Josef Koudelka, el fotógrafo encontrado a sí mismo

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Josef Koudelka, el fotógrafo encontrado a sí mismo.

Josef Koudelka, el fotógrafo encontrado a sí mismo, josef KoudelkaDurante cerca de 15 años Josef jamás trabajó para nadie, jamás aceptó encargos y jamás hizo fotografías por dinero, solo para sí mismo, y vivía con lo mínimo, un saco de dormir, un par de zapatos dos pares de calcetines, unos pantalones cada año, una chaqueta, y un par de camisas que le duraban 3 años. Sin poseer nada. Según sus palabras -” Mi mayor necesidad era viajar para hacer fotos, no deseaba tener lo que la gente llama “un hogar” no quería tener ganas de regresar a ningún sitio. Necesitaba saber que nada me esperaba en ninguna parte; sólo me interesaba el lugar donde me encontraba hasta que ya no tenia nada que fotografiar. Ese era el momento de moverse.

Evitando encontrar el lugar.

-” En cierta ocasión conocí a un gitano yugoslavo, un buen tipo. Nos hicimos amigos. Un día me dijo: <Josef, tú que has viajado durante tantos años sin detenerte nunca, que has conocido tantas personas y descubierto tantos países y lugares, dime: ¿Cual es el mejor lugar? ¿Donde te gustaría vivir?> No contesté. Cuando iba a marcharme, repitió la pregunta. No quería responderle, pero insistía. Finalmente, exclamó: <Ya lo entiendo. No quieres contestar porque todavía no has encontrado ese lugar. Continuas viajando y sigues tratando de encontrarlo> Amigo -Le contesté-, te equivocas. Trato desesperadamente de no encontrarlo nunca ese lugar “-

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© Josef Koudelka

Josef Koudelka es uno de esos fotógrafos reconocidos que alguna vez nos ha llamado la atención, para mi personalmente me parece un fotógrafo puro, un fotógrafo inadvertido para si mismo y para los demás, un testigo de lujo de la vida del siglo XX, pionero en las forma y en la composición en el reportaje, fresco, intimo y personal. Checoslovaco nace en 1938 y descubre la fotografía con una cámara de baquelita. Si un panadero ambulante y fotógrafo aficionado no le hubiese enseñado sus trabajos al señor Koudelka padre de Josef, quizás el joven Josef jamas se hubiese interesado por esta disciplina, con 12 años ahorrando el dinero ganado recogiendo fresas silvestres y vendiéndolas consigue comprarse una cámara de baquelita de 6×6 de doble objetivo y junto al panadero aprende a revelar y ha realizar ampliaciones y hojas de contactos, mientras prosigue con amada disciplina realiza estudios de ingeniería en la Escuela Politécnica de Praga y en 1961 realiza sus primeros trabajos fotográficos, mas adelante colaborará con la revista Divadio dedicada al teatro. Alternara sus trabajos de ingeniero aeronáutico con reportajes a los gitanos, finalmente en 1967 se dedica por completo a la fotografía y en 1968 mientras los tanques entras rusos entran e invaden Checoslovaquia y ponen fin a la Primavera de Praga, Koudelka inmortaliza el acontecimiento, estas imágenes saldrán de manera secreta del país para ser publicadas por Magnum Photos de forma anónima.

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© Josef Koudelka

En 1970 abandona el país y pondera su base en Gran Bretaña y fotografiara a los gitanos por toda Europa, sus fiestas, sus cultura y su vida cotidiana. En 1971 forma parte de Magnum Photos y el MoMA de Nueva York le dedica una exposición sobre todo su trabajo, edita varios libros entre ellos “Gitans, la fin du voyage” en los años siguientes Josef seguirá fotografiando y viajando poniendo sus bases en Inglaterra y finalmente en París en este último parón contraerá la nacionalidad francesa, en 1984 tras la muerte de su padre y 16 años después de sus publicaciones anónimas sale a la luz su autoria de las imágenes de la toma de Praga hasta hoy Josef sigue publicando y trabajando con sus imágenes y es galardonado con los premios mas importantes de fotografía de reportaje , ha fotografiado en Beirut, en el País de Gales, Roma etc.

La fotografía de la paz y el amor

La fotografía de la paz y el amor

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El fotógrafo Marc Riboud.

La fotografía de la paz y el amor.

El 21 de Octubre de 1967 se realizará la fotografía de la paz y el amor, un millón de manifestantes protestan en Washington contra una de las guerras mas crueles de la historia de Norteamérica, una guerra que corta de una forma radical la juventud de casi medio millón de norteamericanos. Los manifestantes intentarán entrar en el Pentágono protegido este por una multitud de guardias. En la revuelta hay un centenar de heridos, era la primera vez que una guerra era impopular.

El fotógrafo Marc Riboud.

Ese día el fotógrafo Marc Riboud trabaja para la Agencia Magnum y ha viajado a Washington a regañadientes pues su mujer esta a punto de dar a luz, en el transcurso de la manifestación ha agotado ya varios carretes y casi entrada las primeras horas de la noche bajo su criterio no tenia ninguna placa que le mereciera la pena, a punto de regresar al aeropuerto la escena la vislumbra de golpe –” En mi visor se dibujaba el símbolo de ese magnifico día “–  Gracias a esa foto un año mas tarde Ho Chi Minh le permitiría hacerle un retrato, el primer ministro nortvietnamita Phan Vaon Dong al enterarse de que Marc era el autor de aquella imagen le abrió todas las puertas.

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Una imagen que dió la vuelta al mundo. FOTO: © Magnum / Marc Riboud.

Jane Rose, la protagonista de la fotografía.

Jane Rose es el nombre de la chica que aparece en la fotografía, un nombre muy apropiado todo hay que decir, tenía 17 años cuando encarna el “poder de las flores” frente al de las armas mortíferas, según ella existe un antes y un después de aquella imagen, el antes son los años setenta, hija del baby boom norteamericano, sus héroes son Martín Luthero King y Gandhi, su himno el rock and roll y su lucha, la guerra de Vietnam. Así que el día de la “mani” se viste engalanada como para una fiesta, le regalan un crisantemo y el resto queda inmortalizado en la famosa imagen de Riboud – “No fue una provocación, solo quería hablarles de amor “-, con los ojos fijados  en los soldados que esquivan la suya, la joven junta sus manos como para rezar y la instantánea que simbolizará la no violencia para siempre es la ultima del carrete.

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Manifestaciones del 15-M. FOTO: © Ferran Mallol

Marc Riboud nos marcó con esta foto y quien mas y quien menos la ha visto y conscientemente se ha querido emular tanto por los sujetos que se dejan fotografiar como por los fotógrafos que captamos momentos, incluso yo tuve la oportunidad de poder ver y captar esta imagen, entre tantas manifestaciones en donde la policía intenta controlar a los manifestantes, una muestra de ella la podéis ver aquí mismo.

La luz dorada, en vacaciones fotografía el verano

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Es verano, y por fin podemos disfrutar de esas merecidas vacaciones, o por lo menos disfrutar un poco mas del aire libre y la naturaleza, si además te gusta la fotografía miel sobre hojuelas, asi que este post “La luz dorada, en vacaciones fotografía el verano” esta escrita para tí.

En verano la luz del día se vuelve mas poderosa y por las tardes nos da un tono que enamora, ademas es la mejor época para hacer esos retratos a todas esas personas que se lo hemos prometido alguna vez, esa luz tan cálida dora la piel ya coloreada por el moreno veraniego, así que el resultado es apoteosico, la mejor época para fotografiar paisajes de una forma tranquila y disfrutando de todos esos colores que el sol de la tarde proyecta sobre las cosas.

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Efectivamente, el verano tiene esa luz que tanto nos embauca, y la mejor hora es la de las tardes, con una luz color oro que baña todo lo que se le pone por delante, los fotógrafos lo llaman “La hora mágica” y motiva a todos aquellos que tienen sensibilidad por la composición y los colores, tiene sus principios en la escuela de pintura norteamericana Rio Hudson que se regia por el tradicional estilo del paisaje romántico europeo que se preocupaba mas por la sensualidad y luminosidad del cuadro que por el motivo, lógicamente la hora preferida de estos artista era la tarde, donde las sombras se hacían interminables y los colores calentaban los motivos. La fotografía adoptó en cierto modo este estilo, mas si cabe con la aparición de la película de Kodak Kodakchrome y sus famoso colores saturados, fotógrafos como Ernst Hass o Jay Maisel son grandes dominadores del color y el paisaje.

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Ahora con la fotografía digital las posibilidades de disfrute de este tipo de fotografía con el color veraniego es increíble y hace disfrutar mucho a todos los amantes del mundo fotográfico, como he dicho antes, ademas la piel queda perfecta y tenemos mas horas de luz para trabajar. Los tonos de esos atardeceres y esos paisajes  provocan una admiración previsible en todos los espectadores que ven las fotografías a excepción de los fotógrafos mas avanzados que ven en esas imágenes algo demasiado “trillado”.

¿Porque socialmente nos gusta este tipo de luz? todo viene de una compleja y sofisticada razón de una cultura idealizadora del romanticismo, así que a salir a la calle y a fotografiar. En este enlace podeis ver alguna imagen aprovechando dicha luz Laura & Daniel

La verdadera historia de la fotografía de Kevin Cárter

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Mucho ha llovido desde la famosa imagen del malogrado fotógrafo Sudafricano Kevin Carter, una imagen que estremeció al mundo y rompió la inocencia impura de una sociedad viciada y egoísta , desde su aparición en los medios la imagen ha sido objeto de estudio multitud de veces, es una imagen que la gente rechaza y que otros pocos aclaman como un icono de lo que la humanidad no tiene que hacer, aun así tanto la fotografía como su autor han sido protagonistas de una leyenda urbana que poco tenia que ver con la realidad, aquí vais a leer la verdadera historia de la fotografía de Kevin Cárter.

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La famosa fotografía de Kevin Cárter

Kevin comenzó en el mundo de la fotografía con 23 años en su Sudáfrica natal, cuando en la poblacion de Soweto cercano a Johannesburgo estaban en guerra, fue ahí, siendo fotógrafo del Johannesburg Star cuando fotografiaba a la poblacion preocupados por la  circunstancia que estaban viviendo. La Situación del país hizo que diez años mas tarde Cárter fotografiara en otro país, Sudán la que sería su imagen mas conocida, en 1993 Kevin vió una imagen que le constataría como un constructor de historias, avistó un niño famélico agachado y detrás de el un buitre al acecho, o por lo menos eso daba a entender la famosa fotografía, esperó a que el animal abriese sus alas para disparar pero no lo logró, se tuvo que conformar con la imagen que conocemos.  La hambruna en Sudán era un hecho, el 26 de Marzo de 1993 The New York Times publicó la fotografía, La opinión pública entendió la foto como una alegoría de lo que sucedía en el país de Sudán, Kong era el problema del hambre y la pobreza, el buitre era el capitalismo y el fotógrafo era la indiferencia del resto de la sociedad. Fue criticado profundamente y él e intentó justificarse, alegando que el niño estaba muriendo y que su tribu estaba a unos metros de el y que el animal esperaba su ración de comida. La fotografía gano el premio Pulitzer ese año.

Kevin Carter,

Cárter fotografiado por su amigo mientras trabajaban.

A partir de aquí la leyenda urbana comienza con la imagen y según se cuenta decía así: El fotógrafo fue una despiadada persona por realizar tan semejante fotografía aprovechándose de la situación del niño hambriento y sin defensa ¿como podía alguien poder realizar esa imagen con un buitre al acecho y no hacer nada? ¿no hacer nada? si, porque aquí viene la segunda parte de esta leyenda pues según el relato Cárter no solo fotografió al niño, si no que ni tan siquiera se dignó a  prestarle ayuda, abandonándolo allí justificándose según la historia en que no podía llevarlo encima. Como podéis observar es una historia bastante cruel y quizás inventada por la propia culpabilidad que sentía la sociedad ante la indiferencia de las naciones ante semejante situación en países como Sudán.

La segunda leyenda dice que Kevin Cárter ante semejante presión y ataque internacional por esa imagen acabo suicidándose por sentirse culpable, parece un justo final para la mayoría de la gente que creyó la primera leyenda y que la sed de venganza social se había cumplido.

Ninguna de las historias es cierta, así que vamos a acercarnos mas a la realidad, Kevin cubría la tragedia de Sudán viajando con Naciones Unidas en un avión de reparto de comida, en un aterrizaje en un poblado, según cuenta Joao Silva, otro gran fotógrafo, los dos bajaron mientras los operarios de Naciones Unidas repartían la comida, eso dio lugar a que los adultos saliesen de sus chozas y cabañas para recoger el sustento dejando libres a los niños por un rato, mientras Silva fue en busca de guerrilleros, Cárter sorprendido por la visión de la hambruna no se alejó mucho y realizo esta toma con el buitre detrás. ¿Situación real de la imagen? el niño esta atendido por una infraestructura humanitaria, la prueba es la pulsera blanca que porta en su muñeca, su posición es la de defecar y el buitre estaba ahí  porque es un sitio habitual para encontrar su carroña pues era la zona denominada por ellos la estercolera y el buitre solo buscaba deshechos y no al niño, pocos metros de el niño estaban las Naciones Unidas y su poblado.

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Kevin Cárter.

Una vez descrita la primera historia, narraré la segunda de ellas que fue el suicidio atribuido por una supuesta culpabilidad por la imagen tomada, para comenzar había que  que conocer bien a Cárter y toda su personalidad, su vida desordenada llena de episodios duros y la toma sistemática de drogas duras como la marihuana, metacualona y barbitúricos hacían de esta persona un ser inestable y propenso a las depresiones, el episodio mas duro para el, fue la pérdida de otro gran fotógrafo y amigo Ken Oosterbroek el 18 de abril de 1994 mientras cubría un tiroteo cerca de Johanesburgo, esto y la presión por no completar un trabajo créo que para Life ya sea por desidia o por perder los carretes hizo que se suicidara el 27 de Julio de 1994 aspirando monóxido de carbono de su camioneta, nos dejó una nota de despedida que dice así:

”  Estoy deprimido…. sin teléfono, sin dinero para el alquiler, sin dinero para los hijos, sin dinero para las deudas… ¡¡¡Dinero!!! estoy atormentado por los recuerdos vívidos, de los asesinatos y los cadáveres y la ira y el dolor, del morir del hambre o los niños heridos, de los locos del gatillo fácil, a menudo de la policía, de los asesinos y verdugos, he ido a unirme con Ken, si tengo suerte. “

Como colofón, decir que la supuesta muerte del niño por no ayudarle no fue tal, 18 años después un equipo de investigación periodística viajo al lugar y logró constatar que el pequeño sobrevivió a la hambruna pero que murió 14 años mas tarde de aquella fotografía por fiebres, su nombre era Kong Nyong.

De Izquierda a derecha Greg Marinovich, Ken Oosterbroek, Joao Silva y Kevin Carter, grupo de amigos y fotógrafos que se autodenominaron Bang Bang Club.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

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La fotografía sarcástica de Martin Parr¿Quien es Martin Parr? Para quien no haya oído hablar de el o no lo conozca (su obra quiero decir) entenderá de algún modo el tono con el que esta entrada esta escrita. La fotografía sarcástica de Martin Parr, es quizás el mejor titulo para definir a un fotógrafo un tanto polémico entre sus colegas pero diferente y muy muy divertido.

Martin Parr, un fotógrafo temprano.

Martin Parr nace en Inglaterra (Epsom) en 1952, pronto se aficionará a la fotografía gracias a su abuelo que le llevará sin dilación a fotografiar con el y lo que es mas importante, a disfrutar de todo el proceso fotográfico, como es el revelado y fijado de las imágenes que aparecen casi por arte de magia en los papeles sensibles, poco mas tarde como estudiante empezará a realizar sus escenografías fotográficas acentuando aun mas su gusto por esta disciplina, en Manchester estudiará durante tres años fotografía en la Escula Politecnica, durante estos años empieza a tener cierta fama al ganar el primer premio del Arts Council de Gran Bretanña. En un mundo gráfico donde las salidas mas normales son la de fotografía publicitaria o foto periodismo, Martin busca una vía mas personal y empieza a apostar por un tipo de fotografía muy documental pero que llevará a un estado profundo de investigación sociológica, sus obras se exponen primeramente en centros comerciales y clubes lúdicos donde se producen también performances, al mismo tiempo publica libros y multiplica mas si cabe sus exposiciones donde la gente se “divierte” en cierto modo de ver como somos como seres humanos, aun así, para vivir y dar de comer a su familia y producir sus proyectos su mayor fuente de ingresos será la de docente desde 1975 a 1990 como profesor de fotografía.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

La polémica fotográfica de Martin.

La entrada de Martin en la agencia Magnum Photos en 1994 no será para el un camino de rosas precisamente, pues para poder entrar en la prestigiosa cooperativa se necesita presentar varios proyectos y convivir sin saber que estarás dentro durante al menos dos años en la agencia, una vez hecho esto, los cooperativistas votan quien de los que se están disputando el puesto entra o no, fue la primera vez que en Magnum hubo problemas y acaloradas discusiones entre cooperativistas por dejar entrar a Martin Parr o no, su trabajo sátiro y sarcástico no entraba en las políticas de los fotógrafos mas conservadores donde veían en la fotografía un medio de comunicación donde siempre se tenia que datar de algún modo las penas y las desigualdades y Martin en eso se distanciaba mucho, sus reportajes no faltos de ningún modo de calidad tenían y tienen precisamente ese valor añadido, que al verlos sonreímos y nos informa de forma social de como somos, algo muy difícil, se podría decir que es la comparación entre un actor cómico y uno de drama… y siempre dicen que es mucho mas complicado hacer reír que llorar. In extremis Martin entró a formar parte de la prestigiosa agencia. Hoy en día sigue produciendo sus proyectos y trabaja bajo pedido en reportajes que siempre dan que hablar.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

Un estilo fotográfico muy diferente y atrevido.

El estilo de Martin Parr se define como un fotógrafo que intenta descubrirnos la incongruencia del ser humano y la capacidad que tenemos de reírnos de nosotros mismos y porque no de los demás, sus polémicos trabajos en cuanto a debates conservadores no tienen ninguna duda en cuanto a calidad documental y visión fotográfica, el como nadie sabe descubrirnos a la sociedad enferma y delirante, de hecho ningún otro autor aun hoy en día ha sido capaz de acercarse a este particular estilo, sus imágenes llenas de un color a veces casi explosivo y rozando la búsqueda de lo hortera de forma acertada nos trasladan a momentos agobiantes y lúdicos que en sí la gente busca y anhela, sus autorretratos definen claramente la sátira constante riéndose de si mismo, algo que delata una gran inteligencia y un gran humanismo, fue el quien presentó como una técnica más la de fotografiar con flash anular en reportajes donde ni se nos hubiese pasado por la cabeza semejante idea, que ademas funciona concentrando puntos de interés y agrandando la marginalidad de los momentos de engaño propio de nuestra sociedad que pensamos imperturbable.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

 

Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia

Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia

Philip Jones Griffiths-Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia

Philip Jones Griffiths por Graham Harrison, London, 3 June 2007.

Tuve muy claro como titular o denominar esta entrada al ver y conocer durante años la obra de Griffiths, Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia. Una anotación finaliza la biografía que el fotógrafo Philip Jones Griffiths distribuye a todos los que quieren conocer su trayectoria “La necedad humana me ha fascinado siempre, pero fiel a la ética de Magnum creo en la capacidad de los hombres para mejorar”

Philip Jones Griffiths es un galés nacido el 18 de febrero de 1936 que a los 14 años recibió un regalo que le cambiaría la forma de ver la vida, una Kodak Brownie, aunque el en ese momento no lo sabría, pues su interés por la fotografía fue compartida por su interés por la ciencia estudiando química y biología y finalmente empezando su vida laboral en una farmacia trasladándose a Londres y haciendo los turnos de noche, esto le da la oportunidad de poder dedicarse de forma casi completa a su pasión por la fotografía por el día, poco a poco va codeándose y realizando contactos que le llevarán en 1961 a trabajar a jornada completa en el diario London Observer.

Philip Jones Griffiths, fotógrafo de guerra.

En 1962 justo un año después cubrirá lo que será su primera guerra al haber sido enviado a Argelia, rápidamente esto le hará replantearse su manera de trabajar y su implicación para con el mundo y su comunidad, en un episodio de su vida, en una capilla metodista de su ciudad natal dirá “Quiero contribuir a cambiar el mundo, cada uno a su manera” y para el será hacerse freelance en 1963, justo dos años después de haber sido contratado por el diario londinense. Con esta mentalidad recorre mas de cuarenta países pasando mucho tiempo en África. Su calidad como fotógrafo y su forma de ver los conflictos y su vida cotidiana hacen que un gran amigo suyo Ian Berry le aconseje para que presente su candidatura a la agencia mas prestigiosa del mundo, Magnum Photos.

Philip Jones Griffiths

Philip Jones Griffiths

Libro Vietnam Inc-Philip Jones GriffithsEn 1966 colabora con esta agencia y no sera hasta 1970 cuando se incorpore como cooperativista, desde 1966 habrá un cambio en su vida al cubrir una de las guerras mas mediáticas y crudas de la historia, Vietnam, su visión de un país de contrastes, exótico y amable roto por una guerra cruel replanteará su condición humana y su trabajo será una de las formas que mejor sabe hacer para descubrir al mundo semejante injusticia, con 35 años en 1971 publica uno de los mejores libros sobre fotografía de guerra que existen, Vientnam, Inc. un libro de culto que en aquel momento cambió la forma de ver de los que serian los futuros fotoperiodistas de conflicto.

Griffiths fotografía la guerra de una forma amable, inteligente, intimista y con una conciencia limpia y que nos invita a reflexionar sobre que es realmente una guerra y el sentido que tiene, de una forma a veces casi infantil rastrea los rincones y las situaciones que en un mundo en guerra son “normales” pero que para el resto del mundo destrozan conciencias e invitan a implicarse.