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Tutorial para fotógrafos en blanco y negro

25 enero, 2016 por Classphoto Deja un comentario

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Aunque no hemos hablado abiertamente del Blanco y negro, cosa que quiero hacer en este blog de fotografía en breve, si que voy a comentaros un tutorial para fotógrafos en blanco y negro  y que además precisamente con la era digital revelar el blanco y negro no es que sea pasear por un jardín de flores, si antes lo fácil entre comillas era revelar analogicamente una fotografía en blanco y negro ahora como digo es mas tedioso. tenemos que comprender que revelar color antiguamente era bastante complicado y sin embargo revelar un negativo monocromo era bastante mas sencillo y revelar mas o menos bien un positivo en blanco y negro también, tan solo teníamos que disponer de unos pocos líquidos, controlar proporciones y temperaturas y manos a la obra… dicho así parece sencillo y lo era.

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FOTO: © Ferran Mallol / Classphoto

Lo que quiero decir es que los resultados del blanco y negro antiguamente eran mas resultónes de una forma básica que ahora con el digital, si el color en estos tiempos es mas fácil el blanco y negro ha quedado relegado a una complicación de puristas si realmente queremos resultados notables de contraste y alta gama de tonos y densidades, ahora para conseguir estos resultados necesitamos ver y probar entre una infinidad de protocolos y tutoriales de todo tipo y ver cual de ellos se nos antoja mas fácil o resultón, aun así no habríamos acabado pues estos tutoriales infinitos suelen tener la posibilidad de mover infinidad de parámetros y fijados estos podríamos seguir trabajando por zonas como antiguamente se hacia recortando mascaras para alternar exposiciones.

Aquí no acaba la cosa, pues también existen infinidad de plug-ins y filtros para tal menester, Muchos me preguntan al principio si no es suficiente el poner el programa de la cámara en monocromo o simplemente desaturizar, pero unos segundos después se dan cuenta de que la pregunta no procede simplemente viendo los resultados que ofrece estas técnicas básicas del mundo digital…. rápidamente nos damos cuenta de como estos resultados que nos dan desde cámara y/o editor nos dejan una fotografía pobre y plana en cuanto a densidades y contraste y es que además se ve y se nota a simple vista.

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FOTO: © Ferran Mallol / Classphoto

Una vez explicado esto he querido dejaros un tutorial que para mi es de lo mejor que hay pero cada uno tendrá el suyo y con esto os invito a que probéis este que os dejo yo aquí y por supuesto que busquéis en la red mas tutoriales de estos para que podáis ir viendo cual os convence mas, deciros también que al principio siempre es complicado pero una vez que lo realizas dos o tres veces sale casi solo y siempre podréis grabar una acción en Photoshop.

Este tutorial básicamente lo que hace es separar en tres capas diferentes las altas luces, las medias y las bajas, pudiendo alterar por separado cada una de ellas tanto en niveles contrastes o lo que queráis, espero que os guste y que os convenza.

Tutorial para fotógrafos en blanco y negro, ajuste con luces, sombras y medios tonos.

1º Abrir Imagen.

2º Pasar imagen a Color Lab (IMAGEN > MODO > COLORLAB)

3º Poner el menú o pestaña de canales de la parte derecha y clicar en LUMINOSIDAD.

4º Volver a clicar en luminosidad + Ctrl (aparecen como unas hormigas)

5º Esta selección serán las luces (tonos claros de la imagen) ir a (SELECCIÓN > GUARDAR SELECCIÓN > PONER NOMBRE por ejemplo «luces» > OK)

6º Volvemos a ( SELECCIÓN > INVERTIR) saldrán mas hormigas. Esta selección serán las sombras.

7º Realizamos los pasos del punto 5 otra vez cambiando el nombre por ejemplo de «sombras» y quitamos hormigas clicando fuera de la imagen.

8º Volvemos a (SELECCIÓN > GAMA DE COLORES) en el cuadro flotante seleccionamos (MEDIOS TONOS > OK) vuelven a aparecer las hormigas.

9º Realizamos los pasos del punto 5 otra vez cambiando el nombre por ejemplo de «medios» y quitamos hormigas clicando fuera de la imagen.

     Ya tenemos las tres selecciones guardadas.

10º Pasamos al menú de la derecha capas y pasamos la imagen a RGB (IMAGEN > MODO > RGB) y la desaturizamos .

11º Duplicamos capa (CAPAS > DUPLICAR CAPA).

12º Pasamos a menú CANALES y seleccionamos el canal LUCES por ejemplo.

13º Clicamos en la parte baja del menú el icono con forma de cuadrito con rayas discontinuas (Cargar el canal como selección)

14º Pasamos a menú capas.

15º Clicamos el icono de cuadro con un circulito en medio en la parte baja del menú herramientas, que quiere decir añadir mascara vectorial, y aparecerá una mascara de capa al lado de la capa.

16º Esto es importante, , tenemos que situarnos en la capa, no en la mascara de capa para que los ajuste hagan efecto, ajustes de niveles, contraste etc.

17º Ya podemos ajustar tantas cosas como queramos,las siguientes selecciones (HAY QUE HACER DOS MAS) las pondremos haciendo y repitiendo con los pasos 12, 13, 14 y 15.

       Una vez hecho todos los pasos y los ajustes tendremos que acoplar las capas para seguir editando.

NOTA: Si clicamos 2 veces encima de la mascara de capa, abriremos un cuadro de
propiedades para poder desvanecer la selección, como un filtro gausiano.

Korda, un fotógrafo multimillonario «Virtual»

26 noviembre, 2015 por Classphoto Deja un comentario

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Alberto Korda

6 de Marzo de 1960. Un millón de personas desfilan en La Habana con motivo del entierro de las victimas de La Coubre. El carguero francés repleto de de armas de que Cuba había comprado a Bélgica vuela por los aires en un atentado atribuido a la CIA. Hay 80 muertos y 200 heridos. «¡Patria o muerte. Venceremos!», proclama Fidél Castro desde una tribuna erigida cerca del cementerio de Colón. Será una de las frases de la revolución cubana que había derrocado en 1959 al dictador Batista.

En ese mismo discurso los ojos del fotógrafo cubano Alberto Korda inmortalizará la que será la imagen mas reproducida de la historia de la fotografía y por consiguiente será Korda, un fotógrafo multimillonario «Virtual». Alberto era un fotógrafo de moda que paso de fotografiar modelos a fotografiar como el definiría a los barbudos, cuando captó esta imagen trabajaba para el periódico Revolución, portando una Leica no para de retratar a Fidél enfrascado en un discurso sin fin y uno de los mas legendarios, al lado de el Simone de Beauvoir y Jean-Paul Sartre, Ernesto Guevara el «Che»  estaba al fondo de la tribuna. Korda recuerda -» No lo vi hasta que se adelantó para ver a la multitud congregada que se extendía a lo largo de kilómetros, tuve el tiempo justo de de hacer una toma horizontal y otra vertical con un objetivo de 90mm. Después el Che se retiró. No olvidare jamas su mirada que mezclaba determinación y dolor-«.

Una imagén «robada»

Únicamente se publicarán la fotografías de Beauvoir y Sartre, las del Che pasan inadvertidas, Alberto Korda hace una ampliación de la primera fotografía, -» Yo prefería la vertical»-, pero si nos fijamos detrás del hombro de Guevara aparece la cabeza de un hombre, así que la decisión final esta hecha, se ajusta el encuadre de la horizontal para eliminar un perfil a la derecha y una palmera a la izquierda. -» El retrato mas bello del Che»- diría orgulloso Alberto Korda. Siete años mas tarde esta imagen dará la vuelta al mundo… Sin su firma y sin cobrar ningún derecho de autor.

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El negativo y los contactos, dos versiones una elección.

El asesinato y muerte de Ernesto «Che» Guevara en Octubre de 1967 por militares bolivianos manejados por la CIA conmueve a todo un planeta y una generación entera y esto tristemente hará que esta foto sea mas conocida y legendaria si cabe. Giangiacomo Faltrinelli, un editor enamorado de «la Revolución» publica un cartel con la imagen de Korda y un millón de ejemplares a 5 dolares eran vendidos, la foto ira firmada  con un: «Derechos reservados Feltrinelli»  Korda recuerda que le regalo una de estas imágenes en uno de los viajes del italiano, años mas tarde Korda decide contratar a un abogado -«Una cuestión de principios, pues ya es demasiado tarde»- declarara su autor multimillonario virtual, resignado pero agradecido profundamente.

Esta imagen reproducida en un sinfín de productos de miles de marcas para vender, es el símbolo de la juventud y la rebeldía. Alberto Korda un fotógrafo que ha pasado a la historia de la leyenda fotográfica por su «Che» y por su resignación.

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La copia final con el re encuadre.

 

No es Mac para fotógrafos

13 noviembre, 2015 por Classphoto 18 comentarios

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Como el título de la gran película de los hermanos Coen No es país para viejos, he querido titular así esta nueva entrada, «No es Mac para fotografos» y creo que esta entrada va a traer cola, mucha cola… mas que nada porque el ser humano parece tener claro pertenecer a una sola facción de casi todo, Coca cola o Pepsi, McDonalds o Burguer King, Nikon o Canon, Audi o Mercedes, Pc o Mac. En este caso doy mi humilde opinión como profesional de la fotografía y que duda cabe que quiero vuestros comentarios, siempre y cuando no sean faltones jajaja, en esto de pertenecer a un grupo hay gente que se lo toma muy a la tremenda.

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El precioso iMac de Apple.

Bueno, comenzando quiero decir que efectivamente difiero mucho de que la marca de la manzana sea una buena marca para el profesional de la fotografía, pero ojo, solo en cuanto a gama de productos se refiere pues esta claro que no hay nada mejor en cuanto a optimización que trabajar en un entorno tan cerrado y dedicado como Mac, siempre y cuando solo sea trabajo, la potencia de sus dispositivos con una optimización superior de los recursos que conforman estos ordenadores hacen que sea una delicia en muchos casos trabajar en ellos, pero no nos engañemos. ¿Ha pensado Apple realmente en los fotógrafos? Todos tenemos a Apple como el «Mecenas» de los profesionales multimédia y creativos, si bien es cierto que todos sabemos que un diseñador, ilustrador, maquetador o videografo así como todos los profesionales del cine o el dibujo casi al noventa y cinco por ciento van a disponer de un entorno de trabajo Apple si pueden ¿Pero que ocurre con los fotógrafos y porque escribo toda esta entrada? ¿Que pasa con todo ese grupo tan grande que son los fotógrafos de boda, publicidad, deportivos etc y que trabajan con imágenes buscando la mas alta calidad? Pues que a mi parecer Apple nos tiene abandonados o quiere que seamos el grupo mas pobre del sector multimédia.

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Los portátiles de Apple siempre son sinónimo de éxito.

¿Picajoso con Mac? Como fotógrafo, sí, lo reconozco.

Me explico, sí, lo reconozco, yo también caí en la tentación y del atractivo de Macintosh, toda la vida con un «triste» Pc nada snob y nada minimalista y quería pasarme a Mac, tener un entorno y flujo de trabajo con marca, ser de la tribu de gafas y barba, aquí empezó una ardua tarea de buscar soluciones, siempre y cuando no me dejara mi humilde economía en el producto mas caro de Apple, busqué soluciones y productos en diferentes Apple Stores y no tuve resultado alguno y todo por algo tan sencillo como el monitor, los que seáis profesionales sabéis de sobra que un fotógrafo necesita un monitor mate e invertimos parte de nuestro capital en monitores que tengan una muy buena calidad de reproducción de colores, densidad y profundidad, trabajamos con imágenes fijas y tenemos que editar sin que nos molesten brillos inoportunos y con la realidad mas certera y Apple blogers mios no tiene a día de hoy ningún producto con pantalla Mate, antes sí que los tuvo pero ahora «nasti de plasti», el problema es como todos sabéis que Mac tiene actualmente portátiles muy potentes pero sus pantallas son la leche en cuanto a brillo, resolución etc etc, y es en cierta manera un «engaño visual» muy optimo, si, y atractivo, por otro lado los Mac Mini nunca me los recomendaron por quedarse cortos, podría haber sido una solución perfecta acoplandole un monitor pero tampoco era la solución definitiva, finalmente tiene un elenco de ordenadores perfectos como los iMac pero que llevan una pantalla incorporada y no es plan de instalar otra pantalla perdiendo en cierta manera la pantalla del Mac porque ya trabajo con dos pantallas mate, así que lo único que nos queda es invertir 3.349 machacantes según precio de su web en el Mac Pro y no estoy dispuesto a semejante inversión porque sabemos que tienen los iMac muy buenos y justos pero no lo facilitan con versión pantalla mate, bueno sí, una gran solución que me dieron en una Apple Store fue que después de desembolsar mas de 2000€ por un ordenador, le pegara un film anti-brillo a la pantalla, vamos, calidad superior a la altura de Eizo o NEC.

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El soberbio Mac Pro

Así pues, he determinado que Mac no es para fotógrafos a no ser que seas un mini-millonario, sé que muchos me tachareis de que estoy molesto porque no me apetece gastarme mas de 3000 euros en ellos, pero teniendo material como tienen, el iMac, tan bonito, tan precioso y minimalista y equilibrado ¿porque tengo que invertir en un pepino como el Mac Pro? Esta ha sido mi humilde opinión, claro que me compraba el Pro pero por menos de ese precio existen Pc soberbios y con potencias similares para editar. Espero vuestras opiniones y respuestas pues creo que es un tema bastante discutible, saludos.

Fotógrafo del mundo y el color, Steve McCurry

5 noviembre, 2015 por Classphoto Deja un comentario

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Steve McCurry, 2001

¿Quien no conoce a Steve McCurry? quiero decir ¿Quien siendo fotógrafo o aficionado a la fotografía no conoce a este gran fotógrafo? Hoy voy a hablar de este grande de la imagen, fotógrafo del mundo y el color, Steve McCurry. Archiconocido por su retrato de la niña afgana este captador de imágenes nos deleita con instantáneas llenas de color, llenas de vida y de calidez humana, pocos como Steve han sabido retratar a las gentes de una forma tan magistral y sincera, viajero incansable y sobretodo aventurero como ninguno.

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© Steve McCurry

Steve McCurry nació en la ciudad estadounidense de Filadelfia en 1950 pero es en la universidad estatal de Pensilvania donde pronto encuentra su verdadera vocación estudiando cinematografía e historia para poder dedicarse a producir documentales aunque encontrará mas emoción trabajando como fotógrafo en el periódico local, años después se traslada a la India para pasar varios meses documentando con sus imágenes la vida de ese país tan mágico y extraño para el. Asia será su residencia durante dos años, en esa estancia en 1979 pasará a través de la frontera de Pakistán a Afganistán para cubrir las revueltas de ese país, una guerra civil que ningún medio quiere informar, sin el pasaporte ni otra documentación y mimetizado con las vestimentas  de esa cultura McCurry sera de las primeras personas en fotografiar Afganistán antes de la invasión soviética, durante dos semanas consigue pasar inadvertido y vuelve por donde había venido con los carretes cosidos a la ropa para no ser descubiertos, sus fotografías serán publicadas en el New York Times y tendrían mas connotación cuando la URSS invada finalmente Afganistán y se publiquen en todo el mundo.

Steve volverá varias veces a Afganistán y en 1980 gana uno de los mas prestigiosos galardones de fotoperiodismo, La Robert Capa Gold Medal, después de Afganistán cubre otros conflictos como los del Líbano, Camboya, Filipinas, la antigua Yugoslavia e Iraq, aun así el mismo no se considera un fotógrafo de guerra meramente ya que su impulso es la de documentar, sus retratos quizás sean lo mas conocido de el y donde mas talento se le atribuye, no en vano su imagen mas conocida e icónica será un retrato realizado en 1984 de una niña afgana con unos ojos verdes penetrantes y que será publicada por National Geographic.

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© Steve McCurry, India y Afganistán.

Entusiasta del retrato fotográfico y del color. 

También Steve nos es conocido por su tratamiento y control del color aunque pensemos que se complica la vida consiguiendo esos resultados el mismo dice que no desea comerse mucho la cabeza y que utiliza el mismo material durante años, dos Nikon F100S, peliculas Ektachrome Professional E100VS y Kodachrome 64 y un elenco de objetivos fijos como el 28, 35, 50 y 85mm. Steve quizás sea un fotógrafo que ha conseguido encontrar el justo equilibrio entre lirismo, ética y estética, tampoco se ha librado de padecer lo suyo siendo dado por muerto varias veces, ha sido detenido y encarcelado en Afganistán, sobrevivió en Eslovenia a un accidente aéreo y en Bombay pudo escapar de una muchedumbre violenta.

Hoy por hoy sigue colaborando para National Geographic y es miembro activo desde el año 1985 de la agencia Magnum, ganador de multitud de galardones como 4 primeros premios del World Press Photo, el premio Life Magazine, o el Olivier Rebbot Memorial Award entre otros.

Su web es asombrosa y os invito a deleitaros con sus imagenes, Steve McCurry.

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© Steve McCurry, India y Afganistán.

La fotografía del Beso de Robert Doisneau

25 agosto, 2015 por Classphoto Deja un comentario

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La fotografía del Beso de Robert Doisneau

Robert Doisneau en 1981

Una de las fotografías mas icónicas del siglo pasado y de la historia de la fotografía es la fotografía del Beso de Robert Doisneau, en un París de Post-Guerra, la cultura y las publicaciones se hacen hueco a golpe de ilusión y alegría, los franceses re descubren los placeres de la vida y la calidad de vida que dan los nuevos electrodomésticos, las vacaciones y las modas norteamericanas con su Jazz y sus películas. En ese marco se realizó la icónica y amorosa imagen.

Robert Doisneau un fotógrafo de la vida.

Robert Doisneau nació en 1912 a las afueras de París, mas concretamente al sur de la gran capital francesa, conocido como el eterno paseante, una vez dijo de París «París es un teatro en el que pagamos la entrada con el tiempo perdido» razón no le faltaba, gracias a su paciente espera y ojo ávido de cotidianidad nos ha dejado un legado de 350.000 imágenes de una vida social y banal con una increíble frescura humanista, a el y a Henri Cartier Bresson, Brassai o Eugene Atget se le atribuye a lo que hoy en día conocemos como fotografía urbana, y muchos intentamos emular sus proezas gráficas portando cámaras que hoy día fabrican a imagen y semejanza de aquellas telemétricas.

Doisneau fotografió como nadie la vida cotidiana y real.

Una fotografía preparada.

Aunque mucha gente creía que esta fotografía era un robado no fue hasta hace poco tiempo que se supo que fue una imagen preparada, quizás la inocencia de creer que todo es natural dispuso un estudio histórico en profundidad sobre varias obras fotográficas y su veracidad, entre ellas la famosa fotografía de Robert Capa del Miliciano muriendo y que todavía esta en sesudo estudio. En primavera de 1950 la revista norteamericana Life encarga a una agencia un reportaje sobre los enamorados en París y se dará el permiso de recurrir a actores si es necesario por el escueto tiempo del que disponen, así pues, dicho y hecho, Robert Doisneau contrata a dos estudiantes de arte dramático para la realización de esta imagen, ellos son Jacques Carteaud y François Bornet, pareja por aquel entonces,  la prueba radica en que en los contactos, la misma pareja es vista deambulando por diferentes entornos, otra prueba irrefutable es la declaración abierta y despreocupada del mismo Robert Doisneau que en ningún momento esconde el hecho de que es una puesta en escena y un trabajo fotográfico.

Un final grís.

beso

La famosa fotografía de Robert Doisneau.

Life publicará seis besos y el del ayuntamiento que es la fotografía que nos ocupa cubre tan solo un cuarto de página, la foto dormirá en los archivos del fotógrafo hasta que en 1986, un editor decide publicar la imagen como póster, el éxito del cartel es demencial y un gran numero de parejas escriben a Robert diciéndole que se reconocen en la imagen, muchos son los enamorados que creen ser cazados por Doisneau, la historia de esta foto se volverá una pesadilla, una pareja francesa quiere conocerlo y se dan cita con Robert, en una cena por desgracia el fotógrafo no les dijo que eran ellos, pero tampoco que no lo eran por no destrozarles un sueño… resultado, la pareja lleva a los tribunales al fotógrafo y reclaman daños y perjuicios, la demanda sera desestimada pero recurrida y la verdadera mujer de la foto, también le pedirá sin éxito derechos de autor.

El año antes de morir fue un suplicio para Robert Doisneau por esta foto. Robert dirá repetidas veces «Es triste pensar que no voy a dejar mas que esta foto» Robert Doisneau puede estar tranquilo allá donde esté, pues su legado nos deja una multitud de imágenes que nos embaucan y enamoran de la vida cotidiana.

 

La verdadera historia de la fotografía de Kevin Cárter

31 julio, 2015 por Classphoto 2 comentarios

Mucho ha llovido desde la famosa imagen del malogrado fotógrafo Sudafricano Kevin Carter, una imagen que estremeció al mundo y rompió la inocencia impura de una sociedad viciada y egoísta , desde su aparición en los medios la imagen ha sido objeto de estudio multitud de veces, es una imagen que la gente rechaza y que otros pocos aclaman como un icono de lo que la humanidad no tiene que hacer, aun así tanto la fotografía como su autor han sido protagonistas de una leyenda urbana que poco tenia que ver con la realidad, aquí vais a leer la verdadera historia de la fotografía de Kevin Cárter.

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La famosa fotografía de Kevin Cárter

Kevin comenzó en el mundo de la fotografía con 23 años en su Sudáfrica natal, cuando en la poblacion de Soweto cercano a Johannesburgo estaban en guerra, fue ahí, siendo fotógrafo del Johannesburg Star cuando fotografiaba a la poblacion preocupados por la  circunstancia que estaban viviendo. La Situación del país hizo que diez años mas tarde Cárter fotografiara en otro país, Sudán la que sería su imagen mas conocida, en 1993 Kevin vió una imagen que le constataría como un constructor de historias, avistó un niño famélico agachado y detrás de el un buitre al acecho, o por lo menos eso daba a entender la famosa fotografía, esperó a que el animal abriese sus alas para disparar pero no lo logró, se tuvo que conformar con la imagen que conocemos.  La hambruna en Sudán era un hecho, el 26 de Marzo de 1993 The New York Times publicó la fotografía, La opinión pública entendió la foto como una alegoría de lo que sucedía en el país de Sudán, Kong era el problema del hambre y la pobreza, el buitre era el capitalismo y el fotógrafo era la indiferencia del resto de la sociedad. Fue criticado profundamente y él e intentó justificarse, alegando que el niño estaba muriendo y que su tribu estaba a unos metros de el y que el animal esperaba su ración de comida. La fotografía gano el premio Pulitzer ese año.

Kevin Carter,

Cárter fotografiado por su amigo mientras trabajaban.

A partir de aquí la leyenda urbana comienza con la imagen y según se cuenta decía así: El fotógrafo fue una despiadada persona por realizar tan semejante fotografía aprovechándose de la situación del niño hambriento y sin defensa ¿como podía alguien poder realizar esa imagen con un buitre al acecho y no hacer nada? ¿no hacer nada? si, porque aquí viene la segunda parte de esta leyenda pues según el relato Cárter no solo fotografió al niño, si no que ni tan siquiera se dignó a  prestarle ayuda, abandonándolo allí justificándose según la historia en que no podía llevarlo encima. Como podéis observar es una historia bastante cruel y quizás inventada por la propia culpabilidad que sentía la sociedad ante la indiferencia de las naciones ante semejante situación en países como Sudán.

La segunda leyenda dice que Kevin Cárter ante semejante presión y ataque internacional por esa imagen acabo suicidándose por sentirse culpable, parece un justo final para la mayoría de la gente que creyó la primera leyenda y que la sed de venganza social se había cumplido.

Ninguna de las historias es cierta, así que vamos a acercarnos mas a la realidad, Kevin cubría la tragedia de Sudán viajando con Naciones Unidas en un avión de reparto de comida, en un aterrizaje en un poblado, según cuenta Joao Silva, otro gran fotógrafo, los dos bajaron mientras los operarios de Naciones Unidas repartían la comida, eso dio lugar a que los adultos saliesen de sus chozas y cabañas para recoger el sustento dejando libres a los niños por un rato, mientras Silva fue en busca de guerrilleros, Cárter sorprendido por la visión de la hambruna no se alejó mucho y realizo esta toma con el buitre detrás. ¿Situación real de la imagen? el niño esta atendido por una infraestructura humanitaria, la prueba es la pulsera blanca que porta en su muñeca, su posición es la de defecar y el buitre estaba ahí  porque es un sitio habitual para encontrar su carroña pues era la zona denominada por ellos la estercolera y el buitre solo buscaba deshechos y no al niño, pocos metros de el niño estaban las Naciones Unidas y su poblado.

Carter

Kevin Cárter.

Una vez descrita la primera historia, narraré la segunda de ellas que fue el suicidio atribuido por una supuesta culpabilidad por la imagen tomada, para comenzar había que  que conocer bien a Cárter y toda su personalidad, su vida desordenada llena de episodios duros y la toma sistemática de drogas duras como la marihuana, metacualona y barbitúricos hacían de esta persona un ser inestable y propenso a las depresiones, el episodio mas duro para el, fue la pérdida de otro gran fotógrafo y amigo Ken Oosterbroek el 18 de abril de 1994 mientras cubría un tiroteo cerca de Johanesburgo, esto y la presión por no completar un trabajo créo que para Life ya sea por desidia o por perder los carretes hizo que se suicidara el 27 de Julio de 1994 aspirando monóxido de carbono de su camioneta, nos dejó una nota de despedida que dice así:

»  Estoy deprimido…. sin teléfono, sin dinero para el alquiler, sin dinero para los hijos, sin dinero para las deudas… ¡¡¡Dinero!!! estoy atormentado por los recuerdos vívidos, de los asesinatos y los cadáveres y la ira y el dolor, del morir del hambre o los niños heridos, de los locos del gatillo fácil, a menudo de la policía, de los asesinos y verdugos, he ido a unirme con Ken, si tengo suerte. «

Como colofón, decir que la supuesta muerte del niño por no ayudarle no fue tal, 18 años después un equipo de investigación periodística viajo al lugar y logró constatar que el pequeño sobrevivió a la hambruna pero que murió 14 años mas tarde de aquella fotografía por fiebres, su nombre era Kong Nyong.

De Izquierda a derecha Greg Marinovich, Ken Oosterbroek, Joao Silva y Kevin Carter, grupo de amigos y fotógrafos que se autodenominaron Bang Bang Club.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

21 julio, 2015 por Classphoto Deja un comentario

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La fotografía sarcástica de Martin Parr¿Quien es Martin Parr? Para quien no haya oído hablar de el o no lo conozca (su obra quiero decir) entenderá de algún modo el tono con el que esta entrada esta escrita. La fotografía sarcástica de Martin Parr, es quizás el mejor titulo para definir a un fotógrafo un tanto polémico entre sus colegas pero diferente y muy muy divertido.

Martin Parr, un fotógrafo temprano.

Martin Parr nace en Inglaterra (Epsom) en 1952, pronto se aficionará a la fotografía gracias a su abuelo que le llevará sin dilación a fotografiar con el y lo que es mas importante, a disfrutar de todo el proceso fotográfico, como es el revelado y fijado de las imágenes que aparecen casi por arte de magia en los papeles sensibles, poco mas tarde como estudiante empezará a realizar sus escenografías fotográficas acentuando aun mas su gusto por esta disciplina, en Manchester estudiará durante tres años fotografía en la Escula Politecnica, durante estos años empieza a tener cierta fama al ganar el primer premio del Arts Council de Gran Bretanña. En un mundo gráfico donde las salidas mas normales son la de fotografía publicitaria o foto periodismo, Martin busca una vía mas personal y empieza a apostar por un tipo de fotografía muy documental pero que llevará a un estado profundo de investigación sociológica, sus obras se exponen primeramente en centros comerciales y clubes lúdicos donde se producen también performances, al mismo tiempo publica libros y multiplica mas si cabe sus exposiciones donde la gente se «divierte» en cierto modo de ver como somos como seres humanos, aun así, para vivir y dar de comer a su familia y producir sus proyectos su mayor fuente de ingresos será la de docente desde 1975 a 1990 como profesor de fotografía.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

La polémica fotográfica de Martin.

La entrada de Martin en la agencia Magnum Photos en 1994 no será para el un camino de rosas precisamente, pues para poder entrar en la prestigiosa cooperativa se necesita presentar varios proyectos y convivir sin saber que estarás dentro durante al menos dos años en la agencia, una vez hecho esto, los cooperativistas votan quien de los que se están disputando el puesto entra o no, fue la primera vez que en Magnum hubo problemas y acaloradas discusiones entre cooperativistas por dejar entrar a Martin Parr o no, su trabajo sátiro y sarcástico no entraba en las políticas de los fotógrafos mas conservadores donde veían en la fotografía un medio de comunicación donde siempre se tenia que datar de algún modo las penas y las desigualdades y Martin en eso se distanciaba mucho, sus reportajes no faltos de ningún modo de calidad tenían y tienen precisamente ese valor añadido, que al verlos sonreímos y nos informa de forma social de como somos, algo muy difícil, se podría decir que es la comparación entre un actor cómico y uno de drama… y siempre dicen que es mucho mas complicado hacer reír que llorar. In extremis Martin entró a formar parte de la prestigiosa agencia. Hoy en día sigue produciendo sus proyectos y trabaja bajo pedido en reportajes que siempre dan que hablar.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

Un estilo fotográfico muy diferente y atrevido.

El estilo de Martin Parr se define como un fotógrafo que intenta descubrirnos la incongruencia del ser humano y la capacidad que tenemos de reírnos de nosotros mismos y porque no de los demás, sus polémicos trabajos en cuanto a debates conservadores no tienen ninguna duda en cuanto a calidad documental y visión fotográfica, el como nadie sabe descubrirnos a la sociedad enferma y delirante, de hecho ningún otro autor aun hoy en día ha sido capaz de acercarse a este particular estilo, sus imágenes llenas de un color a veces casi explosivo y rozando la búsqueda de lo hortera de forma acertada nos trasladan a momentos agobiantes y lúdicos que en sí la gente busca y anhela, sus autorretratos definen claramente la sátira constante riéndose de si mismo, algo que delata una gran inteligencia y un gran humanismo, fue el quien presentó como una técnica más la de fotografiar con flash anular en reportajes donde ni se nos hubiese pasado por la cabeza semejante idea, que ademas funciona concentrando puntos de interés y agrandando la marginalidad de los momentos de engaño propio de nuestra sociedad que pensamos imperturbable.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

 

Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia

6 julio, 2015 por Classphoto Deja un comentario

Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia

Philip Jones Griffiths-Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia

Philip Jones Griffiths por Graham Harrison, London, 3 June 2007.

Tuve muy claro como titular o denominar esta entrada al ver y conocer durante años la obra de Griffiths, Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia. Una anotación finaliza la biografía que el fotógrafo Philip Jones Griffiths distribuye a todos los que quieren conocer su trayectoria «La necedad humana me ha fascinado siempre, pero fiel a la ética de Magnum creo en la capacidad de los hombres para mejorar»

Philip Jones Griffiths es un galés nacido el 18 de febrero de 1936 que a los 14 años recibió un regalo que le cambiaría la forma de ver la vida, una Kodak Brownie, aunque el en ese momento no lo sabría, pues su interés por la fotografía fue compartida por su interés por la ciencia estudiando química y biología y finalmente empezando su vida laboral en una farmacia trasladándose a Londres y haciendo los turnos de noche, esto le da la oportunidad de poder dedicarse de forma casi completa a su pasión por la fotografía por el día, poco a poco va codeándose y realizando contactos que le llevarán en 1961 a trabajar a jornada completa en el diario London Observer.

Philip Jones Griffiths, fotógrafo de guerra.

En 1962 justo un año después cubrirá lo que será su primera guerra al haber sido enviado a Argelia, rápidamente esto le hará replantearse su manera de trabajar y su implicación para con el mundo y su comunidad, en un episodio de su vida, en una capilla metodista de su ciudad natal dirá «Quiero contribuir a cambiar el mundo, cada uno a su manera» y para el será hacerse freelance en 1963, justo dos años después de haber sido contratado por el diario londinense. Con esta mentalidad recorre mas de cuarenta países pasando mucho tiempo en África. Su calidad como fotógrafo y su forma de ver los conflictos y su vida cotidiana hacen que un gran amigo suyo Ian Berry le aconseje para que presente su candidatura a la agencia mas prestigiosa del mundo, Magnum Photos.

Philip Jones Griffiths

Philip Jones Griffiths

Libro Vietnam Inc-Philip Jones GriffithsEn 1966 colabora con esta agencia y no sera hasta 1970 cuando se incorpore como cooperativista, desde 1966 habrá un cambio en su vida al cubrir una de las guerras mas mediáticas y crudas de la historia, Vietnam, su visión de un país de contrastes, exótico y amable roto por una guerra cruel replanteará su condición humana y su trabajo será una de las formas que mejor sabe hacer para descubrir al mundo semejante injusticia, con 35 años en 1971 publica uno de los mejores libros sobre fotografía de guerra que existen, Vientnam, Inc. un libro de culto que en aquel momento cambió la forma de ver de los que serian los futuros fotoperiodistas de conflicto.

Griffiths fotografía la guerra de una forma amable, inteligente, intimista y con una conciencia limpia y que nos invita a reflexionar sobre que es realmente una guerra y el sentido que tiene, de una forma a veces casi infantil rastrea los rincones y las situaciones que en un mundo en guerra son «normales» pero que para el resto del mundo destrozan conciencias e invitan a implicarse.

Fotografías Históricas, El coche deformado de Lartigue (1912)

22 junio, 2015 por Classphoto Deja un comentario

Sin título-4

Los Fotógrafos por aquella época perseguían muchas cosas…y un mundo se abría ante sus ojos. De gasolina, de vapor o ya eléctricos, Ford, Bugatti, Panhar etc… A principios del siglo pasado esto era la gran atracción del público y las gentes de cualquier país. Francia era la cuna de las carreras de coches, desde 1906 el Gran Premio del Automobile Club de France atrae a los mejores conductores nacionales y mundiales que se lanzaban a correr por las carreteras rurales de la época ante los ojos fascinados de los fotógrafos.

Henry Lartigue

La fotografía en cuestión dentro de las Fotografías Históricas ha entrado en la historia de la imagen como el coche deformado. Muestra un Delage desfigurado por la velocidad durante el gran premio del ACF (Autmobile Club de France) el 26 de Junio de 1912. El autor de esta proeza técnica : Jaques-Henri Lartigue, caballero y fotógrafo, entonces con 18 años, provisto de un aparato con el que saca placas de 9/12. Desde niño compone álbumes de fotos que añade unos cuadernos en los que consigna minuciosamente su vida, con textos y croquis.

Aquel día dibuja las imágenes previamente captadas en Tréport, para comprobar después en su cámara oscura si la foto corresponde exactamente a lo que cree haber visto. Entre los croquis: el coche deformado. Anota que lo conducía Boileau a 180 Km/h y añade: «Muy bien». Florette Lartigue la mujer de Jaques dijo que su marido estaba muy orgulloso de esta instantánea, «pues se sirvió de un doble efecto para reforzar la sensación de velocidad». La cámara posee un obturador con un cierre que cae desde arriba, lo que origina una impresión gradual de las placas. El resultado es una distorsión de la imagen que hace ver las ruedas ovaladas . Además, en el momento de disparar , Lartigue gira sobre sí mismo (barrido) y provoca una segunda distorsión: la de los espectadores. «Una idea genial» a juicio del norteamericano Jhon Svarkovski, descubridor de la fotografía para todos nosotros medio siglo después.

Jacques-Henri Lartigue /Jean-Loup Sieff

Jacques-Henri Lartigue – Jean-Loup Sieff

Henri Lartigue, fotógrafo de la vida.

En otra entrada hablaremos de este gran fotógrafo de principios del siglo pasado, el fue quien nos enseñó que la fotografía podía ser cotidiana y divertida, creó tendencia e incluso se le podría culpar junto a George Eastman (Kodak) de asesinar al pictorialismo fotográfico, Lartigue nos descubrió la vida natural de un joven de buena familia con sus imágenes desenfadadas y vida real, apuntaba todos sus avances y creaba ya sus foto libros, documentos hoy día de gran estudio, podríamos decir sin forma despectiva que el fue el primer «Fotero»

Franco Fontana, el fotógrafo del color

5 mayo, 2015 por Classphoto Deja un comentario

Sin título-4

¿Podríamos decir que Franco Fontana fue el primer «instagramer» de la historia?

Franco Fontana es un fotógrafo italiano nacido en Módena en el año 1933, a el se le atribuye un estilo muy personal y propio de fotografía, y es ni mas ni menos que el color, quizás unos de los últimos grandes fotógrafos clásicos o primeros de los modernos pues su época esta dividida entre estos dos tiempos tan marcados del arte fotográfico. Aprovechó como nadie las nuevas tecnologías y técnicas de ese momento, priorizando para sus proyectos el uso de la diapositiva en color, la cámara réflex de paso universal con un solo objetivo seleccionando objetivos mayoritariamente telemétricos y en algún otro caso zooms.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Desierto de Erfoud, 1992 – Basilicata, 1978 – Emilia, 1978

Franco Fontana comenzará siendo un aficionado que visitará en muchas ocasiones grupos y asociaciones fotográficas y estará dominado en cierto modo de ese ambiente que lógicamente en aquel tiempo era dominado por el blanco y negro y la fotografía compositiva mas clásica, pero él, reacio a seguir unas directrices tan marcadas desarrollará poco a poco un estilo propio y dominado por el color gracias a la aparición en aquellos años de la diapositiva en color Ektachrome que al no someterse a procesos antiguos de revelado, era mas sencilla a la hora de revelar y así poder tratar mejor los contrastes y la saturacion.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Los Ángeles, 1991- Houston, 1985 – Emilia, 1973

Así pues, poco a poco Fontana se va atreviendo a instaurar y revolucionar su propio yo interior rompiendo con lo establecido en cuanto a composiciones, será en un viaje a Praga en 1967 donde esto mismo le aflorará con mayor potencia y precisión.

Sus obras se han desarrollado en muchos parajes, siendo lo mas conocido en él los paisajes de campos interminables, donde se movía cómodamente en sus capacidades compositivas de espacios negativos, lineas interminables, juegos geométricos y contrastes colorimétricos que tanta fama le han dado, en base a ello ha realizado grandes proyectos de la misma manera en fotografía arquitectónica y reportaje urbano, así como algo de desnudo, sus fotografías son determinantes, ligeras y bellas, fotografías saturadas y armónicas en color,  jugando con sombras, volúmenes, dibujos y espacios, aprovechando ansiosamente cualquier tipo de impureza visual existente en los medios urbanos, o simplemente transportándote a un instante zen gracias a sus horizontes azules desvanecidos… hoy en día podríamos decir que el estilo «instagramer» que tanto hypster se apropia fue descubierto, elaborado y trabajado mucho antes por este gran artista italiano, o por lo menos su forma y estilo conceptual de la composición.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Londres, 1955 – Zurich, 1981 – Frankfurt, 1982

Raro es que en una escuela no se enseñe su obra fotográfica cuando se habla del color y de la composición, hoy en día Franco Fontana cuenta con 72 años y nos deja un legado fotográfico desenfadado y abstracto que tanto disfrutamos. Franco Fontana, el fotógrafo del color.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Mediterráneo, 1988 – Emilia, 1982 – Mar Ligur, 2005

 

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