tan perfectos que al final pueden llegar a tener sentimientos, algo que desconcierta y rompe al propio ser humano que juega de alguna manera a ser Diós, unos androides que buscan finalmente lo mismo que los humanos, de donde vengo, a donde voy y cuanto tiempo me queda, lo que les hace ser inconsistentes emocionalmente de una forma primaria es saber que eso lo pueden descubrir y saber, cosa que un humano no, argumento que puede tener muchas vías y caminos, como no saber ni uno mismo si uno es un androide o no. Una película con muchos mensajes ocultos y alegóricos que hacen que podamos jugar.

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Y llegó el 2049 ¿que pasará?

No obstante en 1982 en su estreno, este filme no tuvo ningún éxito comercial y no produjo grandes beneficios, quizás el publico todavia no estaba preparado, fue en los años siguientes donde se empezó a descubrir el potencial en todos sus aspectos, llegando a ser una película de culto y catalogada como una de las mejores de la historia, amada por cualquier tipo de cinéfilo o persona de a pie. Ahora en este 2017 se estrenara el remake de Blade Runner, Blade Runner 2049 , no con ciertos miedos en los que aclaman como pura la cinta antigua ¿como mejorar lo inmejorable? ¿Como seguir con algo perfecto?

La verdad es que habria que verla con otros ojos y saborear de algún modo lo que parece una buena película que emula lo ya inventado en cuanto a estética y color, un filme en definitiva para románticos eclécticos como yo y aunque “La perfección visual de Blade Runner es insuperable” – viendo el Teaser me han saltado las lágrimas y me emocionado por volver a sentirme dentro de la atmósfera de esta cinta. Creo que estaremos de acuerdo de que a muchos como yo se nos quedaba ya pequeño pasear por los mismos decorados una y otra vez, eso si, amando como nadie esos recursos que he comentado antes tan novedosos en su época como las penumbras, ambientes cargados y neones desvanecidos, yo hubiese sido feliz en una casa como la de Rick Deckard con su caos y su oscuridad, la elección de Ryan Gosling para mi es perfecta, pues dentro de las películas que amo esta Drive, donde Ryan clava un personaje asépticamente podrido y brutalmente romántico, y os confesaré que Gosling me atrae como actor en muchos sentidos, solo nos falta saber como funcionará la música de Jóhann Jóhannsson en una película que en su tiempo  fue increíblemente importante la obra maestra del compositor Vangelis. El Audaz director ahora es Denis Villeneuve y el productor como no Ridley Scott. Jared Letho, Robin Wrihgt, Harrison Ford, Ryan Gosling y Ana de Armas componen el elenco principal de actores. Veremos como ermina esta nueva idea si en drama o en una increible forma diferente de sentir el cine.

Trailer de la nueva película.

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¿Por que todos hacen mejores fotografías que yo?

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¿Por que todos hacen mejores fotografías que yo?

Bueno, esta vez la entrada va mas dirigida a colegas de trabajo y a aficionados avanzados a la fotografía, una entrada que creo os identificareis mucho, tanto unos como otros o por lo menos seguramente os habréis sentido en esta situación. Siempre y cuando hablemos del tema en una igualdad en cuanto a calidad y toma, desestimemos a los genios lógicamente como Cartier Bresson o Richard Avedon entre otros tantos.

Ya van varios compañeros y alumnos de gran confianza y no son pocos que me comentan de forma individual que a la hora de ver su propio trabajo se “rayan” mucho… que no están contentos en definitiva con sus resultados a la hora de ver las fotografías y que quieren dejar de hacer lo que hacen para “despuntar” o “encontrarse”, de algún modo, dar el bombazo, romper moldes etc. El problema viene cuando conoces el trabajo de estos compañeros y nunca dirías que su trabajo es mediocre, malo o sin calidad visual desde un punto de vista de otro profesional, todo es mejorable, de acuerdo y todos querríamos ser unos referentes o conocidos dentro del mundillo, muchos por orgullo, otros por ego y bastantes más porque comercialmente eso hace mucho a la hora de que tus clientes te conozcan.

Yo mismo, no os voy a engañar, suelo tener la misma situación muchas veces y lo increíble, es que cuando se lo digo a alguno de mis colegas, se sorprenden, es mas, les digo las sensaciones y los síntomas y son casi clavados a los que me suelen despues explicar ellos ¿Por que nos pasa esto? ¿Que ocurre en nuestra mente? de alguna manera es sencillo explicarlo bajo mi punto de vista.

El “Punctum” fotográfico.

Para empezar, debemos entender  mas que nunca que nuestro trabajo o afición tiene un alto grado de creatividad, antes también lo era, pero lo analógico no daba para muchas probatinas, la luz era la que era, y las mediciones estaban calculadas hasta morir, algún valiente como Juan de la Cruz Mejias nos deleitaban a finales de los ochenta y noventa con fotografía de boda muy muy particular y personal, tanto como para ser galardonado en el prestigioso certamen anual PhotoEsphaña en 2001. Pero bueno, no quiero extenderme mucho, el caso es que en este “arte” fotográfico el momento creativo es instantáneo, lo que Bartes definía en su ensayo “La Cámara Lúcida” publicado en 1980 en dos estadios, el “Studium” y el “Punctum” resumiendo, el “Studium” sería la parte que se estudia, planifica, busca de una forma casi conscientemente percibida y el “Punctum” seria la cualidad que fuera de nuestro control consciente percibimos como un pinchazo, pellizco o puntazo cuando de repente vemos una imagen, en sí, sería la captación instantánea creativa. Por un lado el Studium es percibido como algo muy analizable y el Punctum como algo llamativo sin intencionalidad.

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Roland Barthes Foto: WIKIMEDIA COMMONS (Michel Delaborde)

Pues bien, esto es algo podriamos decir propio de la fotografía, un pintor tiene la decisión de poder pintar o dibujar en un determinado espacio de tiempo libremente y conscientemente, igual que un arquitecto, escultor o diseñador, esto es, que el fotógrafo capta su creación en milisegundos por una composición mezcla del Stadium y el Punctum, (independientemente de que montemos escenografias y estudiemos la toma) y a mi parecer casi mas hoy en día por el Punctum, analizando todo esto, diría que a la hora de tomar una imagen, ademas de ser rápida, nos involucramos de forma vívida en el momento de la toma y eso hace que cuando veamos la fotografía realizada por nosotros, estemos polucionados por elementos externos como el contexto, la dificultad, la emoción y sobretodo y para mi lo mas importante, recordamos el momento y  como era el lugar fuera y mas allá de esos cuatro lados fronterizos del final de una foto, por eso en muchas ocasiones vemos fotografías de algún compañero en el mismo lugar y siempre o casi siempre en igualdad de calidades, veremos esa foto mejor que la nuestra, simplemente, en primer lugar por lo ultimo descrito, una imagen nueva a nuestros ojos es virgen y caprichosa y nos da lugar a profundizar y divertirnos con ella porque no conocemos el total del momento.

Razones sociológicas de nuestros tiempos.

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Ejemplar de la Cámara Lúcida

Otra razón y esta es mas terrenal si cabe, es un argumento sociológico. En una profesión que en los últimos años a despuntado en popularidad y calidad, vemos como algunos de nuestros colegas tienen una cierta “fama” reconocida dentro del círculo, vivimos de una trabajo donde el ego esta muy palpable, existen directorios de mas o menos renombre, concursos anuales, mensuales, semestrales, nunca hemos tenido como hoy la oportunidad de asistir a centenares de “workshops” y talleres, y dentro de un mundo globalizado donde solo ponemos lo bonito de nuestras vidas acaba pasando factura, ademas no hay que olvidar que para vendernos necesitamos hoy por hoy estar en las redes y estar continuamente activos, guste o no guste, es parte del marketing el show y el negocio.

Al final nos dejamos embaucar por las imágenes de los que se les considera “gurús” de la imagen y las tendencias, pero no nos engañemos… los estilos son muy propios, y diferentes, todo se mueve por tendencias, casi todo al final acaba siendo un trasto viejo en el desván y siempre aparecerán cosas nuevas, la pseudofama y los fotones no suelen venir solos, son resultado  en muchos casos de un trabajo duro, mezcla de búsqueda, de estar en el momento idóneo y de relacionarse a veces con gente con la cual no te relacionarías, ¿significa eso que tu no eres merecedor de ese reconocimiento? ni mucho menos, solo hay que mirar cuales son nuestros puntos flacos y desarrollarlos y lo mas difícil todavia, desarrollarlos cinco pasos por delante de la tendencia y del resto ¿Por que algunos tienen nombre? sencillo, porque fueron los primeros o casi y puede que hayas visto trabajos de compañeros que no tienen nada que envidiar a alguno de estos grandes. No nos desanimemos, no miremos con ojos golosos de impotencia como otros hacen sus trabajos porque tu, yo y los demás, tenemos nuestros estilos, recursos y formas diferentes de afrontar al fin y al cabo el trabajo o proyectos que intentan hacer felices a nuestros clientes y familiares.

No dejemos de ser “Amateurs”

Como le dije a un amigo, llega un punto en el cual parece que te estanques, sabes que no estas estancado pero la sensación es esa, tus fotos perceptualmente son buenas pero quieres mas, y es lo normal y lo hermoso, el problema es que cuando empiezas en un trabajo que tiene como ingrediente potencial la presión, tus recursos que tanto tiempo has tardado en perfeccionarlos y hacerlos tuyos y que en muchos casos te dan buenísimos resultados para ir con mas tranquilidad, empiezan a devorarte sin que tu lo sepas, es aquí cuando viene el peligro porque te acomodas en un estado de seguridad y confort cuando antes ese sufrir de las novedades e imprevistos hacia que estuviese alerta y lo mas importante, que no te comieras la cabeza pensando en evolucionar mas, resumiendo… dejar de ser profesional para de una manera metafórica no dejar de se un Amateur.

Ferran Mallol, fotógrafo y profesor en la Galería fotográfica Spectrum Sotos

Goya, un fotógrafo sin cámara fotográfica

Goya, El fotógrafo sin cámara fotográfica

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Muchos historiadores del arte y muchos analistas pictóricos realzan la figura del gran pintor aragonés como un de los primeros “fotoperiodistas” de la época que le toco vivir, sus grabados sobre la guerra de la independencia transcurrida desde 1810 a 1815 nos desvela lo que se le llamaría los desastres de la guerra, en esta serie tan cruel, Goya nos relata visualmente la atrocidad de la guerra y el comportamiento humano en una contienda bélica, sus grabados bien pueden asemejarse a las fotografías e imágenes que observamos de una contienda violenta, en cualquier periódico avergonzándonos de la condición humana y despertándonos de algún modo el ansia por mejorar este mundo.

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Serie de “Los Desastres de la Guerra”

Francisco de Goya y Lucientes observó con gran atención y estupor como una guerra producía la sinrazón humana, y con ello las pesadillas mas insospechadas, eso le hizo inmortalizar estas escenas en una serie de grabados que son patrimonio universal histórico-artístico y que le dan el “titulo” por muchos del primer fotoperiodista de la historia, pero sin cámara claro está. No obstante este atribuimiento viene del trabajo y comportamiento parecido al de los fotoperiodistas que captan las escenas mas crudas en una contienda para dar a conocer al mundo de una manera real y comprometida lo que ocurre, Goya actuó de igual manera realizando unos 82 grabados de aguatintas y aguafuertes en una serie mencionada anteriormente como “Los desastres de la Guerra” denunciando igualmente el sinsentido de la guerra y sus consecuencias devastadoras, un mensaje universal que hoy en día realizan dichos reporteros y que hace de Goya, un fotógrafo sin cámara fotográfica.

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“Los Fusilamientos del 3 de Mayo” y “Duelo a Garrotazos” Observense claramente los recursos fotográficos utilizados.

Aun así, no es un título basado y otorgado por un capricho momentáneo de algunos, si miramos con detenimiento la obra de este grande de la pintura, veremos como sus composiciones y trazos novedosos por aquel entonces destrozaban cualquier estudio estético de la época, para mi, Goya es el primer pintor surrealista y si me apuráis abstracto de la historia sin desmerecer a El Bosco en cuanto a surrealismo, pero la mirada del aragonés va mucho mas allá que la simple composición pictórica, sino que la construcción de muchas de sus pinturas, tanto lumínicamente como compositivamente, marca una acentuada construcción fotográfica, esto es, atrevimiento en desajustes del momento en las que fueron creadas y la determinación sin tapujos de utilizar recursos lumínicos inventados que nada tienen que envidiar a la utilización de posibles focos en un estudio, sin ir mas lejos, podríamos poner de ejemplo el cuadro de los fusilamientos del 3 de Mayo, en donde vemos, como un detenido y condenado a fusilamiento abre las manos con una marcada camisa blanca que llama el punto de interés sin tapujos, además este punto se acentúa con un candil grotescamente grande que ilumina la escena como si fuese un foco cinematográfico, en otra obra suya, en el cuadro de los garrotazos, detrás de uno de los sujetos existe una luz de ocaso que centra el punto de interés de una forma casi anómala.

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Cuadro “El Perro Semi-hundido” en el Museo del Prado, Madrid, y la pintura mura lsegún fotografía del año 1874, por J. Laurent, en el interior de la Quinta de Goya. Fototeca del IPCE.

No obstante y terminando esta pequeña entrada y opinión, si hay un cuadro que realza a Goya como un fotógrafo fuera de la época, es sin duda “El Perro” esta obra poco conocida de el, me puso los pelos como escarpias cuando la descubrí, pues entender ese mural en una época donde el arte estaba trazado con lineas inquebrantables es difícil. Una obra extraña e inquietante, donde un sujeto al que solo se le ve la cabeza aparece de entre la nada rompiendo un espacio homogéneo y negativo, creando una atmósfera de colores neutros y realzando soberbiamente la soledad tan buena y mala al mismo tiempo, una obra que hoy en día estaría dentro de las ultimas tendencias de la composición fotográfica y claro está del abstractismo cercano a Tapies y Barceló. Una obra pintada sobre la pared de su residencia en Madrid llamada la quinta del Sordo y atribuida a su serie negra por esa gama de pigmentos oscuros que la hacen tan especial.

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Tira humoristica de Macanudo byLiniers

Locura o no del autor, la obra “El Perro Semi-hundido” es un hecho y estoy completamente seguro de que esto demuestra a todos que Goya tenia una visión fotográfica cuando este elemento o disciplina no existía, además esta obra, bajo mi teoría, la encuadro en un estilo propio del autor del cual no quería que nadie conociese por no tacharlo de mas loco si cabe, lo demuestra que fue pintada sobre la pared de su residencia en Madrid y mi esperanza fantasiosa me hace desear, que algún día podamos descubrir una colección de cuadros escondidos en algún barracón con un estilo parecido a “El Perro” cual maleta mexicana de Robert Capa.

Encuadre y composición en la fotografía, el punto de interés

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Quizás una de las clases que mas suelen gustar cuando doy clases, (Escuela Spectrum) Zaragoza, es el encuadre y composición en la fotografía, es muy sencillo saber el porque de este hecho, la disciplina fotográfica evidentemente es un medio para transmitir creatividad, ademas de ser una herramienta en nuestra sociedad y como tal quien quiere aprenderla necesita de bastantes clases técnicas en donde se tendrá que saber los parámetros de una cámara y que ademas con la era digital esas clases técnicas se han multiplicado al tener que abarcar otros campos como son los software de edición de imagen, así pues cuando damos un aire de libre creatividad enseñando la composición, los ojos y los oídos de los alumnos suelen estar predispuestos para absorber toda la información que se pueda.

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El punto de interés puede ser una atmósfera. FOTO: © Ferran Mallol.

Bajo mi humilde opinión y pensamiento me parece un poco obsceno tener que dar pautas a la creatividad diciendo donde se tienen que poner los elementos pero es necesario tener claros los conceptos básicos compositivos para luego poder romper esas normas o reglas y ser conscientes de nuestra propia imaginación. Aquí no voy ha hablar de todos los recursos compositivos existentes, pues daría para varios libros y de los gordos pero si que hablaremos en este blog de pequeños “trucos” o normas que nos van a facilitar que nuestras fotografías tomen forma y sean al menos atractivas para los ojos de cualquier profano. En todas las disciplinas fotográficas se compone, fotografía de boda, de prensa, publicidad, etc.

Para empezar habría que hablar del principio de la composición y de su auge en la era del renacimiento donde el estudio y refinamiento del mismo llegaba a limites enfermizos, en otro post ya hablare de varias de estas cosas y de algún autor pictórico que podríamos asemejar a la fotografía.

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Un punto de interés evidente dentro de un espacio negativo. FOTO: © Ferran Mallol.

Una de la principal norma de encuadre y composición en la fotografía.

Vamos con la primera y la mas sencilla en cuanto a concepto pero no menos complicada que otros temas. Dejar claro un punto de interés… si, verdad, parece fácil e incluso intuitivo, pero no os dejéis engañar. ¿Cuantas veces habéis hecho una fotografía de un paisaje que a vuestros ojos es impresionante y a la hora de verla en la pantalla del ordenador parece que la imagen no es la misma? efectivamente, pasa muy a menudo cuando uno empieza a sentir el gusanillo y el gusto por la fotografía, esto ocurre porque cuando vemos o miramos un paisaje nuestro cerebro y ojos suelen ser muy selectivos y nos vamos dando cuenta de las cosas de una forma individual, es decir vemos cosas bonitas de una en una y luego a la hora de hacer la fotografía abarcamos todo lo que hemos visto pensando que esa sensación de “bonito” se transmitirá a la imagen fija limitada por cuatro lados. tenemos que tener en cuenta algo y es que en cierto modo somos vagos como observadores, pero no en el momento de tomar la foto sino como espectadores pues necesitamos que nos cuenten algo cuando vemos una cosa y en una imagen fija que no es vídeo se multiplica, en definitiva, en esa imagen en donde hemos abarcado todo lo que os gustaba se disipa el mensaje porque en muchos casos hay demasiados elementos importantes que hacen que el espectador se pierda entre tanta información sin darle un camino para sentir la fotografía.

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Texturas y lineas pueden ser un punto de interés. FOTO: © Ferran Mallol.

Nos falta un punto de interés que en una fotografía es importante, no necesariamente tiene que ser un sujeto o un elemento físico, a veces el punto de interés puede ser un color dominante, un tipo de luz, unas sombras o el ambiente, algo que el espectador pueda agarrarse para sentir y observar y sentir que se le esta comunicando algo, aunque la imagen sea “sosa” siempre tendrá un valor añadido cuando exista un punto de interés. Vamos a poner un ejemplo de como solucionar de una forma muy sencilla y porque no decirlo vaga para hacer que una foto de paisaje en donde realmente queramos sacar todo porque nos agrada tenga un valor añadido, seria hacer una panorámica con varias fotos y luego juntarla… el punto de interés será la excepcionalidad de una foto llamativa al ser grande y extensa.

El “barrido” fotográfico, Técnicas fotográficas

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Al dar clases de fotografía y mas en las primeras nociones, veo que hay algo que aun creyendo que es sencillo muchos de mis alumnos no consiguen entender o practicar al cien por cien, quizás sea porque la técnica es mas aparatosa que la teórica y proceder bien en un barrido fotográfico no solo depende de tener colocados unos parámetros diferenciadores sino también de la destreza de cada uno y de como practiquemos esta técnica. de ahí el escribir esta entrada, El “barrido” fotográfico, Técnicas fotográficas. No obstante podéis ver algún efecto de barrido en estas dos entradas anteriores sobre fotografía deportiva del motor, Fotografiando el CER en Motorland y las 6 Horas Vespas.

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Foto: Ferran Mallol

¿Que es un “barrido” en fotografía?

Para comenzar habría que explicar de buena manera que es un “barrido” fotográfico, recibe este nombre por la sutil sensación y de movimiento que se realiza con la cámara. En esta técnica los o el elemento en movimiento aparecerán nítidos  o por lo menos ligeramente trepidados mientras que lo que normalmente esta estático se verá borroso, movido o difuminado.

La técnica fotográfica.

La técnica aunque compleja en teoría es sencilla, pero dependiendo de que tipo de elemento queramos fotografiar los parámetros cambiaran y a veces de forma considerable, no será lo mismo fotografiar con esta técnica de barrido a una bicicleta que a un coche de circuito, ni tampoco será lo mismo fotografiar a una persona corriendo que mueve todo su cuerpo que a un elemento artificial y estático en su conjunto como un coche. En cuanto a los parámetros tendremos que priorizar unas velocidades de obturación relativamente lentas y repito que dependerá igualmente de la velocidad a la que vaya a ir el sujeto o elemento, una vez decidido a que o a quien, tendremos que seguir con una velocidad constante al sujeto de un lado a otro y disparar mientras estemos ejecutando el movimiento de trayectoria, esto quiere decir, sin parar… ni mientras presionamos el obturador y ni tan siquiera al finalizar el disparo, es muy importante este dato y no dejar de seguir al sujeto.

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Foto: Ferran Mallol

El parámetro de la obturación será muy diferente dependiendo de que grado de barrido queramos, del elemento a fotografiar, de la velocidad del elemento a fotografiar, y de la destreza que tengamos que lógicamente será mayor después de unos cuantos disparos, de ahí su complejidad pues estos parámetros no serán fijos y ademas darán resultados diferentes. Si fotografiamos por ejemplo a una persona corriendo será fácil que al mover esta por inercia los brazos y las piernas la persona salga borrosa en su mayor parte, sin embargo en una bicicleta al estar esta sentada lo único que nos puede salir movido si esta pedaleando serán las piernas, otro ejemplo clarificador es que si quiero sacar un barrido a una bicicleta de paseo tendré que poner una velocidad mas lenta que si quiero congelar un Fórmula 1 con un barrido detrás.

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Foto: Ferran Mallol

¿Por qué gusta tanto este efecto en fotografía?

¿Por que el barrido es tan embaucador? bueno, me he dado cuenta que en cuanto enseño esta práctica la repetición de la misma por los alumnos es una búsqueda incesante casi de la perfección y si no se tiene paciencia es fácil frustrarse, ¿Y porque gusta? porque nos damos cuenta de que podemos ser rebeldes a los automatismos y el efecto que proporciona es un efecto muy visual y que genera dinamismo y movimiento dentro de una imagen estática, algo que cuesta entender al principio. Un efecto que generalmente se puede usar en muchas disciplinas fotográficas como fotografía urbana, fotografía de bodas de una forma mas creativa y original o sobretodo en fotografía deportiva.

Ademas se puede aplicar a otros efectos igualmente llamativos si no mas como el efecto zooming que seria lo mismo pero ademas con unos parámetros casi fijos de obturación con un límite máximo de 1/30 de velocidad y ejecutando el efecto de movimiento mediante el giro del zoom de un objetivo zoom.

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Classphoto by Ferran Mallol

 

Películas de foto (The Fall)

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Sin título-4Películas de foto (The Fall)Hace un tiempo, un domingo de esos, perdidos de invierno y con ganas de sofá y manta con la pareja, nos apoltronamos en una especie de maratón de cine sorpresa viendo películas en el Paramount Channel, creo que como fotógrafo debo de visionar cine… nos vimos tres películas seguidas, pero una de ellas me cautivó y me enamoró, yo las denomino Películas de foto, desconocía de su existencia y a mi parecer es una de las mejores que he visto en cuanto a fotografía y diseño artístico, cada una de sus tomas es una poesía visual, no sabría con cual de ellas quedarme pero esta claro que se alimenta de la fotografía mas bella y mas compositiva rompiendo reglas y desafiando al cine en movimiento.

Su título es The Fall (La caída) El sueño de Alexandria, su director el hindú Singh Tarsem co-produce entre la India, Gran Bretaña y EEUU esta obra deslumbrante y atípica, la fuerza visual de este film hizo que se llevara el máximo galardón en la edición del Festival de Sitges de 2007  y por lo general, tiene buenas críticas.

Singh Tarsem tambien ha dirigido entre otras “La Celda” 2000 o “Inmortales” 2011, este director hindú comenzó en el mundo audiovisual con los videos musicales, uno de sus mayores exitos fue el vídeo del grupo REM con su famoso tema “Losing my Religion” con el cual ganó  en 1991 el Mejor Video del Año del Mtv Adwards.

Películas de foto (The Fall) Películas de foto (The Fall)

Las imágenes de este film llenas de luz y color esta acompañada de un argumento tan sencillo como original, ambientada a principios del siglo XX hace un homenaje a la aparición del cine y la fotografía, en una escena se ve como Alexandria mira una imagen invertida de una imagen filtarada por una cerradura y cuenta la historia de un especialista de cine mudo que se lesiona en un rodaje y en el hospital conoce a una niña ingresada también ávida de diversión para escapar del aburrimiento del hospital, éste le contará una historia en donde mezclará grandes dosis de imaginación con cierta realidad y personajes existentes en cierto modo cerca de su entorno, esta historia contada por el especialista es un modo de huir de la cruda realidad al saber que tendrá que dejar el cine por su grave lesión y que además como especialista nunca será la estrella reconocida. Esta historia tendrá cinco personajes en busca de un villano que en su recorrido visitaran lugares increíbles y conocerán algún que otro personaje, entre ellos una mujer.

Películas de foto (The Fall) Películas de foto (The Fall)

Realmente os recomiendo que veáis esta película si sois sensibles a la composición y en definitiva al arte y disciplina de la fotografía, pocos largometrajes pueden dejarnos tan llenos y complacidos como este, imágenes fijas y en movimiento que nos generaran grandes dosis de belleza y que nos harán replantearnos las tendencias de este arte y como un individuo libre puede romper reglas tan establecidas como es la composición clásica.

Películas de foto (The Fall) Películas de foto (The Fall)

TITULO: The Fall. AÑO: 2006 DURACION: 118 min. DIRECTOR: Singh Tarsem MUSICA: Krishna Levy. FOTOGRAFÍA: Colin Watkinsons. REPARTO: Lee Pace, Cantica Untaru, Justin Waddell, Julian Bleach, Robin Smith, Daniel Castalgirone, Leo Bill, Sean Gilder, Grant Brett Swanby, Marcus Wesley, Jeetu Verma. PRODUCTORA: Propia Googly Films. India, Gran Bretaña y EEUU. GÉNERO: Fantástico, Drama.

 

Franco Fontana, el fotógrafo del color

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¿Podríamos decir que Franco Fontana fue el primer “instagramer” de la historia?

Franco Fontana es un fotógrafo italiano nacido en Módena en el año 1933, a el se le atribuye un estilo muy personal y propio de fotografía, y es ni mas ni menos que el color, quizás unos de los últimos grandes fotógrafos clásicos o primeros de los modernos pues su época esta dividida entre estos dos tiempos tan marcados del arte fotográfico. Aprovechó como nadie las nuevas tecnologías y técnicas de ese momento, priorizando para sus proyectos el uso de la diapositiva en color, la cámara réflex de paso universal con un solo objetivo seleccionando objetivos mayoritariamente telemétricos y en algún otro caso zooms.

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Desierto de Erfoud, 1992 – Basilicata, 1978 – Emilia, 1978

Franco Fontana comenzará siendo un aficionado que visitará en muchas ocasiones grupos y asociaciones fotográficas y estará dominado en cierto modo de ese ambiente que lógicamente en aquel tiempo era dominado por el blanco y negro y la fotografía compositiva mas clásica, pero él, reacio a seguir unas directrices tan marcadas desarrollará poco a poco un estilo propio y dominado por el color gracias a la aparición en aquellos años de la diapositiva en color Ektachrome que al no someterse a procesos antiguos de revelado, era mas sencilla a la hora de revelar y así poder tratar mejor los contrastes y la saturacion.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Los Ángeles, 1991- Houston, 1985 – Emilia, 1973

Así pues, poco a poco Fontana se va atreviendo a instaurar y revolucionar su propio yo interior rompiendo con lo establecido en cuanto a composiciones, será en un viaje a Praga en 1967 donde esto mismo le aflorará con mayor potencia y precisión.

Sus obras se han desarrollado en muchos parajes, siendo lo mas conocido en él los paisajes de campos interminables, donde se movía cómodamente en sus capacidades compositivas de espacios negativos, lineas interminables, juegos geométricos y contrastes colorimétricos que tanta fama le han dado, en base a ello ha realizado grandes proyectos de la misma manera en fotografía arquitectónica y reportaje urbano, así como algo de desnudo, sus fotografías son determinantes, ligeras y bellas, fotografías saturadas y armónicas en color,  jugando con sombras, volúmenes, dibujos y espacios, aprovechando ansiosamente cualquier tipo de impureza visual existente en los medios urbanos, o simplemente transportándote a un instante zen gracias a sus horizontes azules desvanecidos… hoy en día podríamos decir que el estilo “instagramer” que tanto hypster se apropia fue descubierto, elaborado y trabajado mucho antes por este gran artista italiano, o por lo menos su forma y estilo conceptual de la composición.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Londres, 1955 – Zurich, 1981 – Frankfurt, 1982

Raro es que en una escuela no se enseñe su obra fotográfica cuando se habla del color y de la composición, hoy en día Franco Fontana cuenta con 72 años y nos deja un legado fotográfico desenfadado y abstracto que tanto disfrutamos. Franco Fontana, el fotógrafo del color.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Mediterráneo, 1988 – Emilia, 1982 – Mar Ligur, 2005