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La verdadera historia de la fotografía de Kevin Cárter

31 julio, 2015 por Classphoto 2 comentarios

Mucho ha llovido desde la famosa imagen del malogrado fotógrafo Sudafricano Kevin Carter, una imagen que estremeció al mundo y rompió la inocencia impura de una sociedad viciada y egoísta , desde su aparición en los medios la imagen ha sido objeto de estudio multitud de veces, es una imagen que la gente rechaza y que otros pocos aclaman como un icono de lo que la humanidad no tiene que hacer, aun así tanto la fotografía como su autor han sido protagonistas de una leyenda urbana que poco tenia que ver con la realidad, aquí vais a leer la verdadera historia de la fotografía de Kevin Cárter.

La-verdader-historia-de-la-fotografia-de-Kevin-Carter, Kevin-Karter,

La famosa fotografía de Kevin Cárter

Kevin comenzó en el mundo de la fotografía con 23 años en su Sudáfrica natal, cuando en la poblacion de Soweto cercano a Johannesburgo estaban en guerra, fue ahí, siendo fotógrafo del Johannesburg Star cuando fotografiaba a la poblacion preocupados por la  circunstancia que estaban viviendo. La Situación del país hizo que diez años mas tarde Cárter fotografiara en otro país, Sudán la que sería su imagen mas conocida, en 1993 Kevin vió una imagen que le constataría como un constructor de historias, avistó un niño famélico agachado y detrás de el un buitre al acecho, o por lo menos eso daba a entender la famosa fotografía, esperó a que el animal abriese sus alas para disparar pero no lo logró, se tuvo que conformar con la imagen que conocemos.  La hambruna en Sudán era un hecho, el 26 de Marzo de 1993 The New York Times publicó la fotografía, La opinión pública entendió la foto como una alegoría de lo que sucedía en el país de Sudán, Kong era el problema del hambre y la pobreza, el buitre era el capitalismo y el fotógrafo era la indiferencia del resto de la sociedad. Fue criticado profundamente y él e intentó justificarse, alegando que el niño estaba muriendo y que su tribu estaba a unos metros de el y que el animal esperaba su ración de comida. La fotografía gano el premio Pulitzer ese año.

Kevin Carter,

Cárter fotografiado por su amigo mientras trabajaban.

A partir de aquí la leyenda urbana comienza con la imagen y según se cuenta decía así: El fotógrafo fue una despiadada persona por realizar tan semejante fotografía aprovechándose de la situación del niño hambriento y sin defensa ¿como podía alguien poder realizar esa imagen con un buitre al acecho y no hacer nada? ¿no hacer nada? si, porque aquí viene la segunda parte de esta leyenda pues según el relato Cárter no solo fotografió al niño, si no que ni tan siquiera se dignó a  prestarle ayuda, abandonándolo allí justificándose según la historia en que no podía llevarlo encima. Como podéis observar es una historia bastante cruel y quizás inventada por la propia culpabilidad que sentía la sociedad ante la indiferencia de las naciones ante semejante situación en países como Sudán.

La segunda leyenda dice que Kevin Cárter ante semejante presión y ataque internacional por esa imagen acabo suicidándose por sentirse culpable, parece un justo final para la mayoría de la gente que creyó la primera leyenda y que la sed de venganza social se había cumplido.

Ninguna de las historias es cierta, así que vamos a acercarnos mas a la realidad, Kevin cubría la tragedia de Sudán viajando con Naciones Unidas en un avión de reparto de comida, en un aterrizaje en un poblado, según cuenta Joao Silva, otro gran fotógrafo, los dos bajaron mientras los operarios de Naciones Unidas repartían la comida, eso dio lugar a que los adultos saliesen de sus chozas y cabañas para recoger el sustento dejando libres a los niños por un rato, mientras Silva fue en busca de guerrilleros, Cárter sorprendido por la visión de la hambruna no se alejó mucho y realizo esta toma con el buitre detrás. ¿Situación real de la imagen? el niño esta atendido por una infraestructura humanitaria, la prueba es la pulsera blanca que porta en su muñeca, su posición es la de defecar y el buitre estaba ahí  porque es un sitio habitual para encontrar su carroña pues era la zona denominada por ellos la estercolera y el buitre solo buscaba deshechos y no al niño, pocos metros de el niño estaban las Naciones Unidas y su poblado.

Carter

Kevin Cárter.

Una vez descrita la primera historia, narraré la segunda de ellas que fue el suicidio atribuido por una supuesta culpabilidad por la imagen tomada, para comenzar había que  que conocer bien a Cárter y toda su personalidad, su vida desordenada llena de episodios duros y la toma sistemática de drogas duras como la marihuana, metacualona y barbitúricos hacían de esta persona un ser inestable y propenso a las depresiones, el episodio mas duro para el, fue la pérdida de otro gran fotógrafo y amigo Ken Oosterbroek el 18 de abril de 1994 mientras cubría un tiroteo cerca de Johanesburgo, esto y la presión por no completar un trabajo créo que para Life ya sea por desidia o por perder los carretes hizo que se suicidara el 27 de Julio de 1994 aspirando monóxido de carbono de su camioneta, nos dejó una nota de despedida que dice así:

»  Estoy deprimido…. sin teléfono, sin dinero para el alquiler, sin dinero para los hijos, sin dinero para las deudas… ¡¡¡Dinero!!! estoy atormentado por los recuerdos vívidos, de los asesinatos y los cadáveres y la ira y el dolor, del morir del hambre o los niños heridos, de los locos del gatillo fácil, a menudo de la policía, de los asesinos y verdugos, he ido a unirme con Ken, si tengo suerte. «

Como colofón, decir que la supuesta muerte del niño por no ayudarle no fue tal, 18 años después un equipo de investigación periodística viajo al lugar y logró constatar que el pequeño sobrevivió a la hambruna pero que murió 14 años mas tarde de aquella fotografía por fiebres, su nombre era Kong Nyong.

De Izquierda a derecha Greg Marinovich, Ken Oosterbroek, Joao Silva y Kevin Carter, grupo de amigos y fotógrafos que se autodenominaron Bang Bang Club.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

21 julio, 2015 por Classphoto Deja un comentario

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La fotografía sarcástica de Martin Parr¿Quien es Martin Parr? Para quien no haya oído hablar de el o no lo conozca (su obra quiero decir) entenderá de algún modo el tono con el que esta entrada esta escrita. La fotografía sarcástica de Martin Parr, es quizás el mejor titulo para definir a un fotógrafo un tanto polémico entre sus colegas pero diferente y muy muy divertido.

Martin Parr, un fotógrafo temprano.

Martin Parr nace en Inglaterra (Epsom) en 1952, pronto se aficionará a la fotografía gracias a su abuelo que le llevará sin dilación a fotografiar con el y lo que es mas importante, a disfrutar de todo el proceso fotográfico, como es el revelado y fijado de las imágenes que aparecen casi por arte de magia en los papeles sensibles, poco mas tarde como estudiante empezará a realizar sus escenografías fotográficas acentuando aun mas su gusto por esta disciplina, en Manchester estudiará durante tres años fotografía en la Escula Politecnica, durante estos años empieza a tener cierta fama al ganar el primer premio del Arts Council de Gran Bretanña. En un mundo gráfico donde las salidas mas normales son la de fotografía publicitaria o foto periodismo, Martin busca una vía mas personal y empieza a apostar por un tipo de fotografía muy documental pero que llevará a un estado profundo de investigación sociológica, sus obras se exponen primeramente en centros comerciales y clubes lúdicos donde se producen también performances, al mismo tiempo publica libros y multiplica mas si cabe sus exposiciones donde la gente se «divierte» en cierto modo de ver como somos como seres humanos, aun así, para vivir y dar de comer a su familia y producir sus proyectos su mayor fuente de ingresos será la de docente desde 1975 a 1990 como profesor de fotografía.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

La polémica fotográfica de Martin.

La entrada de Martin en la agencia Magnum Photos en 1994 no será para el un camino de rosas precisamente, pues para poder entrar en la prestigiosa cooperativa se necesita presentar varios proyectos y convivir sin saber que estarás dentro durante al menos dos años en la agencia, una vez hecho esto, los cooperativistas votan quien de los que se están disputando el puesto entra o no, fue la primera vez que en Magnum hubo problemas y acaloradas discusiones entre cooperativistas por dejar entrar a Martin Parr o no, su trabajo sátiro y sarcástico no entraba en las políticas de los fotógrafos mas conservadores donde veían en la fotografía un medio de comunicación donde siempre se tenia que datar de algún modo las penas y las desigualdades y Martin en eso se distanciaba mucho, sus reportajes no faltos de ningún modo de calidad tenían y tienen precisamente ese valor añadido, que al verlos sonreímos y nos informa de forma social de como somos, algo muy difícil, se podría decir que es la comparación entre un actor cómico y uno de drama… y siempre dicen que es mucho mas complicado hacer reír que llorar. In extremis Martin entró a formar parte de la prestigiosa agencia. Hoy en día sigue produciendo sus proyectos y trabaja bajo pedido en reportajes que siempre dan que hablar.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

Un estilo fotográfico muy diferente y atrevido.

El estilo de Martin Parr se define como un fotógrafo que intenta descubrirnos la incongruencia del ser humano y la capacidad que tenemos de reírnos de nosotros mismos y porque no de los demás, sus polémicos trabajos en cuanto a debates conservadores no tienen ninguna duda en cuanto a calidad documental y visión fotográfica, el como nadie sabe descubrirnos a la sociedad enferma y delirante, de hecho ningún otro autor aun hoy en día ha sido capaz de acercarse a este particular estilo, sus imágenes llenas de un color a veces casi explosivo y rozando la búsqueda de lo hortera de forma acertada nos trasladan a momentos agobiantes y lúdicos que en sí la gente busca y anhela, sus autorretratos definen claramente la sátira constante riéndose de si mismo, algo que delata una gran inteligencia y un gran humanismo, fue el quien presentó como una técnica más la de fotografiar con flash anular en reportajes donde ni se nos hubiese pasado por la cabeza semejante idea, que ademas funciona concentrando puntos de interés y agrandando la marginalidad de los momentos de engaño propio de nuestra sociedad que pensamos imperturbable.

La fotografía sarcástica de Martin Parr

 

Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia

6 julio, 2015 por Classphoto Deja un comentario

Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia

Philip Jones Griffiths-Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia

Philip Jones Griffiths por Graham Harrison, London, 3 June 2007.

Tuve muy claro como titular o denominar esta entrada al ver y conocer durante años la obra de Griffiths, Philip Jones Griffiths, La fotografía desde la inocencia. Una anotación finaliza la biografía que el fotógrafo Philip Jones Griffiths distribuye a todos los que quieren conocer su trayectoria «La necedad humana me ha fascinado siempre, pero fiel a la ética de Magnum creo en la capacidad de los hombres para mejorar»

Philip Jones Griffiths es un galés nacido el 18 de febrero de 1936 que a los 14 años recibió un regalo que le cambiaría la forma de ver la vida, una Kodak Brownie, aunque el en ese momento no lo sabría, pues su interés por la fotografía fue compartida por su interés por la ciencia estudiando química y biología y finalmente empezando su vida laboral en una farmacia trasladándose a Londres y haciendo los turnos de noche, esto le da la oportunidad de poder dedicarse de forma casi completa a su pasión por la fotografía por el día, poco a poco va codeándose y realizando contactos que le llevarán en 1961 a trabajar a jornada completa en el diario London Observer.

Philip Jones Griffiths, fotógrafo de guerra.

En 1962 justo un año después cubrirá lo que será su primera guerra al haber sido enviado a Argelia, rápidamente esto le hará replantearse su manera de trabajar y su implicación para con el mundo y su comunidad, en un episodio de su vida, en una capilla metodista de su ciudad natal dirá «Quiero contribuir a cambiar el mundo, cada uno a su manera» y para el será hacerse freelance en 1963, justo dos años después de haber sido contratado por el diario londinense. Con esta mentalidad recorre mas de cuarenta países pasando mucho tiempo en África. Su calidad como fotógrafo y su forma de ver los conflictos y su vida cotidiana hacen que un gran amigo suyo Ian Berry le aconseje para que presente su candidatura a la agencia mas prestigiosa del mundo, Magnum Photos.

Philip Jones Griffiths

Philip Jones Griffiths

Libro Vietnam Inc-Philip Jones GriffithsEn 1966 colabora con esta agencia y no sera hasta 1970 cuando se incorpore como cooperativista, desde 1966 habrá un cambio en su vida al cubrir una de las guerras mas mediáticas y crudas de la historia, Vietnam, su visión de un país de contrastes, exótico y amable roto por una guerra cruel replanteará su condición humana y su trabajo será una de las formas que mejor sabe hacer para descubrir al mundo semejante injusticia, con 35 años en 1971 publica uno de los mejores libros sobre fotografía de guerra que existen, Vientnam, Inc. un libro de culto que en aquel momento cambió la forma de ver de los que serian los futuros fotoperiodistas de conflicto.

Griffiths fotografía la guerra de una forma amable, inteligente, intimista y con una conciencia limpia y que nos invita a reflexionar sobre que es realmente una guerra y el sentido que tiene, de una forma a veces casi infantil rastrea los rincones y las situaciones que en un mundo en guerra son «normales» pero que para el resto del mundo destrozan conciencias e invitan a implicarse.

Fotografías Históricas, El coche deformado de Lartigue (1912)

22 junio, 2015 por Classphoto Deja un comentario

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Los Fotógrafos por aquella época perseguían muchas cosas…y un mundo se abría ante sus ojos. De gasolina, de vapor o ya eléctricos, Ford, Bugatti, Panhar etc… A principios del siglo pasado esto era la gran atracción del público y las gentes de cualquier país. Francia era la cuna de las carreras de coches, desde 1906 el Gran Premio del Automobile Club de France atrae a los mejores conductores nacionales y mundiales que se lanzaban a correr por las carreteras rurales de la época ante los ojos fascinados de los fotógrafos.

Henry Lartigue

La fotografía en cuestión dentro de las Fotografías Históricas ha entrado en la historia de la imagen como el coche deformado. Muestra un Delage desfigurado por la velocidad durante el gran premio del ACF (Autmobile Club de France) el 26 de Junio de 1912. El autor de esta proeza técnica : Jaques-Henri Lartigue, caballero y fotógrafo, entonces con 18 años, provisto de un aparato con el que saca placas de 9/12. Desde niño compone álbumes de fotos que añade unos cuadernos en los que consigna minuciosamente su vida, con textos y croquis.

Aquel día dibuja las imágenes previamente captadas en Tréport, para comprobar después en su cámara oscura si la foto corresponde exactamente a lo que cree haber visto. Entre los croquis: el coche deformado. Anota que lo conducía Boileau a 180 Km/h y añade: «Muy bien». Florette Lartigue la mujer de Jaques dijo que su marido estaba muy orgulloso de esta instantánea, «pues se sirvió de un doble efecto para reforzar la sensación de velocidad». La cámara posee un obturador con un cierre que cae desde arriba, lo que origina una impresión gradual de las placas. El resultado es una distorsión de la imagen que hace ver las ruedas ovaladas . Además, en el momento de disparar , Lartigue gira sobre sí mismo (barrido) y provoca una segunda distorsión: la de los espectadores. «Una idea genial» a juicio del norteamericano Jhon Svarkovski, descubridor de la fotografía para todos nosotros medio siglo después.

Jacques-Henri Lartigue /Jean-Loup Sieff

Jacques-Henri Lartigue – Jean-Loup Sieff

Henri Lartigue, fotógrafo de la vida.

En otra entrada hablaremos de este gran fotógrafo de principios del siglo pasado, el fue quien nos enseñó que la fotografía podía ser cotidiana y divertida, creó tendencia e incluso se le podría culpar junto a George Eastman (Kodak) de asesinar al pictorialismo fotográfico, Lartigue nos descubrió la vida natural de un joven de buena familia con sus imágenes desenfadadas y vida real, apuntaba todos sus avances y creaba ya sus foto libros, documentos hoy día de gran estudio, podríamos decir sin forma despectiva que el fue el primer «Fotero»

Dos grandes exposiciones fotográficas en Zaragoza

19 junio, 2015 por Classphoto 1 comentario

Sin título-4

Dos muestras expositivas, dos grandes exposiciones fotográficas acaban de aterrizar en Zaragoza, unas veces tan poco y otras nos vienen de golpe dos grandezas como estas.

De la mano de la programación del XVIII Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales PhotoEspaña 2015, Se nos deleita con la muestra de 125 obras del Fotógrafo Nicolás Muller (1913-2000) una exposición que narran sus viajes por Francia, Portugal, Marruecos y España, en la gran sala expositiva que es La Lonja de Zaragoza, justo al lado del Ayuntamiento de la ciudad, la exhibición estará abierta hasta el 13 de Septiembre de este año.

dos grandes exposiciones fotográficas, Nicolas Muller

Imágenes de Nicolás Muller que podrán verse en La Lonja de Zaragoza

Esta muestra, que está formada por 125 piezas fotográficas en blanco y negro y un audiovisual, ofrecen una relectura de la obra de este húngaro judío, que llegó a España en la década de los 40 y conoció a intelectuales como Ortega y Gasset o Azorín. La exposición ‘Nicolás Muller. Obras Maestras’ recorre los distintos países por los que pasó el autor a lo largo de su vida, motivado por la ola antisemita de su país natal. De esta manera, se pueden ver imágenes suyas tomadas en Hungría, Francia, Portugal, Marruecos y España. Nicolás Muller renovó totalmente la fotografía española ya que cuando llegó todavía estaba muy presente el academicismo en esta disciplina. El húngaro aportó elementos nuevos como «la mirada documental y de preocupación social». Las influencias de las teorías constructivistas y las nuevas formas visuales originadas en la escuela de la Bauhaus producen, en su caso, una fotografía directa, expresiva y social que retrata a las clases sociales más desfavorecidas.

La muestra puede visitarse de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 durante los días laborales –lunes cerrado–, y los domingos y festivos de 10.00 a 14.30.

Otra gran muestra es Génesis del fotógrafo brasileño Sebastiao Salgado, esta exposición ya ha recorrido varias ciudades de España y ahora por fin llega a Zaragoza gracias a la obra cultural de La Caixa, obviamente esta expuesta en el Caixa Forum de la ciudad y estará abierta hasta el 18 de Octubre.

dos grandes exposiciones fotográficas, Sebastiao Salgado

Imágenes de Sebastiao Salgado de la exposición «Génesis»

Aunque muchos de nosotros ya conocemos la muestra que recoge Génesis no esta de más poder deleitarnos en vivo de estas sorprendentes imágenes sobre viajes y culturas que Sebastiao Salgado capturó a lo largo de su carrera como fotógrafo. Durante ocho años tuvo el privilegio de viajar al «paraíso» para recoger en imágenes la belleza del 45 por ciento de la superficie del planeta que todavía no ha sido alterada por el hombre y que le sirvió, además, como terapia según sus palabras. El proyecto de Génesis,  surgió después de que Salgado heredara de su padre unas tierras en Brasil que habían sido fértiles y se habían convertido en yermas y desertizadas, el fotógrafo y su esposa, Lelia Wanick, se comprometieron a recuperar «parte de la foresta» y tras ver el resultado «alentador» se les ocurrió dedicar ocho años a denunciar la barbarie de la intervención del hombre en el medio ambiente, pero retratando «lo más bello» que puede ofrecer el entorno.

Así, en 2002 comenzó la preparación, planificación y coordinación de un proyecto que dos años después empezó a materializarse en las primeras fotografías de Salgado tomadas en las islas Galápagos y que 32 viajes después, realizados hasta 2012, le sirvieron para completar esta muestra. El proyecto, le ha servido a Salgado de «terapia» tras la depresión en la había caído al concluir su anterior trabajo, también de ocho años, «Éxodos», además de para reconciliarse con el ser humano y conocer «el paraíso en la tierra»

 

Fotógrafos de cómic

20 mayo, 2015 por Classphoto Deja un comentario

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La profesión de fotógrafo según un estudio de hace unos meses decía que estaba entre las 10 profesiones mas atractivas para la gente, y digo yo, siempre y cuando desconozcan a fondo lo que hoy en día significa ser fotógrafo, mas que nada porque seguro que muchos creen que viajamos y descubrimos mundos insólitos o que estamos todo el día fotografiando y ya sabéis que no es así y que la edición y el papeleo ocupan mas de la mitad del tiempo de un fotógrafo de boda, publicidad o prensa… ojo, aun así no cambiaría mi profesión, que conste.

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Todo esto me llevó a pensar un día la cantidad de películas, novelas y demás historias que se han creado alrededor de la fotografía o de un fotógrafo, ese día me paré a cavilar mas concretamente en el mundo de los cómics porque cuando era un pedugo con alguna inquietud que otra, releía sin parar un tebeo que tenía sobre las aventuras de una peliroja fotoperiodista menuda y vivaracha que hacia que me transportara a su mundo de una manera directa, aquí en España se llamaba Rita Reporter.

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El mundo del cómic ha dado muchos personajes que de una forma secreta o no secreta se dedicaban a la fotografía, el mas conocido hoy por hoy quizás sea Spiderman… o mejor dicho Peter Parker, el entre proeza y proeza por salvar a su ciudad luchará por un puesto fijo como fotógrafo del Daily Bugle, una gran referencia actual pues la figura del colaborador es totalmente existente a día de hoy. Otro que entraria como personaje pero en este caso como actor secundario sería Jimmy Olsen, el compañero de curro de Clark Kent, el famoso Superman que trabajaba como redactor del Daily Planet, Olsen se ocuparía de realizar historias y captar gráficamente todos los reportajes. Perico Carambola o el mas que legendario Reportero Tribulete son el producto de una España necesitada de humor y de historias en las cuales siempre llevaban encima una cámara para mostrar sus noticias. Mas personajes como el creado por Manfred Sommer hacían un homenaje al desaparecido fotógrafo de guerra Robert Capa, su nombre hace honor al fallecido fotógrafo y se llamará Frank Cappa, también recorrerá las guerras dando un discurso pacificador y de odio a los conflictos.

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Las chicas de la fotografía.

Las chicas también han tenido sus personajes, en este caso en los sesenta apareció de la mano de Carme Barbará y Ricardo Acerdo la figura de Mary «Noticias» mas cercana a una bloguera de hoy que compone pequeñas noticias con su cámara que realmente a una periodista acompañada de su pequeña telemétrica. Mas chicas ocuparon las paginas del cómic, hemos empezado con una de ellas, y con ella acabamos, mi musa de la pre-adolescencia Rita Reporter, este era su nombre en España pero realmente el padre de este personaje el señor Wasterlain la llamo originalmente Jeannete Pointu y me conquistó aun existiendo creo, tan solo un álbum de sus aventuras editada por ediciones Juventud de Grijalbo, sus vivencias aparecían en la revista juvenil de los ochenta denominada Guay. En las vivencias de este personaje aficionada al motocross en el álbum editado en España fotografiará el Tour de Francia, Un gran premio de F1, la guerra en Beirut, el París Dakar y hasta un atentado en directo, personalmente dentro de la ficción, Wasterlain reproduce en este tomo titulado «Rita Reporter, yo viví el París- Dakar» la vida de un foto reportero de una manera muy real y con unos dibujos muy detallados y frescos.

Hasta aquí mi humilde aportación en una entrada creo que original a la par que curiosa, el mundo del cómic cerca de los fotógrafos.

Franco Fontana, el fotógrafo del color

5 mayo, 2015 por Classphoto Deja un comentario

Sin título-4

¿Podríamos decir que Franco Fontana fue el primer «instagramer» de la historia?

Franco Fontana es un fotógrafo italiano nacido en Módena en el año 1933, a el se le atribuye un estilo muy personal y propio de fotografía, y es ni mas ni menos que el color, quizás unos de los últimos grandes fotógrafos clásicos o primeros de los modernos pues su época esta dividida entre estos dos tiempos tan marcados del arte fotográfico. Aprovechó como nadie las nuevas tecnologías y técnicas de ese momento, priorizando para sus proyectos el uso de la diapositiva en color, la cámara réflex de paso universal con un solo objetivo seleccionando objetivos mayoritariamente telemétricos y en algún otro caso zooms.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Desierto de Erfoud, 1992 – Basilicata, 1978 – Emilia, 1978

Franco Fontana comenzará siendo un aficionado que visitará en muchas ocasiones grupos y asociaciones fotográficas y estará dominado en cierto modo de ese ambiente que lógicamente en aquel tiempo era dominado por el blanco y negro y la fotografía compositiva mas clásica, pero él, reacio a seguir unas directrices tan marcadas desarrollará poco a poco un estilo propio y dominado por el color gracias a la aparición en aquellos años de la diapositiva en color Ektachrome que al no someterse a procesos antiguos de revelado, era mas sencilla a la hora de revelar y así poder tratar mejor los contrastes y la saturacion.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Los Ángeles, 1991- Houston, 1985 – Emilia, 1973

Así pues, poco a poco Fontana se va atreviendo a instaurar y revolucionar su propio yo interior rompiendo con lo establecido en cuanto a composiciones, será en un viaje a Praga en 1967 donde esto mismo le aflorará con mayor potencia y precisión.

Sus obras se han desarrollado en muchos parajes, siendo lo mas conocido en él los paisajes de campos interminables, donde se movía cómodamente en sus capacidades compositivas de espacios negativos, lineas interminables, juegos geométricos y contrastes colorimétricos que tanta fama le han dado, en base a ello ha realizado grandes proyectos de la misma manera en fotografía arquitectónica y reportaje urbano, así como algo de desnudo, sus fotografías son determinantes, ligeras y bellas, fotografías saturadas y armónicas en color,  jugando con sombras, volúmenes, dibujos y espacios, aprovechando ansiosamente cualquier tipo de impureza visual existente en los medios urbanos, o simplemente transportándote a un instante zen gracias a sus horizontes azules desvanecidos… hoy en día podríamos decir que el estilo «instagramer» que tanto hypster se apropia fue descubierto, elaborado y trabajado mucho antes por este gran artista italiano, o por lo menos su forma y estilo conceptual de la composición.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Londres, 1955 – Zurich, 1981 – Frankfurt, 1982

Raro es que en una escuela no se enseñe su obra fotográfica cuando se habla del color y de la composición, hoy en día Franco Fontana cuenta con 72 años y nos deja un legado fotográfico desenfadado y abstracto que tanto disfrutamos. Franco Fontana, el fotógrafo del color.

Franco-Fontana, el-fotógrafo-del-color,

Mediterráneo, 1988 – Emilia, 1982 – Mar Ligur, 2005

 

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