Blade Runner, fotografía en estado puro

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Blade Runner, fotografía en estado puro.

Como sabéis soy bastante cinéfilo y por consiguiente tengo verdadera obsesión por las composiciones y colores en las películas, también me fijo mucho en las ambientaciones y en la música de las mismas ya que son lo que terminan por trasladarte a una sensación o emoción. Después de haber hablado en este blog de alguna cinta como “Los sueños de Alexandria” he de decir que una de las películas que marcó mi infancia y mi adolescencia no solo por su fotografía si no por muchas otras cosas mas fue Blade Runner, un film del aclamado director Ridley Scott mas conocido por peliculas como Alien, Gladiator o Black Hawk Derribado, estoy seguro que muchos conocéis la película y que muchos otros coincidirán conmigo en que es una obra maestra en casi todos los campos artísticos que compone un film, contando con que el guión es una adaptación de una novela de ciencia ficción de Philip K. Dick titulada extrañamente y casi jocosamente como “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” en todos los demás aspectos marcó un antes y un después.

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Los Ángeles, 2019

La llegada y potenciación del ciberpunk fue culpa en parte de Blade Runner y a partir de entonces, este film fue un ejemplo que sirvió de inspiración para muchos directores, marcó tendencias en la decoración de interiores, en la moda de entonces y los decorados y el vestuario fueron un adelanto creativo, todo esto no hubiese sido posible gracias al gran control que Scott tiene de la luz en cualquiera de las tomas, unas penumbras y unas atmósferas doradas que saben conseguir la gruesa densidad de un mundo abandonado y caótico, salpicado por luces de algún color vivo que denota dosis de relax y búsqueda de lo natural. Los actores exquisitos en cualquiera de sus papeles hacen creíbles cualquier sinrazón humana que se detalla en el film, cada uno de ellos tiene una personalidad propia arrolladora, incluso la sensación insípida de Rachel (Sean Young) se hace tan latente y emocional que inspira realmente esa falta de emociones que cree creer y su búsqueda de tenerlas y sentirlas, un Deckrd (Harrison Ford) abandonado de si mismo, pero orgulloso de ser un ser verdadero… ¿o no? perdido en un mundo de perdidos, solo busca el perdón de lo que no sabe realmente el porque pedirlo, Gaff (James Olmos) borda con soltura el desinterés por lo que pase, pero que aguanta hasta el final la fuerza del que está al lado, que decir del portentoso Roy (Ruther Hauer) quizás el que mejor sabe lo que quiere con paso firme y con condescendencia… en fín. Punto importante es su música compuesta por el gran compositor de New Age Vangelis, hasta día de hoy muchos creen que es la mejor banda sonora de la historia y no dejarían de tener razón, melodías que te acompañan transportan y te mantienen en un mundo casi real.

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Pero lo que realmente nos interesa en este blog es sin duda hablar de fotografía y en el caso de Blade Runner es un hecho que su fotografía es una obra maestra de luz y sentido, podríamos escribir un libro de cada escena explicando el uso de esas luces y composiciones, desde la primera toma donde una ciudad infinita se pierde entre explosiones, se supone que de gas para energía, hasta la ultima toma de la paloma que suelta Roy al cielo y  el encontronazo de Deckard con el unicornio de papirofléxia existe un delirio de imágenes que hacen que queramos extrañamente estar allí sin ser un sitio idílico, la habitación de hotel de León, el aterrizaje del “Spinner”, el edificio Tyrrel, la entrevista de Leon, la subida de Roy a ver a Tyrrel… todas estas tomas son realmente arte puro de luz.

Estética y luz.

De mis escenas favoritas seria y no se si en este orden, los momentos en los que Deckard está en su casa con Rachel, en donde se limpia la boca de sangre en la cocina o cuando hablan el tumbado en el sofá y las luces se cuelan por la ventana, el momento de la presentación y del test Voigh Kamp con Rachel es sublime, como cambian la luz en ese entorno ecléctico con unos tonos dorados. Todas estas cosas solo en el tema estético porque si nos vamos al argumento podríamos seguir hablando maravillas, unos androides fabricados por el hombre a imagen y semejanza que el mismo para tareas de todo tipo gracias a la biomecánica, tan perfectos que al final pueden llegar a tener sentimientos, algo que desconcierta y rompe al propio ser humano que juega de alguna manera a ser Diós, unos androides que buscan finalmente lo mismo que los humanos, de donde vengo, a donde voy y cuanto tiempo me queda, lo que les hace ser inconsistentes emocionalmente de una forma primaria es saber que eso lo pueden descubrir y saber, cosa que un humano no, argumento que puede tener muchas vías y caminos, como no saber ni uno mismo si uno es un androide o no. Una película con muchos mensajes ocultos y alegóricos que hacen que podamos jugar.

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Y llegó el 2049 ¿que pasará?

No obstante en 1982 en su estreno, este filme no tuvo ningún éxito comercial y no produjo grandes beneficios, quizás el publico todavia no estaba preparado, fue en los años siguientes donde se empezó a descubrir el potencial en todos sus aspectos, llegando a ser una película de culto y catalogada como una de las mejores de la historia, amada por cualquier tipo de cinéfilo o persona de a pie. Ahora en este 2017 se estrenara el remake de Blade Runner, Blade Runner 2049 , no con ciertos miedos en los que aclaman como pura la cinta antigua ¿como mejorar lo inmejorable? ¿Como seguir con algo perfecto?

La verdad es que habria que verla con otros ojos y saborear de algún modo lo que parece una buena película que emula lo ya inventado en cuanto a estética y color, un filme en definitiva para románticos eclécticos como yo y aunque “La perfección visual de Blade Runner es insuperable” – viendo el Teaser me han saltado las lágrimas y me emocionado por volver a sentirme dentro de la atmósfera de esta cinta. Creo que estaremos de acuerdo de que a muchos como yo se nos quedaba ya pequeño pasear por los mismos decorados una y otra vez, eso si, amando como nadie esos recursos que he comentado antes tan novedosos en su época como las penumbras, ambientes cargados y neones desvanecidos, yo hubiese sido feliz en una casa como la de Rick Deckard con su caos y su oscuridad, la elección de Ryan Gosling para mi es perfecta, pues dentro de las películas que amo esta Drive, donde Ryan clava un personaje asépticamente podrido y brutalmente romántico, y os confesaré que Gosling me atrae como actor en muchos sentidos, solo nos falta saber como funcionará la música de Jóhann Jóhannsson en una película que en su tiempo  fue increíblemente importante la obra maestra del compositor Vangelis. El Audaz director ahora es Denis Villeneuve y el productor como no Ridley Scott. Jared Letho, Robin Wrihgt, Harrison Ford, Ryan Gosling y Ana de Armas componen el elenco principal de actores. Veremos como ermina esta nueva idea si en drama o en una increible forma diferente de sentir el cine.

Trailer de la nueva película.

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Exponemos en la muestra fotográfica “Enseñar a Mirar”

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Exponemos en la muestra fotográfica “Enseñar a Mirar”

Hace tan solo dos semanas que se inauguró la segunda de las tres exposiciones que la escuela y galería Spectrum Sotos ha programado para este año por su cuarenta aniversario. Precisamente el pasado 23 de Abril se inauguró en la misma galería la exposición “Un artista, un coleccionista” justo ese mismo día, un 23 de Abril pero de 1977 la Galería Spectrum Canon abría por primera vez sus puertas con una clara intención de aportar el arte fotográfico y la cultura fotográfica a Zaragoza y España, cuarenta años han pasado desde entonces y su director Julio Alvarez sigue al píe del cañón en una actividad donde muchos han caído.

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Enseñar a Mirar, 40 años de la escuela Spectrum.

El pasado 14 de Junio se inauguró la segunda exposición que había preparada para este año tan especial, en este caso muy esperada, pues homenajea a la escuela y su trayectoria, donde alumnos y profesores, han escrito la historia de esta academia de fotografía que es la segunda mas longeva del país y la primera de fondos privados. Por la ciudad ya se veian los carteles de la muestra anunciándola por las calles más céntricas. La muestra cuenta con el apoyo incondicional del Ayuntamiento de Zaragoza y está adscrita al prestigioso certamen PHOTOEspaña 2017, la ubicación de la misma es inmejorable, instalada en la primera planta del Museo y Centro de Historias de Zaragoza, en esta muestra podremos ver grandes carteles de diferentes años, donde se anunciaban sus cursos patrocinados por la marca Canon los primeros años y sus talleres y congresos de verano que fueron pioneros en el país, pasando por el Balneario de Panticosa el primer año y en los siguientes, en la ciudad de Tarazona, denominándola y consagrándose como un encuentro importantísimo como Tarazona Foto, las últimas ediciones se trasladaron como muestras a la comunidad de Huesca como Huesca Imagen.

Seguimos en la exposición entrando en la primera sala viendo un vídeo donde 12 profesores hablan de su experiencia en la escuela, (no seáis muy crítico conmigo, las cámaras me ponen nervioso jejeje) a continuación, tendremos dos salas donde estos doce profesores muestran parte de su obra y en la cual me siento orgulloso de formar parte, además se exhiben varias cámaras fotográficas viendo los cambios que han habido del analógico al digital, en la siguiente sala veremos una parte mas didáctica enseñando como eran y son hoy en día los laboratorios fotográficos, pasamos por una ampliadora, las cubetas y finalmente el ordenador con sus softwares, existen también unas pantallas donde en una veremos el proceso del revelado y en otra como los alumnos aprenden en la escuela.

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Una “Camera Obscura” en la que se puede entrar.

El plato fuerte sensorial es la primera cámera obscura construida en Aragón, se ha construido dentro de la sala una habitación completamente oscura con un pequeño orificio en donde podemos observar como la física de la luz hace que podamos captar las imágenes en cualquier dispositivo, en este caso veremos la imagen en la pared contraria completamente invertida de lo que hay en el exterior que es un mural de la cámara mas grande construida en la historia, para verlo bien hay que entrar y esperar unos minutos para que nuestros ojos se acostumbren y podamos ver la magia, yo recomiendo que si vais dos hagáis que uno de los dos se pasee por delante del agujero y veréis en la pared a vuestro acompañante, es algo increíble la verdad.

Por ultimo, finalizamos la visita viendo una proyección de las fotografías de los casi 50 alumnos becados de la escuela, veremos sus nombres y varias de las fotografías de cada uno, una muestra exquisita y super fresca de lo que se aprende en la escuela.

Sobra decir que esta exposición para cualquier apasionado a la fotografía es de asistencia obligatoria, un paseo por la historia de la escuela mas longeva del país y por la historia de la fotografía española. La tenéis hasta el 20 de Agosto como he dicho antes en El Centro de Historias de Zaragoza.

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ENLACES

Exposición “Enseñar a mirar” Programa PHOTOEspaña.

Exposición “Enseñar a mirar” Heraldo de Aragón.

Exposición “Enseñar a mirar” Heraldo de Aragón Galería de imágenes.

Exposición “Enseñar a mirar” El Periodico.

Exposición “Enseñar a mirar” Noticias Aragón TV (Min: 36:37)

Exposición “Enseñar a mirar” TVE Noticias Aragón (Min: 12:40)

Exposición “Un artista un coleccionista” Heraldo de Aragón.

Exposición “Un artista un coleccionista” El Periodico.

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GALERÍA DE IMÁGENES

 

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Carteles anunciadores de la exposición en la calles.

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Entrada al Centro de Historias de Zaragoza.

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Primer piso y entrada a la muestra.

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Inauguración con el director de la escuela Julio Álvarez y Fernando Ribarés, Portavoz y Concejal de economía y Cultura del Ayuntamiento de Zaragoza.

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Día de la inauguración.

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Julio Álvarez Sotos y Fernando Ribarés.

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La muestra esta incluida en el programa del certamen PHOTOEspaña 2017.

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Adentrándonos a la exposición.

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Breve historia de 40 años.

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Nuestro desaparecido y añorado compañero “Mooses”

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Los profesores hablan en este vídeo de su experiencia y vivencias en la escuela.

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Una muestra que reúne a 12 de los profesores que en algún momento impartieron sus conocimientos en la escuela.

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Parte de la muestra.

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Obras fotográficas y cámaras históricas comparten espacio.

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Cámaras en una vitrina.

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Parte de la muestra.

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Un orgullo formar parte de la familia Spectrum.

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La primera “Cámera Obscura” instalada en Aragón, impresionante ver el interior.

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Recreación de una zona seca de un laboratorio fotográfico.

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Recreación de una zona húmeda del laboratorio fotográfico analógico.

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Los grndes encuentros fotográficos de verano fueron pioneros en España.

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Actividades inmortalizadas en la escuela.

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Actividad sin parar desde hace 40 años en la escuela Spectrum Sotos.

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Los alumnos son en realidad los grandes protagonistas y sin ellos Spectrum no sería posible.

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Parte de los carteles que a lo largo de estos 40 años anunciaban los cursos por la ciudad.

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Equipo Actual de la Scuela Spectrum Sotos, de Izquierda a derecha: Juan “Indio” Moro (Profesor) Alejandra Franch (Profesora) Rossane Marinho (Profesora) Julio Álvarez Sotos (Director) Marga Sesma (Administración) Ferran Mallol (Profesor)

Don McCullin, fotógrafo puro y solitario

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Don McCullin, fotógrafo puro y solitario.

Don McCullin, fotógrafo puro y solitario, llamado Donald McCullin es un fotógrafo de reportaje puro y duro,nacido en Londres en 1935 ejercerá como cronista bélico desde la década de los 60, ademas de la disciplina de reportaje lo que mas le apasiona es la fotografía de naturaleza, paisajes y bodegones.

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Don McCullin

En su juventud Don recibe una beca artística de la School of Arts and Crafts y en 1949 a la muerte de su padre abandonará la escuela de forma súbita, al poco cumplirá con el servicio militar de su país, de 1953 a 1955 la realiza en la Royal Air Force, tras su paso por el ejercito se especializa y orienta hacia la fotografía. En 1958 se publicará su primera fotografía y en 1961 tomara imágenes de la construcción del muro de Berlín por las que recibirá un premio de la prensa británica, a partir de entonces colabora con el rotativo The Observer y en 1964 entra en plantilla del diario Sunday Time Magazine, desde entonces será testigo de todos los grandes conflictos de la historia, Chipre, Vietnam, Camboya, Oriente Próximo, India, Pakistán, Biafra, El Salvador, Irlanda del Norte…

En 1984 dejará el Sunday y ejercerá como freelance y se centra en naturalezas muertas y paisajes y mientras tanto recibirá varias distinciones, entre otras la mas significativa será el Gran Premio de la American Society of Media Photographers de Nueva York por el conjunto de toda su obra, también es nombrado Comandante del Imperio Británico en 1993 y como dato curioso en 1995 contrae matrimonio con la fotógrafa Marylin Bridges pero este enlace no dura mucho y se separara pronto de ella.

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FOTO: © Don McCullin

” En la vida de los grandes fotógrafos, con frecuencia hay un encuentro, una amistad determinante que impulsan una carrera, deciden una trayectoria. En el caso de Don no hay nada de eso. Descubrió él solo la fotografía, como por sorpresa, mientras se revelaba con todas sus fuerzas contra las inmutables obligaciones de una sociedad inglesa de posguerra donde no encontraba su lugar. También por su cuenta comprendió que la miseria, el dolor, el miedo y la muerte eran los únicos retos que su fotografía debía plantear. Que solo se sintió, incluso rodeado de sus colegas, en los grandes escenarios de guerra de todo el mundo, cuando fijaba la mirada en el sufrimiento de las víctimas “

– Robert Pliedge

 

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FOTO: © Don McCullin

Philippe Halsman fotógrafo puro

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Philippe Halsman fotógrafo puro.

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Philippe Halsman

La fotografía puede ser un virus que nos invade durante toda la vida, Halsman lo contrajo a los quince años al encontrar una vieja cámara de fotos en el desván de la casa familiar letona, en Riga. Desde el principio, hacer fotos significa dar forma a sus propias percepciones de la realidad “- Revelé mi primera placa en nuestro cuarto de baño con una suave luz roja de una bombilla, ese fue uno de los momentos mas mágicos de mi vida-” Después ser fotógrafo equivale a hacer retratos, al principio de amigos, de las novias de los amigos, siempre procurara hacer discernible la esencia de un ser en la expresión cambiante de su rostro, en un gesto esbozado.

Su Pasión y su meta.

Nacido en Riga (Letonia) en 1906 comenzara su carrera como fotógrafo mientras estudia ingeniería en Dresde  (Alemania) visitará París y quedará prendado de la ciudad de la luz por su turbulencia cultural, poco después abandonará sus estudios y se afinca en la capital francesa para ser fotógrafo, no sin antes tener muy claro hacia donde quiere que vaya su fotografía, dejará de lado el academicismo de la época, y las tendencias redichas del momento para dar paso a retratos frescos, espontáneos, simples y redundar en las expresiones fugaces. En 1934 abre un estudio en Montparnasse especializado en retratos y acabará fotografiando a grandes figuras de la vida francesa, tres años mas tarde se casa con Yvonne Moser quien fue contratada por el como ayudante siendo una excelente fotógrafa desde ese momento será su querida compañera y colaboradora inseparable, teniendo ademas dos hijas, Irene y Jane. Durante la ocupación alemana la familia huirá sin Philippe por problemas burocráticos, pero gracias a Einstein, el gran físico que es un gran amigo de Halsman puede reunirse con su familia en 1940 en Nueva York.

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Clint Eastwood, Audrey Hepburn

Los EEUU descubren su fotografía.

Los principios de su etapa en EEUU no son fáciles, sin contactos ni reconocimiento tendrá que volver a empezar, en una agencia ve un retrato de una joven que le llama la atención, bella y sensual se decide a llamarla para fotografiarla, ella es Connie Ford que aceptará la oferta, según Halsman, los ojos de esa bella chica representa la América del momento y la retrata con el fondo de una bandera estrellada, al poco, la empresa de cosméticos Elizabeth Arden, utiliza esta imagen para lanzar su nuevo lápiz de labios “The Victory Red” será la consagración de la modelo y por supuesto de Philippe Halsman quien será reconocido como el nuevo fotógrafo de la nueva América, los años siguientes estarán marcados por innumerables portadas, tan solo en la revista “Life” 101, cifra récord hasta la fecha. En 1945 es elegido primer presidente de la American Society of Magazine Photographers (ASMP) en la cual luchará ardientemente por el respeto de los derechos de autor.

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Marilyn Monroe, Dean Martin y Jerry Lewis

En 1948 consigue la nacionalidad americana y en 1958 la revista “Popular Photography” le considera uno de los diez fotógrafos mas importantes del mundo. Su reputación hará el resto y por el pasarán las personalidades mas importantes del mundo del cine, la política, el arte, la cultura… se someten sin miedo a su objetivo y por supuesto a sus brillantes escenografías que trabajará en profundidad con Salvador Dalí a quien les une mas que una amistad, muchas de esas personalidades serias se dejaron influenciar por la frescura de sus ideas, quizás la serie mas famosa de Halsman es “Jumpology” (Saltologia) una serie de retratos donde hace saltar a sus fotografiados experimentando en si una situación psicoanalítica improvisada. Halsman muere un 25 de Junio de 1979 justo después de su impresionante exposición en el Center of Photography de Nueva York.

El retrato ya no es, por tanto, la simple representación convencional de una persona, sino algo más íntimo, diferente, un sincero testimonio rendido a la verdad oculta del individuo.

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Proyecto “Jumpology”

Philippe Halsman por si mismo.

-” Para mí, un retrato es la afirmación de una personalidad y, por tanto, yo mismo debo realizar por completo cada una de mis fotografías, desde el encuadre hasta el revelado y positivado final. La tecnica fotográfica permite esta afirmación, no de manera fortuita, sino, al contrario, con una fuerza, una vivacidad y una claridad intencionales”-

-“Es importante recordar que una sesión de estudio es generalmente muy artificial. Raras son las personas capaces de permanecer relajadas y actuar con naturalidad frente al objetivo. Casi siempre, el fotógrafo se ve obligado a ayudar al sujeto a tranquilizarse. En numerosas sesiones me he dado cuenta de que lo que decía era mucho mas importante que lo que hacía con la cámara”-

-“Mi principal centro de interés en la vida ha sido siempre la gente. Un ser humano cambia continuamente a lo largo de su existencia. Sus pensamientos y su carácter varían. Sus expresiones y hasta sus rasgos cambian. Llegamos al problema crucial que plantea el retrato: si la apariencia de un humano se compone de un numero infinito de imágenes, ¿cual debemos intentar captar? Para mí, la respuesta siempre ha sido la misma: La imagen que, de la manera mas completa posible, muestra simultáneamente el aspecto exterior. En mi opinión esto es lo que constituye un buen retrato”-

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Philippe Halsman e Yvonne Moser

Expusimos en la Universidad de Lyon

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Expusimos en la Universidad de Lyon

No solo de bodas y ruedas de prensa se alimenta un fotógrafo, así que me complace comunicaros que realicé una exposición en la importante localidad francesa de Lyon, dentro del marco de la Universidad Lumiere de Lyon en donde pude mostrar unas imágenes  que realicé en forma de proyecto personal sobre un reportaje de boxeo, me enorgullece que fuera seleccionado entre otros mas trabajos presentados para exponerse dentro de la programación, de unas jornadas sobre la imagen y el deporte en donde también había coloquios y otros eventos. Hacia ya un tiempo largo que no realizaba una exposición, falta de tiempo y prioridades varias hacen que poco a poco la profesionalización del medio hagan que te olvides de tus proyectos pendientes.

Debo de agradecer muy profundamente a la organización toda la atención prestada en estos dos días que estuve invitado para inaugurar la muestra, desde el primer momento se desvivieron para que estuviese a gusto, alojado en un apartamento increíble y precioso, disfruté de una gastronomía pocas veces degustada, dos días que pasé como una experiencia maravillosa, conociendo gente extraordinaria e increíble. Gracias a la Galerie Vrais Rêves y a su director Raymond Viallon y a su mujer Colette, asimismo a Frédéric Giraud que me acompañó el primer día para apoyar traducciones, Gran trabajo el de Remy que hizo un trabajo de laboratorio exquisito con el papel Fine Art y como no a Sonia, Magali, Philippe Merlot, Andrés, Guillaume, Dominique y A Virginie Giuliana que me tradujo el segundo día con mucha dosis de paciencia. Se me escapan muchas personas que me felicitaron y apoyaron en todo momento  y que me hicieron valorar como en Francia la cultura la tienen en otra dimensión. Gracias también a la Galería Spectrum que desde el primer día apostaron por mi proyecto.

La exposición se compone de 24 fotografías que ensalzan la personalidad básica y antropológica de unos deportistas que basan su fuerza en luchas entre ellos, profundizando mas en la humanidad y dobles vidas de ellos y no dando un culto al cuerpo o a la propia disciplina de este deporte.

Enlace a escrito del autor sobre el reportaje extracto

 

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Izq: Colette y Remy (Laboratirista) – Dcha: Frédéric

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Con Raymond Villalon director de la galería fotográfica mas antigua de Francia Vrais Rêves

 

Goya, un fotógrafo sin cámara fotográfica

Goya, El fotógrafo sin cámara fotográfica

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Muchos historiadores del arte y muchos analistas pictóricos realzan la figura del gran pintor aragonés como un de los primeros “fotoperiodistas” de la época que le toco vivir, sus grabados sobre la guerra de la independencia transcurrida desde 1810 a 1815 nos desvela lo que se le llamaría los desastres de la guerra, en esta serie tan cruel, Goya nos relata visualmente la atrocidad de la guerra y el comportamiento humano en una contienda bélica, sus grabados bien pueden asemejarse a las fotografías e imágenes que observamos de una contienda violenta, en cualquier periódico avergonzándonos de la condición humana y despertándonos de algún modo el ansia por mejorar este mundo.

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Serie de “Los Desastres de la Guerra”

Francisco de Goya y Lucientes observó con gran atención y estupor como una guerra producía la sinrazón humana, y con ello las pesadillas mas insospechadas, eso le hizo inmortalizar estas escenas en una serie de grabados que son patrimonio universal histórico-artístico y que le dan el “titulo” por muchos del primer fotoperiodista de la historia, pero sin cámara claro está. No obstante este atribuimiento viene del trabajo y comportamiento parecido al de los fotoperiodistas que captan las escenas mas crudas en una contienda para dar a conocer al mundo de una manera real y comprometida lo que ocurre, Goya actuó de igual manera realizando unos 82 grabados de aguatintas y aguafuertes en una serie mencionada anteriormente como “Los desastres de la Guerra” denunciando igualmente el sinsentido de la guerra y sus consecuencias devastadoras, un mensaje universal que hoy en día realizan dichos reporteros y que hace de Goya, un fotógrafo sin cámara fotográfica.

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“Los Fusilamientos del 3 de Mayo” y “Duelo a Garrotazos” Observense claramente los recursos fotográficos utilizados.

Aun así, no es un título basado y otorgado por un capricho momentáneo de algunos, si miramos con detenimiento la obra de este grande de la pintura, veremos como sus composiciones y trazos novedosos por aquel entonces destrozaban cualquier estudio estético de la época, para mi, Goya es el primer pintor surrealista y si me apuráis abstracto de la historia sin desmerecer a El Bosco en cuanto a surrealismo, pero la mirada del aragonés va mucho mas allá que la simple composición pictórica, sino que la construcción de muchas de sus pinturas, tanto lumínicamente como compositivamente, marca una acentuada construcción fotográfica, esto es, atrevimiento en desajustes del momento en las que fueron creadas y la determinación sin tapujos de utilizar recursos lumínicos inventados que nada tienen que envidiar a la utilización de posibles focos en un estudio, sin ir mas lejos, podríamos poner de ejemplo el cuadro de los fusilamientos del 3 de Mayo, en donde vemos, como un detenido y condenado a fusilamiento abre las manos con una marcada camisa blanca que llama el punto de interés sin tapujos, además este punto se acentúa con un candil grotescamente grande que ilumina la escena como si fuese un foco cinematográfico, en otra obra suya, en el cuadro de los garrotazos, detrás de uno de los sujetos existe una luz de ocaso que centra el punto de interés de una forma casi anómala.

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Cuadro “El Perro Semi-hundido” en el Museo del Prado, Madrid, y la pintura mura lsegún fotografía del año 1874, por J. Laurent, en el interior de la Quinta de Goya. Fototeca del IPCE.

No obstante y terminando esta pequeña entrada y opinión, si hay un cuadro que realza a Goya como un fotógrafo fuera de la época, es sin duda “El Perro” esta obra poco conocida de el, me puso los pelos como escarpias cuando la descubrí, pues entender ese mural en una época donde el arte estaba trazado con lineas inquebrantables es difícil. Una obra extraña e inquietante, donde un sujeto al que solo se le ve la cabeza aparece de entre la nada rompiendo un espacio homogéneo y negativo, creando una atmósfera de colores neutros y realzando soberbiamente la soledad tan buena y mala al mismo tiempo, una obra que hoy en día estaría dentro de las ultimas tendencias de la composición fotográfica y claro está del abstractismo cercano a Tapies y Barceló. Una obra pintada sobre la pared de su residencia en Madrid llamada la quinta del Sordo y atribuida a su serie negra por esa gama de pigmentos oscuros que la hacen tan especial.

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Tira humoristica de Macanudo byLiniers

Locura o no del autor, la obra “El Perro Semi-hundido” es un hecho y estoy completamente seguro de que esto demuestra a todos que Goya tenia una visión fotográfica cuando este elemento o disciplina no existía, además esta obra, bajo mi teoría, la encuadro en un estilo propio del autor del cual no quería que nadie conociese por no tacharlo de mas loco si cabe, lo demuestra que fue pintada sobre la pared de su residencia en Madrid y mi esperanza fantasiosa me hace desear, que algún día podamos descubrir una colección de cuadros escondidos en algún barracón con un estilo parecido a “El Perro” cual maleta mexicana de Robert Capa.

Encuadre y composición en la fotografía, el punto de interés

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Quizás una de las clases que mas suelen gustar cuando doy clases, (Escuela Spectrum) Zaragoza, es el encuadre y composición en la fotografía, es muy sencillo saber el porque de este hecho, la disciplina fotográfica evidentemente es un medio para transmitir creatividad, ademas de ser una herramienta en nuestra sociedad y como tal quien quiere aprenderla necesita de bastantes clases técnicas en donde se tendrá que saber los parámetros de una cámara y que ademas con la era digital esas clases técnicas se han multiplicado al tener que abarcar otros campos como son los software de edición de imagen, así pues cuando damos un aire de libre creatividad enseñando la composición, los ojos y los oídos de los alumnos suelen estar predispuestos para absorber toda la información que se pueda.

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El punto de interés puede ser una atmósfera. FOTO: © Ferran Mallol.

Bajo mi humilde opinión y pensamiento me parece un poco obsceno tener que dar pautas a la creatividad diciendo donde se tienen que poner los elementos pero es necesario tener claros los conceptos básicos compositivos para luego poder romper esas normas o reglas y ser conscientes de nuestra propia imaginación. Aquí no voy ha hablar de todos los recursos compositivos existentes, pues daría para varios libros y de los gordos pero si que hablaremos en este blog de pequeños “trucos” o normas que nos van a facilitar que nuestras fotografías tomen forma y sean al menos atractivas para los ojos de cualquier profano. En todas las disciplinas fotográficas se compone, fotografía de boda, de prensa, publicidad, etc.

Para empezar habría que hablar del principio de la composición y de su auge en la era del renacimiento donde el estudio y refinamiento del mismo llegaba a limites enfermizos, en otro post ya hablare de varias de estas cosas y de algún autor pictórico que podríamos asemejar a la fotografía.

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Un punto de interés evidente dentro de un espacio negativo. FOTO: © Ferran Mallol.

Una de la principal norma de encuadre y composición en la fotografía.

Vamos con la primera y la mas sencilla en cuanto a concepto pero no menos complicada que otros temas. Dejar claro un punto de interés… si, verdad, parece fácil e incluso intuitivo, pero no os dejéis engañar. ¿Cuantas veces habéis hecho una fotografía de un paisaje que a vuestros ojos es impresionante y a la hora de verla en la pantalla del ordenador parece que la imagen no es la misma? efectivamente, pasa muy a menudo cuando uno empieza a sentir el gusanillo y el gusto por la fotografía, esto ocurre porque cuando vemos o miramos un paisaje nuestro cerebro y ojos suelen ser muy selectivos y nos vamos dando cuenta de las cosas de una forma individual, es decir vemos cosas bonitas de una en una y luego a la hora de hacer la fotografía abarcamos todo lo que hemos visto pensando que esa sensación de “bonito” se transmitirá a la imagen fija limitada por cuatro lados. tenemos que tener en cuenta algo y es que en cierto modo somos vagos como observadores, pero no en el momento de tomar la foto sino como espectadores pues necesitamos que nos cuenten algo cuando vemos una cosa y en una imagen fija que no es vídeo se multiplica, en definitiva, en esa imagen en donde hemos abarcado todo lo que os gustaba se disipa el mensaje porque en muchos casos hay demasiados elementos importantes que hacen que el espectador se pierda entre tanta información sin darle un camino para sentir la fotografía.

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Texturas y lineas pueden ser un punto de interés. FOTO: © Ferran Mallol.

Nos falta un punto de interés que en una fotografía es importante, no necesariamente tiene que ser un sujeto o un elemento físico, a veces el punto de interés puede ser un color dominante, un tipo de luz, unas sombras o el ambiente, algo que el espectador pueda agarrarse para sentir y observar y sentir que se le esta comunicando algo, aunque la imagen sea “sosa” siempre tendrá un valor añadido cuando exista un punto de interés. Vamos a poner un ejemplo de como solucionar de una forma muy sencilla y porque no decirlo vaga para hacer que una foto de paisaje en donde realmente queramos sacar todo porque nos agrada tenga un valor añadido, seria hacer una panorámica con varias fotos y luego juntarla… el punto de interés será la excepcionalidad de una foto llamativa al ser grande y extensa.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

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La fotografía sarcástica de Martin Parr¿Quien es Martin Parr? Para quien no haya oído hablar de el o no lo conozca (su obra quiero decir) entenderá de algún modo el tono con el que esta entrada esta escrita. La fotografía sarcástica de Martin Parr, es quizás el mejor titulo para definir a un fotógrafo un tanto polémico entre sus colegas pero diferente y muy muy divertido.

Martin Parr, un fotógrafo temprano.

Martin Parr nace en Inglaterra (Epsom) en 1952, pronto se aficionará a la fotografía gracias a su abuelo que le llevará sin dilación a fotografiar con el y lo que es mas importante, a disfrutar de todo el proceso fotográfico, como es el revelado y fijado de las imágenes que aparecen casi por arte de magia en los papeles sensibles, poco mas tarde como estudiante empezará a realizar sus escenografías fotográficas acentuando aun mas su gusto por esta disciplina, en Manchester estudiará durante tres años fotografía en la Escula Politecnica, durante estos años empieza a tener cierta fama al ganar el primer premio del Arts Council de Gran Bretanña. En un mundo gráfico donde las salidas mas normales son la de fotografía publicitaria o foto periodismo, Martin busca una vía mas personal y empieza a apostar por un tipo de fotografía muy documental pero que llevará a un estado profundo de investigación sociológica, sus obras se exponen primeramente en centros comerciales y clubes lúdicos donde se producen también performances, al mismo tiempo publica libros y multiplica mas si cabe sus exposiciones donde la gente se “divierte” en cierto modo de ver como somos como seres humanos, aun así, para vivir y dar de comer a su familia y producir sus proyectos su mayor fuente de ingresos será la de docente desde 1975 a 1990 como profesor de fotografía.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

La polémica fotográfica de Martin.

La entrada de Martin en la agencia Magnum Photos en 1994 no será para el un camino de rosas precisamente, pues para poder entrar en la prestigiosa cooperativa se necesita presentar varios proyectos y convivir sin saber que estarás dentro durante al menos dos años en la agencia, una vez hecho esto, los cooperativistas votan quien de los que se están disputando el puesto entra o no, fue la primera vez que en Magnum hubo problemas y acaloradas discusiones entre cooperativistas por dejar entrar a Martin Parr o no, su trabajo sátiro y sarcástico no entraba en las políticas de los fotógrafos mas conservadores donde veían en la fotografía un medio de comunicación donde siempre se tenia que datar de algún modo las penas y las desigualdades y Martin en eso se distanciaba mucho, sus reportajes no faltos de ningún modo de calidad tenían y tienen precisamente ese valor añadido, que al verlos sonreímos y nos informa de forma social de como somos, algo muy difícil, se podría decir que es la comparación entre un actor cómico y uno de drama… y siempre dicen que es mucho mas complicado hacer reír que llorar. In extremis Martin entró a formar parte de la prestigiosa agencia. Hoy en día sigue produciendo sus proyectos y trabaja bajo pedido en reportajes que siempre dan que hablar.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

Un estilo fotográfico muy diferente y atrevido.

El estilo de Martin Parr se define como un fotógrafo que intenta descubrirnos la incongruencia del ser humano y la capacidad que tenemos de reírnos de nosotros mismos y porque no de los demás, sus polémicos trabajos en cuanto a debates conservadores no tienen ninguna duda en cuanto a calidad documental y visión fotográfica, el como nadie sabe descubrirnos a la sociedad enferma y delirante, de hecho ningún otro autor aun hoy en día ha sido capaz de acercarse a este particular estilo, sus imágenes llenas de un color a veces casi explosivo y rozando la búsqueda de lo hortera de forma acertada nos trasladan a momentos agobiantes y lúdicos que en sí la gente busca y anhela, sus autorretratos definen claramente la sátira constante riéndose de si mismo, algo que delata una gran inteligencia y un gran humanismo, fue el quien presentó como una técnica más la de fotografiar con flash anular en reportajes donde ni se nos hubiese pasado por la cabeza semejante idea, que ademas funciona concentrando puntos de interés y agrandando la marginalidad de los momentos de engaño propio de nuestra sociedad que pensamos imperturbable.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

 

Dos grandes exposiciones fotográficas en Zaragoza

Salgado

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Dos muestras expositivas, dos grandes exposiciones fotográficas acaban de aterrizar en Zaragoza, unas veces tan poco y otras nos vienen de golpe dos grandezas como estas.

De la mano de la programación del XVIII Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PhotoEspaña 2015, Se nos deleita con la muestra de 125 obras del Fotógrafo Nicolás Muller (1913-2000) una exposición que narran sus viajes por Francia, Portugal, Marruecos y España, en la gran sala expositiva que es La Lonja de Zaragoza, justo al lado del Ayuntamiento de la ciudad, la exhibición estará abierta hasta el 13 de Septiembre de este año.

dos grandes exposiciones fotográficas, Nicolas Muller

Imágenes de Nicolás Muller que podrán verse en La Lonja de Zaragoza

Esta muestra, que está formada por 125 piezas fotográficas en blanco y negro y un audiovisual, ofrecen una relectura de la obra de este húngaro judío, que llegó a España en la década de los 40 y conoció a intelectuales como Ortega y Gasset o Azorín. La exposición ‘Nicolás Muller. Obras Maestras’ recorre los distintos países por los que pasó el autor a lo largo de su vida, motivado por la ola antisemita de su país natal. De esta manera, se pueden ver imágenes suyas tomadas en Hungría, Francia, Portugal, Marruecos y España. Nicolás Muller renovó totalmente la fotografía española ya que cuando llegó todavía estaba muy presente el academicismo en esta disciplina. El húngaro aportó elementos nuevos como “la mirada documental y de preocupación social”. Las influencias de las teorías constructivistas y las nuevas formas visuales originadas en la escuela de la Bauhaus producen, en su caso, una fotografía directa, expresiva y social que retrata a las clases sociales más desfavorecidas.

La muestra puede visitarse de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 durante los días laborales –lunes cerrado–, y los domingos y festivos de 10.00 a 14.30.

Otra gran muestra es Génesis del fotógrafo brasileño Sebastiao Salgado, esta exposición ya ha recorrido varias ciudades de España y ahora por fin llega a Zaragoza gracias a la obra cultural de La Caixa, obviamente esta expuesta en el Caixa Forum de la ciudad y estará abierta hasta el 18 de Octubre.

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Imágenes de Sebastiao Salgado de la exposición “Génesis”

Aunque muchos de nosotros ya conocemos la muestra que recoge Génesis no esta de más poder deleitarnos en vivo de estas sorprendentes imágenes sobre viajes y culturas que Sebastiao Salgado capturó a lo largo de su carrera como fotógrafo. Durante ocho años tuvo el privilegio de viajar al “paraíso” para recoger en imágenes la belleza del 45 por ciento de la superficie del planeta que todavía no ha sido alterada por el hombre y que le sirvió, además, como terapia según sus palabras. El proyecto de Génesis,  surgió después de que Salgado heredara de su padre unas tierras en Brasil que habían sido fértiles y se habían convertido en yermas y desertizadas, el fotógrafo y su esposa, Lelia Wanick, se comprometieron a recuperar “parte de la foresta” y tras ver el resultado “alentador” se les ocurrió dedicar ocho años a denunciar la barbarie de la intervención del hombre en el medio ambiente, pero retratando “lo más bello” que puede ofrecer el entorno.

Así, en 2002 comenzó la preparación, planificación y coordinación de un proyecto que dos años después empezó a materializarse en las primeras fotografías de Salgado tomadas en las islas Galápagos y que 32 viajes después, realizados hasta 2012, le sirvieron para completar esta muestra. El proyecto, le ha servido a Salgado de “terapia” tras la depresión en la había caído al concluir su anterior trabajo, también de ocho años, “Éxodos”, además de para reconciliarse con el ser humano y conocer “el paraíso en la tierra”

 

Películas de foto (The Fall)

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Sin título-4Películas de foto (The Fall)Hace un tiempo, un domingo de esos, perdidos de invierno y con ganas de sofá y manta con la pareja, nos apoltronamos en una especie de maratón de cine sorpresa viendo películas en el Paramount Channel, creo que como fotógrafo debo de visionar cine… nos vimos tres películas seguidas, pero una de ellas me cautivó y me enamoró, yo las denomino Películas de foto, desconocía de su existencia y a mi parecer es una de las mejores que he visto en cuanto a fotografía y diseño artístico, cada una de sus tomas es una poesía visual, no sabría con cual de ellas quedarme pero esta claro que se alimenta de la fotografía mas bella y mas compositiva rompiendo reglas y desafiando al cine en movimiento.

Su título es The Fall (La caída) El sueño de Alexandria, su director el hindú Singh Tarsem co-produce entre la India, Gran Bretaña y EEUU esta obra deslumbrante y atípica, la fuerza visual de este film hizo que se llevara el máximo galardón en la edición del Festival de Sitges de 2007  y por lo general, tiene buenas críticas.

Singh Tarsem tambien ha dirigido entre otras “La Celda” 2000 o “Inmortales” 2011, este director hindú comenzó en el mundo audiovisual con los videos musicales, uno de sus mayores exitos fue el vídeo del grupo REM con su famoso tema “Losing my Religion” con el cual ganó  en 1991 el Mejor Video del Año del Mtv Adwards.

Películas de foto (The Fall) Películas de foto (The Fall)

Las imágenes de este film llenas de luz y color esta acompañada de un argumento tan sencillo como original, ambientada a principios del siglo XX hace un homenaje a la aparición del cine y la fotografía, en una escena se ve como Alexandria mira una imagen invertida de una imagen filtarada por una cerradura y cuenta la historia de un especialista de cine mudo que se lesiona en un rodaje y en el hospital conoce a una niña ingresada también ávida de diversión para escapar del aburrimiento del hospital, éste le contará una historia en donde mezclará grandes dosis de imaginación con cierta realidad y personajes existentes en cierto modo cerca de su entorno, esta historia contada por el especialista es un modo de huir de la cruda realidad al saber que tendrá que dejar el cine por su grave lesión y que además como especialista nunca será la estrella reconocida. Esta historia tendrá cinco personajes en busca de un villano que en su recorrido visitaran lugares increíbles y conocerán algún que otro personaje, entre ellos una mujer.

Películas de foto (The Fall) Películas de foto (The Fall)

Realmente os recomiendo que veáis esta película si sois sensibles a la composición y en definitiva al arte y disciplina de la fotografía, pocos largometrajes pueden dejarnos tan llenos y complacidos como este, imágenes fijas y en movimiento que nos generaran grandes dosis de belleza y que nos harán replantearnos las tendencias de este arte y como un individuo libre puede romper reglas tan establecidas como es la composición clásica.

Películas de foto (The Fall) Películas de foto (The Fall)

TITULO: The Fall. AÑO: 2006 DURACION: 118 min. DIRECTOR: Singh Tarsem MUSICA: Krishna Levy. FOTOGRAFÍA: Colin Watkinsons. REPARTO: Lee Pace, Cantica Untaru, Justin Waddell, Julian Bleach, Robin Smith, Daniel Castalgirone, Leo Bill, Sean Gilder, Grant Brett Swanby, Marcus Wesley, Jeetu Verma. PRODUCTORA: Propia Googly Films. India, Gran Bretaña y EEUU. GÉNERO: Fantástico, Drama.